improv sphere

Ras de marée

2012-03-01T06:07:00.000-08:00

Compilation - Marées de hauteurs diverses (Insubordinations/Tsuko Boshi, 2011)

Compilation publiée en CDR et en téléchargement libre par les labels Insubordinations et Tsuko Boshi Records, Marées de hauteurs diverses réunit sept musiciens électroacoustiques qui retravaillent chacun à leur manière un album de Diatribes et Abdul Moimême: Complaintes de marée basse, également publié par le netlabel Insubordinations. On trouve donc sur cette compilation, dans l'ordre, Blindhæð, Nicolas Bernier, Honoré Feraille, Ludger Hennig, Mokuhen, Francisco López, et Herzog.

Autant l'avouer tout de suite, je ne connais pas la moitié de ces artistes, donc il est assez difficile de savoir de quelle manière chacun s'est réapproprié le matériau de base, étant donné surtout qu'il est la plupart du temps difficilement reconnaissable. La plupart des pistes restent tout de même dans un univers ambient avec quelques tendances noise de temps à autre, hormis peut-être Bernier qui réutilise nettement l'improvisation 'Cructacés' et la batterie énergique de cette pièce, ainsi que Francisco López qui fait un usage immodéré du silence. Quant aux autres pièces, il s'agit souvent de nappes sonores ambient, de longues nappes où se noient les intentions premières de Diatribes et Moimême. Une compilation calme, pas forte, où des textures numériques se succèdent pour former des ambiances souvent sombres, inquiétantes parfois, mais où les Complaintes originales percent difficilement. C'est en tout cas l'occasion de découvrir quelques artistes extérieurs à la musique improvisée, beaucoup plus proches de la musique électroacoustique et surtout électronique, dont certains comme Nicolas Bernier et Ludger Hennig pour leurs mixages et leurs manipulations/collages électroacoustiques très réussis, ainsi que Mokuhen, qui m'ont tous parus plutôt prometteurs.

Comme d'habitude, l'intégralité de cette compilation est disponible en téléchargement gratuit sur Insubordinations: http://www.insubordinations.net/releasesrwk02.html

Diatribes & Abdul Moimême - Complaintes de marée basse (Insubordinations, 2010)

A l'occasion de la sortie de la compilation Marées de hauteurs diverses, j'en profite pour écrire quelques notes sur le disque qui a inspiré les sept musiciens de cette compilation. Il s'agit de Complaintes de marée basse, une suite de sept improvisations par le duo Diatribes, c'est-à-dire d'incise (ordinateur, objets, caisse claire, cymbales, archets, etc.) en compagnie de Cyril Bondi à la batterie et aux percussions, duo auquel se greffe le guitariste portugais Abdul Moimême (deux guitares préparées, objets métalliques, cymbales, métronome, etc.).

La suite de Complaintes rassemble des improvisations plutôt variées, souvent très axées sur les percussions et toutes sortes de sons indéterminés, notamment grâce aux archets et harmoniques parfois multiphoniques, mais aussi et surtout grâce à la multitude d'objets utilisés. Des improvisations parfois calmes à tendance ambient, parfois très énergiques et rythmiques, avec également quelques touches rock distordu par moments. Le trio possède une dynamique sonore très collective où les objets et les percussions de chacun se mélangent sans non plus se confondre. L'interaction est plutôt solide et sensible entre ces trois musiciens qui collaborent régulièrement ensemble depuis plusieurs années maintenant. Et cette interaction génère des textures sonores singulières, où des percussions arythmiques se mêlent à des nappes lisses et grinçantes; car l'attention aux textures est primordiale durant ces improvisations, et le trio s'évertue continuellement à explorer les sources sonores les plus diverses, musicales ou non, tout en les confondant et en cachant plus ou moins leur origine.

Très bon boulot pour cette deuxième publication CD du netlabel Insubordinations, qu'on peut toujours trouver ici en téléchargement gratuit: http://www.insubordinations.net/releasescd02.html

derniers d'incise

2012-02-28T07:53:00.000-08:00

d'incise/hennig/kocher/sciss - sans titre (Insubordinations, 2012)

Quartet étrange publié en téléchargement libre sur Insubordinations et en CDR, ce nouvel opus de d'incise (ordinateur et objets) réunit deux autres créateurs de textures sonores numériques, Ludger Hennig et Sciss (Hanns Holger Rutz de son vrai nom), ainsi que l'accordéoniste Jonas Kocher.

Étrange formation électroacoustique car on peut se demander ce qu'un accordéon vient faire au beau milieu de ces trois ordinateurs. Mais en fait, la distinction entre les sources informatiques et les sources acoustiques est la plupart du temps difficile à faire durant ces quarante minutes. Quelques objets (souvent percussifs, comme des cloches) sont triturés de mille manières par d'incise, l'accordéon joue principalement sur la dynamique des différentes textures possibles, et les différents traitements informatiques jouent des contrastes et des ruptures entre les couleurs. Le souffle des basses de l'accordéon, accords profonds et caverneux, s'opposent à des ondes sinusoïdales proches du larsens, tandis que des boucles surgissent et disparaissent. L'ambiance est étrange, souvent calme et linéaire, mais de nombreuses ruptures et fractures sont également là, le calme peut facilement être rompu par une boucle agressive, par un puissant accord d'accordéon ou par un traitement sonore virulent. Tout est affaire d'ambiance, d'opposition et de contrastes entre les textures et les dynamiques, affaire de narration et de fracture, d'interaction entre l'informatique et l'acoustique.

Une interaction et un dialogue surprenants entre les différentes sources sonores, pas toujours passionnant, mais qui parvient bien un créer une ambiance et un univers originaux, et à explorer des territoires escarpés et frais.

Album disponible sur le site d'Insubordinations à cette adresse: http://www.insubordinations.net/releasescdr11.html

Diatribes/Abdul Moimême/Eduardo Chagas/Ernesto Rodrigues/Nuno Torres - Brume (Creative Sources, 2011)

Autre disque de d'incise sous le nom de Diatribes cette fois, c'est-à-dire lui-même à l'ordinateur et aux objets avec son camarade Cyril Bondi, à la grosse caisse, aux objets et aux cymbales. Sur Brume, on trouve également en compagnie du duo quelques musiciens portugais habitués du label CS, Abdul Moimême à la guitare préparée, Eduardo Chagas au trombone, Ernesto Rodrigues au violon alto et Nuno Torres au saxophone alto.

Cinq improvisations sans titres et sans surprises où les textures se multiplient et s'agencent avec calme et quiétude. Une grande sensibilité aux couleurs, à l'interaction et aux mélanges des sons, mélanges indistincts de techniques étendues variées et multiples. Sans surprises par rapport à l'ambiance assez commune aux productions portugaises, mais tout de même, Brume est composé d'agencements de couleurs toujours surprenantes et particulières. Un album qui porte bien son nom, tant l'univers est justement brumeux, avec cette multitude de bruits qui fusionnent en une masse informe de sons. Une architecture sonore un peu vaporeuse où la source importe peu par rapport au son collectif, une musique de groupe, collective avant tout, qui joue énormément sur l'interaction et l'étirement du temps, car on ne trouve évidemment aucune pulsation, aucun rythme, ni aucune mélodie ou note. Le son du groupe est assez prenant et nous emmène sur des territoires connus de ces musiciens, mais tout de même peu communs, entre les micropolyphonies de Ligeti et la scène réductionniste. Les fans seront ravis, les néophytes déroutés, et les amateurs pourront naviguer entre le scepticisme et l'admiration. Quant à moi, je ne sais pas où me placer, je me balance entre ces sentiments et ces pensées contradictoires... A vous de voir.

Eli Keszler + John Wiese

2012-02-22T02:03:00.000-08:00

Eli Keszler - Cold Pin (Pan, 2011)

A la base, Cold Pin est une installation à l'intérieur du Cyclorama de Boston: quatorze cordes de différentes longueurs activées par des moteurs et contrôlées, filtrées et modulées par des micro-contacts, des câbles rca et des micro-controlleurs. Pour ces deux pièces basées sur cette installation et publiées en vinyle par le label allemand PAN, Keszler a également fait appel à plusieurs musiciens: Geoff Mullen à la guitare, Ashley Paul à la clarinette et guitare, Greg Kelley à la trompette, Reuben Son au basson, et Benjamin Nelson au violoncelle. En plus de contrôler l'installation, Keszler joue également de la batterie et un peu de guitare.

Deux improvisations (à moins que ce ne soit composé, difficile à savoir dans ce contexte) extrêmement denses, deux improvisations où la batterie, même si elle est légère, tourne dans tous les sens, frappe ou tapote de nombreux objets, de nombreuses peaux et bols. Et pendant ce temps, les cordes activées forment des clusters inquiétants et sombres, imposants, surprenants. On ne les attend jamais, mais elles arrivent toujours, en masse, denses, puissantes, viscérales. Tandis qu'à leurs côtés, chaque instrumentiste joue de longues notes, la plupart du temps dans un registre grave. Des nappes souterraines sur lesquelles l'installation peut pousser ses cris caverneux. Musique géologique de décomposition, cluster acoustique agité et hystérique: un peu comme si la catastrophe était dorénavant imminente, l'urgence est de mise durant cette demi-heure qui fait bien de ne pas durer plus. Cette urgence, on la ressent aussi dans ces guitares triturées uniquement dans les aigus, contrastant avec les graves des soufflants. Deux pièces aussi denses qu'intenses, très sombres et tendues, à la limite de l'oppression sonore et de l'anxiété rythmique.

Assez difficile d'accès, du fait de sa densité et de son déploiement magistral de couleurs qui se brouillent en une nuée sonore aux confins de l'irrationnel, Cold Pin est tout de même un LP puissant, très bien enregistré, et plutôt original. Sans parler de la magnifique pochette digne de PAN et de Bill Kouligas... A écouter.

John Wiese - Seven of Wands (PAN, 2011)

Je viens de me rendre compte que je n'avais encore jamais chroniqué JW ici: figure majeur de la harsh noise et un des trois maîtres des murs de sons blancs les plus virulents et les plus agressifs. Du moins jusqu'à Seven of Wands... La harsh dès les années 90 et jusqu'à aujourd'hui a toujours eu quelque chose d'alarmiste, chaque performance semble signer à chaque fois la fin du monde. Les assauts sonores où une infinité de fréquences se multiplient ne sont jamais sans évoquer une planète en flamme, où tous les êtres vivants se consument dans un immense incendie déclenché par la marche autonomisée d'une technologie inhumaine. Avec Seven of Wands, on pourrait penser que JW veut maintenant évoquer l'après-catastrophe, car elle est maintenant inéluctable, et ce malgré (peut-être même grâce) les multiples réformes écolos visant à gérer le désastre sans toucher à ses fondements.

Voyage post-apocalyptique inquiétant et long travelling à travers un univers dévasté par les aberrations technologiques et industrielles. JW nous plonge dans ici dans une musique imagée, cinématographique: mais ce n'est plus une cellule familiale (dernier refuge atomique de l'humanité) qui survit, comme dans les films catastrophes, ce sont plutôt des nuées d'insectes mécanisés, monstres hybrides aux allures plutôt hostiles, des meutes d'araignées bioniques de quatre mètres qui tentent de survivre à des hordes de rapaces génétiquement modifiés. On ne sait plus où on est, ni où on va (mais le sait-on dans la réalité?); chaque paysage est inconnu, et ne semble pas prêt à nous accueillir - soit nous sommes étrangers, soit la planète nous est devenue étrangère.

Lu musique de JW se fait ici beaucoup plus calme, plus aérée, mais en même temps, elle devient mille fois plus sombre, stressante et inquiétante: ce qui la rend d'autant plus envoûtante. De nombreuses nappes synthétiques, des sons parfois instrumentaux (gongs notamment), il ne s'agit plus de fréquences démultipliées et saturées, les murs de sons ont laissé place à des nappes beaucoup plus lisses au service d'un univers narratif et pictural pessimiste et inquiétant. Recommandé!

Tracklist: 1-The new dark ages / 2-Scorpion immobilization sleeve / 3-Alligator born in slow motion / 4-Burn out / 5-Corpse solo / 6-Don't move your finger / 7-Don't stop now you're killing me

Erb/Lonberg-Holm/Roebke/Rosaly - Sack (Veto, 2011)

2012-02-21T07:59:00.002-08:00

Après un trio et un solo sur ce nouveau sous-label de Veto dédié à la musique improvisée chicagoanne: Christoph Erb (clarinette basse et saxophone ténor) revient avec un quartet composé par le violoncelliste et guitariste Fred Lonberg-Holm, Jason Roebke à la contrebasse et Frank Rosaly à la batterie (et quelque fois à l'électronique).

Enregistrées lors de la résidence de Christoph Erb à Chicago, ces quatre improvisations sont à tendance très fortes, libres et collectives. Du gros free jazz en somme. Sauf qu'il ne suffit pas toujours de jouer fort et en crescendo pour que ça marche, ce qui semble être le seul but de ces improvisations. Même s'il y a quelques moments plus calmes, et quelques duos plus espacés, ces parties sont toujours tendues vers une improvisation collective bordélique et forte (comme on peut parfois les aimer). J'avoue que j'ai vraiment eu du mal à m'immerger dans ces quatre pièces, à part quelques passages en formation réduite (notamment un duo sax/batterie où le ténor joue des multiphoniques en mode lyrique) où l'écoute marche très bien, le reste du disque se compose d'improvisations collectives souvent intenses mais où le dialogue ne prend pas réellement. Quatre improvisations où chacun fait preuve de virtuosité avec son lot de techniques étendues et de jeux très rapides (tel l'infatigable Rosaly, et le "guitariste" Lonberg-Holm fraichement émerveillé par quelques effets sommaires), mais cette virtuosité semble n'avoir qu'un seul but: une densité et une intensité maximales.

C'est pas mauvais, mais juste trop dense, trop fort, trop free ai-je envie de dire. Beaucoup de déjà-entendu d'une part, mais surtout un manque d'écoute et de dialogue véritables extérieurs à quelques clichés du free jazz.

Tracklist: 1-Karung / 2-Kott / 3-Kadhananlo / 4-Meshok

Myelin - Axon (Intonema, 2011)

2012-02-18T02:03:00.000-08:00

Je ne sais pas si Heddy Boubaker et Birgit Ulher conçoivent leur musique comme un système ou un ensemble neuronal, mais en tout cas, le nom du projet ainsi que le nom de cette deuxième publication se rapportent explicitement à deux termes neurologiques en rapport avec la constitution de la fibre nerveuse. Quoiqu'il en soit, j'éviterai la comparaison car la neurobiologie est une discipline complètement inconnue pour moi.

Si chacun des deux musiciens utilise avant tout son instrument de prédilection: le saxophone pour Heddy et la trompette pour Birgit, ils l'utilisent néanmoins de la même manière que les différentes sources présentes sur ces sept pièces, comme la radio, les haut-parleurs, la sourdine, etc. Et s'il est souvent dur de différencier les deux instrumentistes, on peut même avoir parfois du mal à différencier les instruments des autres objets. Myelin oscille entre une tendance à faire du bruit à partir des instruments grâce à l'utilisation d'une multitude de techniques étendues comme les slaps, souffles, crépitements, flatterzunge, etc. (et les deux soufflants sont connus pour leur virtuosité et leur créativité dans ce domaine); le duo oscille donc entre cette tendance et celle qui consiste à faire de la musique à partir d'objets non-musicaux.

Ce qui est surprenant et réjouissant avec Axon, c'est que malgré une abstraction évidente et constante (car même le peu de notes jouées surgissent comme des phénomènes bruitistes), cette suite d'improvisations n'apparaît pas du tout comme une suite froide ou austère. La complicité et la proximité entre les deux musiciens diffusent une chaleur pas évidente à trouver et à produire dans ce genre de musique: l'écoute semble très sensible et l'interaction très intime à tel point qu'on différencie difficilement les deux musiciens comme je le disais plus haut déjà. Et c'est cette interaction qui fait d'Axon une suite empreinte de chaleur et d'humanité, deux caractéristiques qui rendent l'écoute beaucoup plus facile et les techniques étendues beaucoup plus intéressantes.

Une suite pleine de virtuosité, pas forcément très innovante, mais plutôt jouissive grâce à cette interaction chaleureuse et intime entre les deux membres de Myelin. Bon boulot!

Daunik Lazro/Jean-François Pauvros/Roger Turner + Peeping Tom

2012-02-16T08:00:00.000-08:00

Daunik Lazro/Jean-François Pauvros/Roger Turner - Curare (NoBusiness, 2011)

Inutile je pense de présenter Daunik Lazro et Roger Turner, figures légendaires du free jazz depuis plusieurs décennies. Aux côtés du saxophoniste français et du percussionniste anglais, on peut entendre sur Curare un des membres fondateurs du groupe Marteau Rouge: le guitariste Jean-François Pauvros.

Techniques étendues, longs crescendo, phases d'accalmies très tendues, improvisations collectives, refus des thèmes, dynamique presque cathartique: aucun doute, nous sommes en plein territoire free et ce trio n'apporte rien de bien neuf ni de très innovateur. Ceci-dit, je n'arrive pas à me lasser de l'énergie organique et indomptable de DL (qui fait ici quelques remarquables retours au saxophone alto ainsi que quelques digressions animales avec son bec), ni de la puissance et de la profusion de RT. Mon seul bémol serait peut-être pour JFP, qui dilate un peu trop la tension avec ses longues résonances filtrées et modulées par des pédales. Mais au sein de ces codes déjà entendus, chacun de ces trois musiciens parvient à exprimer son énergie avec liberté, spontanéité et créativité, le trio ne reculant pas devant de longues nappes lisses et légères, ni devant des phrases rythmiques et mélodiques, sans oublier les inévitables climax formant des phases de chaos et de fureur généralement propres au free jazz.

Si les phases de repos sont nécessaires pour équilibrer ces climax, elles forment ici la partie la moins intéressante et la plus froide de ces quatre pièces et font de ce disque une suite inégale d'improvisations. Heureusement, les parties les plus énergiques rééquilibrent la dynamique générale et rendent cette suite plus chaleureuse et intense. Car ce sont bien ces actes de fureur composés de cris qui me paraissent les plus "authentiques", c'est du moins plus proche de mes attentes concernant DL et RT. Inégal, mais pas mal.

Tracklist: 1-Morsure / 2-White Dirt / 3-En Nage / 4-The Eye

Peeping Tom - Boperation (Umlaut, 2011)

Peeping Tom est un groupe de free jazz composé de quatre musiciens: Pierre-Antoine Badaroux au saxophone alto, Joel Grip à la contrebasse, Antonin Gerbal à la batterie, et enfin, Axel Dörner à la trompette. Pour ce deuxième album, le quartet a choisi d'interpréter des compositions de pianistes pour la plupart issus du bop: soit Fats Navarro, Herbie Nichols, Bud Powell, pour ne citer que les plus connus. Beaucoup de contraintes, dont la première est la question de savoir comment interpréter les compositions de pianistes sans utiliser de piano, sans parler des contraintes propres aux structures des compositions choisies. Malgré tout, Peeping Tom parvient à naviguer avec facilité, fidélité et liberté parmi ces œuvres exhumées.

Avant tout, remarquons simplement que malgré la déstructuration de certaines pièces, Boperation ne réunit surtout pas des interprétations froides, abstraites et trop savamment arrangées à la manière de Braxton parfois. Au contraire, cette suite d'improvisations est exceptionnellement chaleureuse et énergique, tout le swing propre aux compositions originales est conservé au service d'une joie et d'une énergie jamais calmées et toujours maximales. Une énergie rare tellement elle est pure et puissante! Une énergie comme on pouvait seulement en trouver dans des caves américaines durant les années 50 et 60, lorsque la musique était soit une arme au service de la révolution panafricaine, soit un exutoire face aux répressions (législatives, physiques, artistiques et économiques) et aux persécutions incessantes du pouvoir dominant (fin de cette parenthèse aux relents nostalgiques...).

Musicalement, chaque thème est interprété avec une fidélité à l'esprit surtout, mais aussi avec une précision renversante, et toujours cette énergie franchement jouissive et réjouissante. Et dès ces thèmes, on peut percevoir si l'interprétation se concentrera plutôt sur l'aspect mélodique, rythmique, ou harmonique, de la composition initiale. Puis lors des improvisations, des soli, car il n'y a pas vraiment d'improvisations collectives, la liberté et les choix de chacun s'affirment de plus en plus nettement: le phrasé saccadé et les attaques puissantes de Badaroux, l'influence réductionniste de Dörner qui donne à ces interprétations un ton très original, etc. Les accompagnements sont toujours d'une précision, d'une clarté, et d'une présence rarement entendues.

Interprétations fidèles au swing surtout et à l'esprit des compositions initiales, ces dix pièces sont d'une énergie et d'une créativité rares. Un album puissant et jouissif!

Tracklist: 01-Boperation (Fats Navarro) / 02-Cromagnon Nights (Herbie Nichols) / 03-Escalating (George Wallington) / 04-Fantasy in Blue (Bud Powell) / 05-The Gig (Herbie Nichols) / 06-House Party Dancing (Herbie Nichols) / 07-Mo Is On (Elmo Hope) / 08-Pile Driver/Dodo's Dance ((Eddie Costa/Dodo Marmarosa) / 09-Snakes (Jackie McLean) / 10-Up Jumped The Devil (George Wallington)

Tomek Chołoniewski + Michel Doneda/Jonas Kocher/Tomaž Grom/Tao G. Vrhovec Sambolec

2012-02-13T07:58:00.000-08:00

Tomek Chołoniewski - Un (Mathka, 2012)

Premier album solo du percussionniste polonais Tomek Chołoniewski, Un est un enregistrement assez court, riche et plutôt énergique. Une batterie, des cloches, des gongs, un gamelan, TC navigue entre les différents idiophones durant cinq pièces assez diverses. Et même si l'on entend de nombreux instruments d'origine javanaise ou sundanaise, il ne s'agit surtout pas de world ou de quoique ce soit de folklorique, TC manie le gamelan comme une batterie, mais une batterie étendue. Cloches et gongs augmentent seulement les possibilités dynamiques et timbrales de ces polyphonies complexes et belles mais aussi très intenses. Intensité redoublée sur la deuxième piste par les déclamations incompréhensibles de TC, sortes de psalmodies spontanées qui ne sont pas sans rappeler certaines des performances de Diego Chamy. Une belle profusion de timbres (peaux percutées et frottées, cloches, archets sur cymbales et gongs), d'idées, de rythmiques éclatées et enchevêtrées, et surtout: une énorme profusion d'énergie.

Une sorte de free gamelan solo, Un est aussi et surtout une belle suite d'improvisations pour percussions, improvisations inspirées, riches, complexes et bien structurées, où TC parvient à gérer les différentes couleurs possibles des percussions sans jamais oublier leur aspect rythmique. Très bon boulot, juste un poil trop court.

Michel Doneda/Jonas Kocher/Tomaž Grom/Tao G. Vrhovec Sambolec - Udarnik (Zavod Sploh/L'innomable, 2011)

Coproduit par deux labels slovènes, Udarnik est une suite de quatre improvisations électroacoustiques. On y retrouve le célèbre Doneda au soprano, certainement un des saxophonistes qui a le plus contribué à l'extension des techniques et des couleurs propres au soprano et au sopranino, notamment dans les années 90. A ses côtés sont présents l'accordéoniste suisse Jonas Kocher, collaborateur régulier de Doneda, ainsi que deux musiciens slovènes: Tao G. Vrhovec Sambolec à l'ordinateur et Tomaž Grom à la contrebasse.

Pour ceux qui ont entendu le duo Grom/Murayama ainsi que le solo de Kocher, vous vous douterez bien que la notion d'espace et le jeu sur les différentes dynamiques possibles sont primordiales durant cette session. Quelques passages sont d'une puissance surprenante, chacun joue fort dans des registres très intenses; mais à ces passages peuvent succéder des sortes de nappes très étirées, calmes et silencieuses où chacun joue de manière très retenue (souffle, soufflets, crépitements discrets). Moments de contemplations et d'attention/tension extrêmes, avec des interventions très espacées sur une nappe très lisse et fine. Et ce sont ces moments qui requièrent le plus d'attention, les yeux fermés et les oreilles dans le casque, le quartet nous amène dans des territoires plats aux couleurs insoupçonnées. Parties pleines de tension, mais aussi reposantes par rapport aux parties fortes, vis-à-vis des climax où la contrebasse devient percussion en explosant chaque corde sur le manche, tandis que Doneda explore des registres suraigus à peine concevables. Dynamique accentuée par les interventions fracturées de Kocher et par la discrétion de Sambolec, l'ordinateur que l'on cherche toujours mais que l'on trouve pleinement que dans les moments d'accalmie.

La cinquième et dernière pièce est un remix que l'on doit à Giuseppe Ielasi, basé sur les enregistrements de cette session qu'il a lui-même mastérisé. Pas ou peu de transformations des sources sonores, Ielasi manipule ces fragments par collage, bouclage, déconstruction/reconstruction: un remix fidèle et plutôt réussi qui joue cependant beaucoup moins sur les dynamiques que sur les couleurs.

Véritable jeu de dynamiques où la violence la plus extrême et la plus saisissante succède aux accalmies les plus contemplatives, où la présence la plus entière ne laisse que rarement préfigurer ces nappes fantomatiques, Udarnik est aussi un sommet d'écoute et de liberté, chaque musicien pouvant régulièrement jouer en petites formations (duo & trio) sans être happer par le son collectif.

Helmut Schäfer - Thought Provoking III (23five, 2012)

2012-02-11T01:13:00.000-08:00

Avant que Will ne me parle de ce projet, j'avoue n'avoir jamais entendu parler de Schäfer: musicien qui s'est principalement concentré sur les musiques concrètes et électroacoustiques, qui a beaucoup collaboré avec Karkowski, pape des assauts sonores. Sa musique était apparemment dense et puissante, à l'image de son ami polonais peut-être, et un tournant a du être pris avec cette composition, puisqu'il s'agit là d'une pièce assez minimaliste et aérée, ouverte et délicate.

Thought Provoking III fut tout d'abord joué en solo par Helmut lui-même à l'orgue et à l'électronique, et lors d'une deuxième et d'une troisième performance, Elisabeth Gmeiner et Will Guthrie se sont adjoints à ce projet, au violon et aux percussions. Will a ensuite assemblé ("construit") et mixé ces performances datant de 2007 en hommage à ce musicien décédé depuis peu. Proche d'un drone de par son aspect très linéaire, cette pièce est tout de même trop riche pour en être un, mais le temps est tellement lisse et étiré que l’ambiguïté persiste tout du long. Une pièce pleine de tensions où les réponses à chaque intervention surgissent avec vivacité sans qu'aucune pulsation n'apparaisse ni aucune sensation de rupture. Une pièce toute en continuité et en tension, où chacun semble avoir peur de couvrir l'autre, où chaque son prend une importance démesurée tout en étant parfaitement intégré au son d'ensemble. Il est même parfois franchement difficile de distinguer l'étrange orgue du bourdon rocailleux (proche de la vielle) de Gmeiner ou des bols tibétains de Will. Interventions et réponses attentionnées et délicates, toutes en retenues, comme si chacun avait peur d'oppresser l'auditeur par la densité du son, mais sans laisser aucun silence concret. La musique écrite par Helmut est minimale et la plupart du temps pas très forte, mais parvient tout de même à être puissante et riche, sans parler de l'aspect envoutant de la temporalité lisse et étendue.

Une musique envoutante de par son aspect continu et linéaire, mais aussi de par son aspect cyclique: des éléments musicaux apparaissent en réponse instantanée à d'autres (comme cette puissante note grave qui met fin à une boucle mélodique et mélancolique d'Elisabeth Gmeiner), puis ressurgissent dans un tout autre contexte au fil de la pièce (tel le bol de Will Guthrie et certaines notes d'orgue). On était déjà perdu par l'absence de pulsation, mais ces répétitions et ces rappels nous perdent encore plus en sortant de leur contexte certains éléments qui semblaient intervenir selon une logique propre, logique qui disparaît lors de la répétition-décontextualisation. Répétition et continuité, linéarité et étirement du temps, tous ces aspects font de cette pièce une musique qui procure un sentiment d'éternité cyclique, d'une temporalité infinie extérieure à toute perception domestiquée.

Puisque ce disque se veut un hommage à Helmut Schäfer, il semble normal qu'on y trouve aussi Zbigniew Karkowski, ami et collaborateur de longue date du compositeur autrichien. Le disque se conclut donc sur un remix électronique de Karkowski, plus agressif et violent, mais aussi plus fracturée, et donc beaucoup moins linéaire. En soi, le remix n'est pas mauvais, c'est même une pièce plutôt pas mal, mais qui n'a tellement rien à voir avec l'originale, au niveau de la dynamique surtout, qu'elle me semble plus gâcher l'écoute de Thought Provoking III qu'autre chose, dans la mesure où la pièce principale réclame plus, pour finir, le silence, plutôt qu'un assaut sonore...

En tout cas, la pièce principale est vraiment superbe et puissante, extrêmement bien interprétée, avec rigueur et sensibilité, avec émotion et intensité. Tension, richesse, délicatesse, attention au temps et à l'espace, une œuvre vraiment intelligente et bien structurée, oui: hautement recommandée.

Nouvelles de Grèce: Chris Heenan & Dimitra Lazaridou-Chatzigoga + Yannis Tsirikoglou

2012-02-10T04:43:00.000-08:00

Avant d'entendre parler de la Grèce dans les médias français, il faut soit attendre la mort inattendue et accidentelle d'un des plus grands cinéastes vivants, soit voir la mise en application de nouveaux dispositifs sécuritaires et répressifs (assassinat d'Alexis) accompagnés de leur corrélat économique nécessaire ("plan d'austérité). D'un autre côté, en marge des groupes de désinformations et de communications mensongères, quelques musiciens et labels continuent de produire des musiques avant-gardistes, radicales et extrêmes. Plusieurs chroniques ont déjà été faites ici-même à propos du musicien Thanos Chrysakis ainsi qu'à propos du label Organized Music from Thessaloniki, mais je ne m'intéresserai ici qu'aux deux derniers mini CD-R du label grec moremars, destiné à la promotion des jeunes artistes grecs.

Yannis Tsirikoglou - Dust (moremars, 2011)

On pourrait voir dans Dust une sorte d'écho à Lacunae de mpld, dans la mesure où il s'agit encore d'une étroite interaction entre vidéo et musique. En effet, le principe de ce très court CD (une dizaine de minutes) est une collaboration entre le musicien Tsirikoglou et la vidéaste Mariska de Groot. Captation sonore directe de la lumière projetée par la vidéaste, Dust est une suite de miniatures à tendance narrative où le son provient d'une synthèse des phénomènes optiques. Contre toute attente, les couleurs n'ont rien de très nouveau, mais l'ambiance est assez originale, entre SF et schizophrénie (parfaite pour accompagner la lecture d'un Philip K. Dick). A mon avis, le gros problème de ce disque est la durée de ces miniatures, beaucoup trop courtes pour qu'on ait le temps d'intégrer l'atmosphère et de s'immerger dans ces univers pourtant évocateurs, riches et originaux. Un peu décevant à cause de la durée, Tsirikoglou reste quand même prometteur, et j'attendrais plutôt la sortie d'un disque plus long.

Chris Heenan/Dimitra Lazaridou-Chatzigoga - Der Schlaue Fuchs (moremars, 2011)

Duo instrumental cette fois-ci avec Chris Heenan à la clarinette contrebasse et Dimitra Lazaridou-Chatzigoga à la cithare préparée. Dans la mesure où le support est un mini CD-R, cette pièce n'est pas très longue encore (quinze minutes), mais étant unique, le développement est nettement plus conséquent... Une très belle collaboration et une puissante interaction entre cordes et vents: superposition de longues notes extirpées des registres extrêmes et souvent multiphoniques à la clarinette, par-dessus un bourdon magique et ininterrompu à la cithare. D'autres éléments surgissent parfois de la cithare par-dessus l'imperturbable bourdon, des éléments sonores souvent inouïs dus à une préparation savante et un choix d'objets ingénieux pour une utilisation étendue et hors du commun de cet instrument rare. De son côté, le son de Chris Heenan est souvent caverneux, primitif et extrêmement puissant, une sorte de cri originaire puisé dans les émotions les plus profondément enfouies du musicien, ou dans l'inconscient de l'espèce humaine.

Un duo exceptionnel qui nous ramène aux fondements de la musique, aux origines de l'espèce, avec ce cri primal accompagné d'un bourdon chamanique. Très belle pièce extrêmement puissante et intense, une musique saisissante et originale. Recommandé!

Scott Smallwood/Sawako/Seth Cluett/Ben Owen/Civyiu Kkliu + MPLD

2012-02-08T08:25:00.000-08:00

scott smallwood, sawako, seth cluett, ben owen and civyiu kkliu - phonography meeting 070823 (winds measure, 2011)

Comme d'habitude sur le label winds measure, la pochette (signée Ben Owen) est magnifique et la musique est littéralement hors du commun. Pour phonography meeting 070823, il s'agit d'une suite de field-recordings, quoique qu'une suite évoque peut-être un peu trop la musique, il faudrait peut-être mieux dire qu'il s'agit d'une fresque en cinq tableaux, ou d'un poème en cinq strophes je ne sais pas. Plus précisément, il s'agit de cinq tableaux sonores composés de field-recordings uniquement, cinq propositions de cinq musiciens qui se succèdent. Dans les notes, on peut lire que la "phonographie" n'est rien d'autre que l'écriture des sons, l'écriture sonore; et effectivement, chaque musicien propose ici, avec son propre langage sonore, un univers à faire vaciller l'imaginaire, un univers construit à partir d'un langage composé de sons divers, et non de notes. Smallwood commence avec des gouttes d'eaux qui tombent mécaniquement dans du liquide, gouttes accompagnées d'une sorte de métronome, tandis que des voitures circulent ponctuellement; et parfois, cet univers sonore est interrompu par une mélodie mécanique elle-aussi. D'un autre côté, Civyiu Kkliu clôture cette fresque avec un drone puissant, brutalement interrompu par des bruits blancs, qui finiront eux-mêmes par fusionner avec le bourdon, dans un finale brutale et intense. Entre-temps, on peut entendre des enregistrements citadins, des fêtes d'anniversaires enfantines, inquiétantes et fantomatiques, des bruissements de feuilles, du vent, des micros ultrasensibles, etc.

La force de cette suite poétique vient de la diversité esthétique des matériaux: des matériaux parfois très abstraits que l'on peine à reconnaître, d'autres d'une limpidité envoutante, on est toujours balancé entre la musique (mélodies, rythmes) et le bruit (souffles), entre l'abstrait et le concret, entre le déterminé et l'indéterminé. Cette diversité produit des univers multiples qui demandent une attention et une activité importante de la part de l'auditeur, si jamais il veut s'y retrouver. Les différentes strophes de ce poème (ré-)activent la puissance et les possibilités de l'imagination, de la sensibilité auditive, autant chez les musiciens (lors des enregistrements et lors de la création) que chez les auditeurs. Musique pour le corps et l'esprit, qui peuvent enfin se réunir (alors qu'ils étaient faussement séparés par une idéologie scientiste) dans cette musique poétique, aventureuse, sensible, nouvelle, charmante et envoûtante.

mpld - lacunae (winds measure, 2011)

mpld est le nom de scène d'un projet de l'artiste sonore Gill Arnò, projet basé sur l'amplification d'un projecteur de diapositives. Après de nombreux CD en éditions limités, le label winds measure a pris pour la première fois l'excellente initiative de publier une performance en DVD-R, afin que l'on puisse contempler le son aussi bien que l'image. Des extraits sont d'ailleurs disponibles sur le site du label ainsi que sur le site de Gill Arnò, qui explique également le dispositif qu'il utilise la plupart du temps (à noter d'ailleurs que le DVD est livré avec une carte postale où le dispositif est également représenté par un dessin exhaustif).

Si Gill Arnò avait utilisé des projecteurs 16mm ou 35 mm par exemple, on aurait pu parler d'une entreprise de déconstruction systématique, mais ici, bien au contraire, ce vidéaste/musicien sculpte des images et des sons à partir de photogrammes, les diapositives se fondent les unes dans les autres et construisent une autre image, mouvante, épileptique. En utilisant deux projecteurs, chaque image est perturbée par une autre qui tente de la pénétrer, et cette perturbation prend un rythme lancinant, tout en s'inscrivant de manière autonome, extérieure aux images. Ce rythme perturbateur est saisi par des micros installés directement dans les projecteurs (tandis qu'un larsen est produit par des retours placés entre les projecteurs et l'écran); et pour Gill Arnò, il ne reste plus qu'à modifier (ordinateur et table de mixage) les sons générés par le dispositif de projecteurs pour également produire du son, du son directement issu de l'image produite par les superpositions. On peut le voir, l'interaction entre l'image et le son est on ne peut plus intime, aucun élément n'est subordonné à l'autre, et sans connaître le dispositif utilisé, il me paraitrait difficile de savoir si c'est l'image qui génère la musique, ou si la musique produit l'image... Généralement, les images sont des paysages (quelques personnages apparaissent à la fin de la performance), paysages au grain vieux et épais, aux contrastes ternes, et rythmés par des perturbations épileptiques et hypnotiques. Quant à la musique, il s'agit de boucles mécaniques aussi épileptiques que l'image, boucles générées par le mécanisme même des projecteurs. Mais contrairement aux images, la musique est plus narrative, du moins plus linéaire, et la modification des sons suit une logique de densification et d'intensification. Long crescendo qui atteindra un climax saisissant de violences, brutalement interrompu par une coda sensible et poétique de quelques minutes. Plus les minutes passent, plus le son devient dense, fort, et saturé; mais plus qu'il n'agresse, ce son hypnotise avant tout, Gill Arnò possède un charme hors du commun et parvient à saisir organiquement l'auditeur/spectateur de ce voyage sonore et visuel exceptionnel.

Une performance intense, puissante et absolument envoutante malgré la violence qu'elle recèle: au-delà de l'image et au-delà du son, lacunae nous amène dans un territoire organique et émotif sensationnel. Hautement recommandé!

Lee NOYES (solo & duo)

2012-02-05T02:43:00.000-08:00

and/also - like also and any (idealstate, 2012)

and/also est un duo totalement acoustique, une forme instrumentale mille fois entendue déjà dans le free jazz: un duo saxophone/percussions, avec respectivement Stuart Porter à l'alto et Lee Noyes. Je parle de free car and/also adopte certaines caractéristiques de ce mouvement, l'instrumentation d'une part, et surtout le phrasé serré à la Ornette (qui semble même cité à la fin de la première piste), lyrique et mélancolique comme Ayler, de l'alto de Porter. Cependant, le duo va plus loin en intégrant d'autres éléments aussi importants durant ces quatre pièces et en éliminant certaines propriétés essentielles et/ou omniprésentes dans ce courant musical. On peut très vite se perdre dans ce paysage sonore qui n'évoque pourtant que des éléments déjà connus de beaucoup: Porter répète certains riffs parfois très swinguant, mais Noyes reste systématiquement à l'écart, joue à contretemps ou réduit la rythmique à une seule grosse caisse frappant les deux premiers temps de manière monotone et neutre, sans parler de l'absence notable de crescendo et d'énergie furieuse pourtant propres au free. Et d'un autre côté, on ne peut pas non plus réellement parler de réductionnisme à cause des éléments rythmiques et mélodiques déjà évoqués malgré l'utilisation constante du silence, d’interactions décalées et de techniques étendues (archet sur cymbales, multiphoniques, etc.).

Du free jazz réductionniste? Peu importent les étiquettes, la musique proposée sur ce fantastique like also and any nous offre de vastes étendues sonores puissantes et originales, des espaces très aérés et poétiques, et une large palette de timbres et de formes d'interactivité utilisés avec parcimonie, sensibilité, et attention. Un duo simple et accessible, au-delà des genres et des étiquettes, très intense; en bref, un beau rafraîchissement et renouvellement de certaines musiques. Vraiment réjouissant, voire plutôt jouissif!

Tracklist: 1-also and any like / 2-and any like also / 3-any like also and / 4-like also and any

Lee Noyes - Xiàzhì (idealstate, 2012)

Premier enregistrement solo aux larsens, Xiàzhì rassemble deux pièces enregistrées en studio plus une longue pièce live d'une demi-heure. Les deux premières jouent sur une succession de fréquences uniques qui varient selon les hauteurs, intensités, textures, volumes. Des fréquences autonomes et invariables en elles-mêmes, séparées par des silences ou des souffles numériques qui s'enchaînent sans logique apparente, car chaque son surgit de manière autonomisée sans ordre logique. Le moins qu'on puisse dire, c'est que ces deux morceaux ne m'ont pas vraiment enchanté, on dirait une analyse abstraite des sons, une analyse froide où chaque bruit surgit de manière inattendue certes, mais aussi irrationnellement et dépourvue de tout sentiment comme de toute intention. Un peu comme si on avait extériorisée la création sonore dans un programme numérique produisant des larsens aléatoirement et chaotiquement.

Reste ce live qui prend tout de même la moitié du temps de ce disque. Un live beaucoup moins froid, abstrait et minimaliste que les deux enregistrements studio, où on peut agréablement entendre les textures se superposer de temps à autre, mais également les entendre moduler à l'inverse des fréquences générées au début. Une demi-heure plus vivante et moins austère, peut-être minimaliste, mais plus proche de Toshimaru que d'une copie médiocre de Sachiko. Xiàzhì génère des sons minimaux, réduits à presque rien, de manière austère. Un album dur, radical et extrême qui conviendra peut-être aux férus d'avant-garde et d'expérimentations électroniques mais qui, personnellement, m'a laissé aussi froid qu'une expérimentation creuse.

Lee Noyes & Radio Cegeste - to orient themselves with coastlines (idealstate, 2012)

Sans aucun doute, to orient themselves with coastlines est le plus réussi de cette nouvelle fournée néo-zélandaise. Aux côtés de Lee Noyes à l'électronique et à quelques percussions très légères et extrêmement sporadiques, on trouve l'artiste sonore Sally Ann McIntyre (alias Radio Cegeste), qui travaille principalement ici, comme à son habitude, sur des fréquences radios et l'électromagnétisme. Sur cet album, on trouve quatre pièces qui ont en commun de toutes être basées sur une trame tissée par les fréquences radios, AM et FM forment une sorte de bourdon et de ligne directrice sur lesquelles se greffent de multiples sources sonores toujours bienvenues, comme par exemple des percussions discrètes, des vieux vinyles, des enregistrements d'accordéon défectueux et de chants d'oiseaux, ou encore un thérémine. Il y a une profusion de sonorités et de textures qui s'emmêlent, se superposent, s'enchevêtrent et se structurent, mais cette profusion est organisée avec parcimonie et attention, jamais rien de chaotique malgré la richesse des matériaux. Les couleurs se superposent sans se mélanger, une grande attention est portée au déploiement de chaque texture et de chaque couleur durant cette espèce de collage au rythme contemplatif plutôt qu'épileptique. LN et RG développent chacun une texture globale pleine d'aspérités, ils déploient des paysages granuleux aux reliefs profonds et aux couleurs multiples, mais toujours à partir de fonds sonores corrosifs. En soi, les sons ont quelque chose d'agressif, du fait de leur grain, mais la délicatesse apportée à leur déploiement et la finesse de leur tissage font de ces broderies électroniques une musique délicate et poétique, sensible et envoûtante, belle et précieuse - ce que je ne mettrai pas sur le compte de la présence d'une artiste féminine...

En bref, quatre pièces évocatrices et poétiques, aux couleurs claires et multiples. Modulations de fréquences et collages sonores granuleux, parasites technologiques et détournements médiatiques forment une suite sonore et narrative riche en textures. Des photos magnifiques, des notes intéressantes, quatre pièces magnifiques: Recommandé!

Anthea Caddy & Magda Mays / Olaf Rupp

2012-01-30T07:29:00.000-08:00

Spécialisé dans les musiques improvisées, Dromos est un label portugais original qui propose à un artiste plasticien différent à chaque publication de créer les "pochettes" comme il l'entend. Les deux dernières, à l'occasion de la sortie d'un duo de Magda Mayas et Anthea Caddy et d'un solo d'Olaf Rupp, toutes uniques et différentes, sont composées de matériaux divers comme des morceaux de cuir ou une membrane d'encre de Chine par exemple. Pour les curieux, différents modèles ainsi que des extraits musicaux sont accessibles sur le site de Dromos.

Anthea Caddy/Magda Mayas - Schatten (Dromos, 2011)

Outre la singularité des "boîtiers", Dromos publie également des enregistrements atypiques et originaux. Schatten par exemple regroupe trois improvisations de la violoncelliste Anthea Caddy et de la pianiste désormais célèbre Magda Mayas, livrées dans une création aux aspects bruts et rugueux de Nádia Duvall. Trois pièces donc où se superposent des textures nouvelles et des timbres originaux, la palette de sons est très large et forme comme une série de tableaux sonores minimalistes où se succèdent des couleurs qui diffèrent selon la dynamique. La plupart du temps, on reconnaît encore les instruments, mais la fusion est quand même si bien réussie entre les deux musiciennes qu'on a du mal à simplement souhaiter les distinguer. En fait, la distinction est possible dans la mesure où le duo Caddy/Mayas fusionne uniquement au niveau de la dynamique, tout en produisant des textures différentes, ou même opposées.

Trois pièces denses et riches, aux couleurs singulières et atypiques d'où surgissent toujours des dynamiques communes malgré l'opposition de timbres et de modes de jeu (ostinato contre bourdon, rythmique contre lisse, bruits contre notes). Il n'y a rien de révolutionnaire dans cette approche dynamique de l'interaction entre les musiciens, mais Schatten vaut tout de même le coup pour l'objet qu'il constitue d'une part, et surtout je pense pour l'originalité des textures, mais également pour l'intensité, la précision, et la sensibilité de l'interaction entre les deux musiciennes.

Olaf Rupp - AuldLangSyne (Dromos, 2011)

J'ai déjà écrit une chronique sur un trio avec Olaf Rupp en compagnie de Tony Buck et Joe Williamson il y a un mois ici même. Je disais avoir eu la sensation d'entendre grouiller une nuée d'insectes, et en écoutant ce solo d'Olaf Rupp, je comprends maintenant que cette sensation venait principalement de ce guitariste. AuldLangSyne est une suite de neuf improvisations pour guitares acoustique et électrique selon les morceaux. Une suite très dense faite de clusters, d'une succession et d'une superposition de notes à une vitesse supersonique, notes séparées par des écarts vertigineux. Olaf Rupp ne rigole pas, les notes sont piquées et pincées, elles s'entremêlent avant même d'avoir eu le temps de résonner, on imagine facilement le front du guitariste en nage et les doigts en sang. Une technique de jeu virtuose et impressionnante certes, sauf que l'énergie maximale et hyperactive toujours déployée finit par lasser, la vitesse hystérique fatigue, tout comme l'absence de respiration et de relief.

Pas réussi à véritablement accroché malgré la singularité et la véritable fraicheur de la sonorité de Rupp. Trop monotone et plat à mon goût, AuldLangSyne m'a vite lassé et fatigué. Ceci-dit, les peintures sur cuir signées Antonio Peppe sont vraiment belles et ce mélange de gris et de noir urbains reflète plutôt bien l'atmosphère d'AuldLangSyne durant cette heure d'improvisation sur guitare verticale. Pour amateurs de guitare sensibles à la virtuosité et la rapidité, AuldLangSyne ravira peut-être les mélomanes avides de clusters et d'espaces sonores saturés.

eRikm & Norbert Möslang / Rhodri Davies & Mark Wastell / El Infierno Musical

2012-01-26T11:05:00.000-08:00

eRikm / Norbert Möslang - Stodgy (Mikroton, 2011)

Stodgy, c'est trois pièces assez courtes enregistrées dans les années 2000 avec la moitié de poire_z, soit eRikm et Norbert Möslang (membre également de Voice Crack, le légendaire groupe d'improvisation noise suisse). J'ai presque envie de dire heureusement, ce disque n'est pas long, car les trois morceaux présentés ici sont violents, et n'offrent pas beaucoup de répit et/ou de repos aux auditeurs. Trente minutes de triturations électroniques et numériques, de larsens contrôlés et de crépitements assourdissants, de bruits blancs et de drones, de rythmiques proches du breakcore et du hardcore. Musique résiduelle en quelque sorte cette fois encore, une musique que l'on doit aux imperfections de toute sorte d'appareils pouvant multiplier les fréquences audibles ou non. eRikm muni d'un 3k-pad, de boucles numériques, et d'électroniques d'un côté, de l'autre, Möslang avec son installation électronique défaillante; le duo ne fait pas dans la dentelle mais tisse un réseau très dense de fréquences stridentes, grinçantes, violentes, puissantes et agressives, accompagnés parfois de souvenirs évanescents et dadaïstes de musiques de rave. C'est d'ailleurs ici que l'on reconnait le mieux eRikm et ses intenses collages hystériques et épileptiques.

Trois collages denses et intenses, d'une agressivité puissante, d'une violence exceptionnellement agréable, parfaitement mixés et masterisés par eRikm et Giuseppe Ielasi. Boucles, rythmiques, tissage nodal de fréquences stridentes et résiduelles, bruit blanc et larsens, s'enchaînent pendant trois morceaux avec une logique toujours surprenante, dans des structures rebondissantes et hyperactives. Recommandé!

Tracklist: 1-Stinger / 2-Aérolithe / 3-Micelle

Rhodri Davies/Mark Wastell - Live in Melbourne (Mikroton, 2011)

Par rapport au duo eRikm/Norbert Möslang, la musique proposée ici par le duo Davies/Wastell est déjà plus surprenante. Première trace publiée de leur collaboration, les deux musiciens quittent leur instrumentarium habituel pour s'adonner à des expérimentations électroacoustiques: tandis que le harpiste Rhodri Davies use de l'électronique lo-fi, le violoncelliste Mark Wastell déploie un large éventail de sources sonores allant des lecteurs CD et MD aux micro-contacts et hauts-parleurs en passant par des céramiques, des cloches et des pré-enregistrements.

Les textures travaillées ici ne ressemblent donc pas à celles qu'ils pouvaient auparavant déployer aux côtés de John Butcher par exemple, mais quand même. La même attention est toujours portée à chaque couleur sonore considérée comme une matière physique à part entière, capable de produire de nouvelles formes de beauté et de poésie, mais également, et surtout, de musique. Plus précisément, ce Live est construit à partir d'une seule pièce continue d'une trentaine de minutes. Pas vraiment un drone, mais tout de même linéaire, cette pièce est composée de plusieurs séquences qui se succèdent, séquences souvent composées de matériaux discrets et subtils, de crépitements légers, de bourdons fantomatiques, de sons sans sources sonores, proches parfois des nouvelles formes d'improvisations électroacoustiques telles que les développent Ryu Hankil ou Richard Kamerman, mais ceci seulement au niveau du matériau sonore, et non au niveau de la structure moins fracturée et plus linéaire que chez ces derniers. Ceci-dit, il y a quand même de nombreuses séquences, mais qui s'enchaînent et se succèdent avec fluidité. Assez inégale à mon goût, cette pièce certainement improvisée a tout de même retenue mon attention pour le puissant crescendo final, cette coda intense et apocalyptique plutôt bouleversante, ainsi que pour de nombreuses textures et la sensibilité du dialogue.

Peut-être inégale, une pièce qui reste cependant riche de contrastes, de reliefs, et de trouvailles sonores et interactives. Riche et innovant, ce Live offre tout de même une musique curieuse et créative.

El Infierno Musical - A tribute to Alejandra Panzarnik (Mikroton, 2011)

Encore plus surprenant que le duo Davies/Wastell: le dernier projet de Christof Kurzmann, El Infierno Musical, hommage à la grande poète argentine, Alejandra Pizarnik. Le groupe est composé de Kurzmann à la voix, électronique (et saxophone alto puis guitare électrique sur deux pistes), Ken Vandermark au saxophone ténor, à la clarinette et à la clarinette basse, Eva Reiter à la viole de Gambe, Clayton Thomas à la contrebasse et Martin Brandlmayr à la batterie et au vibraphone. Chacun de ces musiciens est célèbre dans les milieux du free jazz et du réductionnisme, mais El Infierno Musical, contre toute attente, est un recueil de chansons tirées de l’œuvre éponyme de Pizarnik.

Évidemment, c'est plutôt déroutant au départ: Kurzmann scande des poèmes, les rythmiques sont discrètes, simples et précises, les solos de Vandermark sont très lyriques et mélodieux, la basse retrouve sa fonction harmonique et accompagnatrice, etc. A considérer cette suite comme une œuvre expérimentale, on ne peut que difficilement s'enthousiasmer, car Kurzmann utilise dans son écriture des langages connus de tous, plus qu'un pied de nez à l'improvisation non-idiomatique. Cependant, il faut considérer, il me semble, EIM comme une suite de chanson avant tout, et c'est à partir de ce point de vue que leur intérêt peut apparaître. Extérieurement à la musique, c'est déjà plus que surprenant d'entendre la plupart de ces musiciens interpréter des chansons, c'en est même presque ahurissant tellement on était habitué à autre chose. Quant à la musique, en-dehors de la voix de Kurzmann que je n'apprécie pas particulièrement, ça m'a paru très rafraichissant d'utiliser des techniques de jeux et d'écritures propres aux musiques improvisées (jazz, réductionnisme, free jazz) comme des improvisations collectives, des chorus où chaque instrument peut quitter sa fonction traditionnelle, aux musiques improvisées mais également à certaines musiques populaires (chanson, rock) comme des mesures en 4/4, des ostinatos, etc. Un grand coup de frais pour la chanson, mais surtout un pari très risqué pour ce type de musiciens qui n'arrivera pas forcément à convaincre leurs admirateurs habituels. En tout cas, l'accompagnement musical est simple, sobre, humble mais effectué avec précision, attention et sérieux, tandis que les séquences plus improvisées sont interprétées avec personnalité et chaleur.

Pour ce premier vinyle sur le label Mikroton (également disponible en CD), Kurzmann a su produire une musique très surprenante, et innovante, en revenant paradoxalement à une musique traditionnelle. Je ne pense pas que Panzarnik ait connu le free jazz, ni si elle était amatrice de musiques improvisées au sens large, donc au premier abord, ça me paraît judicieux de lui rendre hommage sous la forme de chansons tout en utilisant des techniques personnelles et créatives. Un album osé, franc, et aventureux - à sa manière - si simple, chaleureux et honnête qu'il pourrait paraître provocant... A l'image du collage influencé par Bosch qui orne la pochette: une curiosité!

Tracklist: 1-El infierno musical / 2-Ashes I / 3-Dianas tree / 4-Para Janis Joplin / 5-Cold in hand blues / 6-Ashes II

Keith Rowe & John Tilbury - E. E. Tension and Circumstance (Potlatch, 2011)

2012-01-22T08:46:00.000-08:00

Depuis quelques semaines, j'écoute E. E. Tension and Circumstance assez régulièrement mais je ne sais pas trop quoi dire sur ce disque tant attendu, car j'y ai placé beaucoup trop d'attentes, et beaucoup de choses intelligentes ont déjà été écrites sur cette pièce (lire notamment les chroniques de Richard et Brian sur Just outside et The Watchful Ear). Indifférence, scepticisme, admiration et émerveillement se sont succédés selon les jours, mes humeurs, ma disponibilité, mon habitude et ma proximité vis-à-vis de cette pièce. Brièvement, résumons les circonstances de cet enregistrement, capitales dans ce disque, mais je conseillerais plutôt pour cela de lire la chronique de Brian sur Just outside. De la même manière que le magnifique Duos for Doris - publié en 2003 par Erstwhile - fut enregistré en France quelques jours après la mort de la mère de JT, Doris Tilbury, E. E. Tension and Circumstance a été enregistré en live aux Instants chavirés un an après la mort d'Eileen Elizabeth Rowe, la mère de KR. Quant aux dessins qui illustrent ce disque, ils sont du frère de KR, Milford, également décédé il y a quelques années. Tout ceci pour expliquer le titre de cette improvisation d'une heure qui peut, au premier abord, paraître assez énigmatique.

On l'imagine facilement, l'écoute de ce disque peut facilement nous plonger dans un état solennel et mélancolique, même si la musique en elle-même ne fait a priori rien pour susciter de telles émotions. C'est ici que ça devient intéressant d'ailleurs, voir comment le contexte et les circonstances peuvent produire des émotions totalement extérieures à la musique. Bien sûr, la subtilité, la délicatesse, et la précision parcimonieuse des accords plaqués ou arpégés de JT ont toujours eu quelque chose de très émouvant et d'intense, notamment grâce aux longues résonances fantomatiques qu'il laisse volontairement flotter. Mais lorsque ce même Tilbury en vient à frotter le cadre du piano, ou à plaquer des accords dissonants espacés par des intervalles de plus en plus longs, une tension rugueuse et insoutenable surgit, tension qui peut paraître décalée vis-à-vis de la volonté initiale de ce duo, qui est de rendre avant tout hommage à Eileen Elizabeth Rowe.

Pour moi, c'est tout de même JT qui fait toute la beauté et la puissance de ce duo, et même si j'admire énormément KR, je suis souvent un sceptique ou dubitatif face à sa musique. Du moins aux premières écoutes. Car en fait, il semblerait plutôt que l'intensité et la tension de cette pièce proviennent surtout et principalement de l'opposition entre les univers apparemment inconciliables (bien que KR et JT jouent ensemble depuis une quarantaine d'années...) des bribes mélodiques pointillistes de JT et des nappes rugueuses et électrique de KR. Ce dernier n'a jamais vraiment changer de techniques instrumentales et utilise le même matériel réduit depuis de nombreuses années: guitare sur table, sur laquelle il insère quelques objets motorisés, électronique rudimentaire et une radio. En ce sens, je pense que Keith est le père du réductionnisme, car avec le même dispositif assez simple, il a su produire au fil des années des musiques variées, notamment dans leurs intentions, dans leurs structures et leurs dynamiques. Ici, KR déploie des textures plutôt linéaires mais avec des ruptures d'intentions assez régulières, des textures franchement abrasives, comme une sorte de rouille sonore, assez industrielle encore une fois. Ça gratte, ça grésille, ça monte, ça hésite, ça submerge, ça disparaît: toutes sortes d'intentions musicales se succèdent avec discrétion et avec subtilité, sans fracture mais tout en sachant rompre la linéarité des nappes produites.

Et toutes ces intentions produisent des émotions vraiment variées et intenses, à chaque écoute différentes, selon notre niveau de réceptivité, de perceptibilité et de disponibilité. Les intentions sont multiples, et le réseau ainsi tissé est d'autant plus complexe que les deux musiciens paraissent jouer chacun de leur côté. Guitare et piano s'opposent et se confrontent, et c'est entre chacun qu'un territoire émotionnel inouï surgit. Pour une fois, la musique ne surgit pas de la symbiose entre deux individualités, mais du vide produit par l'opposition de deux mondes sonores la plupart du temps inconciliables.

E. E. Tension and Circumstance ne ressemble à rien, si ce n'est aux Duos for Doris, mais en moins minimaliste et étendu. Une pièce vraiment complexe et compliquée où les intentions se croisent et se confrontent pour produire des émotions véritablement interindividuelles, au sens où elles sont belles et bien le fruit de deux consciences distinctes et séparées. Je suis toujours surpris d'être étonné par KR en fait, comment un dispositif si simple peut-il produire et générer autant de musiques apparemment similaires, mais en réalité toujours nouvelles, créatives et étonnantes? Il me semble tout de même que le duo KR/JT soit aller encore plus loin dans la recherche d'un nouveau langage musical et d'une nouvelle approche de l'interaction entre les musiciens pour cet hommage exceptionnellement intense et puissant à la mère de Keith. Même si les circonstances qui ont fait naître cet enregistrement sont tristes, je suis vraiment heureux d'entendre une telle musique, et rassuré de savoir que l'inventivité est encore possible dans les musiques improvisées. Un disque hors du commun très hautement recommandé!

Nouvelles musiques coréennes

2012-01-20T12:36:00.000-08:00

A la fin de l'année 2011, de nombreuses productions coréennes ont vu le jour, et une scène assez injustement méconnue pouvait une fois de plus exposer ses expérimentations, souvent radicales. Je n'ai pas pu tout écouter, et j'en chroniquerai seulement trois ici, mais je signale tout de même la sortie d'Inferior Sounds sur le label coréen Balloon & Needle par le trio Choi Joonyong/Hong Chulki/Ryu Hankil, ainsi que Sorefa, un solo de l'excellent saxophoniste Kang Tae Hwan sur le label Audioguy, et enfin 옆모습 (profile) par le trio Kim Taeyong/Lee Youngji/Ryu Hankil et 베케트의 타이피스트 (Beckett's Typist) par le duo lo wie/Ryu Hankil, tous les deux chez The Manual. Hormis Kang Tae Hwan, tous ces musiciens ont en commun une approche extrême et non-idiomatique de l'improvisation, une approche électroacoustique qui intègre de multiples sources sonores, parfois incongrues, comme la machine à écrire et les divers objets mécaniques de Ryu Hankil.

Hong Chulki, Jin Sangtae, Kevin Parks - 音影 (Celadon, 2011)

Celadon est un nouveau label coréen lancé par Bill Ashline, un label concentré sur les musiques improvisées et électroacoustiques coréennes, qu'on attendait depuis quelques temps pour compléter les publications de Balloon & Needle, The Manual et Audioguy. Ce label prometteur inaugure sa collection avec un trio surpuissant composé de Hong Chulki aux platines, de Jin Sangtae à l'ordinateur, et de Kevin Parks (américain émigré en Corée depuis le début des années 90), à la guitare et à l'électronique.

Comme son titre l'indique, 音影 (Eum-young, néologisme signifiant une forme sonore de clair/obscur) est une suite de pièces pleines de contrastes. Durant ces cinq improvisations, les trois musiciens peuvent parfois trifouiller en toute quiétude leurs instruments/machines/dispositifs, dans des expérimentations pleines d'attention au timbre et à l'espace; mais par moments, l'univers s'agite et les sons fusent dans une atmosphère quantique et apocalyptique. On ne sait jamais vraiment à quoi s'attendre, les tensions se résolvent de manière aléatoire, du bruit blanc succède à de légers parasites incompréhensibles. Je ne sais pas si l'on peut encore vraiment parler de structure quant à ces improvisations, la multitude d'intensités, de densités, semble se produire au gré de principes irrationnels et inaccessibles, un puissant larsen peut surgir d'un duo serein, des mélodies à la guitare ou des boucles informatiques s'insèrent également à certains moments au beau milieu d'un chaos indescriptible de sonorités souvent corrosives et abrasives. Timbres bruitistes et industriels, faits de faux-contacts et de vinyles défoncés, qui explorent un territoire sonore où les contrastes se soutiennent et s'aident mutuellement à se déployer, telles ces basses issues de câbles jack, basses ombragées qui supportent des larsens éclatants et lumineux. Mais ce sont également les sources sonores qui s'opposent et se complètent, la musique numérique de Jin Sangtae déploie les sonorités acoustiques des platines de Hong Chulki tandis que la guitare de Kevin Parks, par le biais de notes saturées un maximum ou de mélodies, approfondit le dialogue entre les trois sources opposées.

Une (non-)musique industrielle sans structure, à moins qu'elle soit noyée par son opacité, qui parvient à renouveler aussi bien l'improvisation que la noise. Inspiré par les compositions lumineuses visuelles, 音影 nous livre durant plus d'une heure une musique puissante et contrastée, dense, inouïe, et jouissive. Recommandé!

Deux plus: le mixage et le mastering assurés par Parks sont juste exceptionnels, il y a parfait équilibre et parfaite égalité entre chacun, tout en préservant les contrastes et les reliefs. Et la photo de couverture est juste hallucinante.

Jason Kahn/Ryu Hankil - Circle (Celadon, 2011)

Le label coréen de Bill a également publié Circle, simultanément à 音影, lors de l'inauguration de son catalogue. Sur ce double CD d'une heure trente, on retrouve l'américano-suisse Jason Kahn (percussions, mixeur, micro-contacts, radio) et une des principales figures des nouvelles musiques coréennes, Ryu Hankil (mécanismes et appareils divers, mixeur, micro-contacts).

Beaucoup plus aride, cette pièce divisée en deux parties de cinquante et quarante minutes requiert une attention et une disponibilité pas toujours facile à trouver. Circle est une pièce plutôt simple basée sur des bourdonnements, auxquels s'ajoutent les étranges moteurs mécaniques de Ryu Hankil, ainsi que de nombreux parasites de toutes sortes. Une pièce en somme très abstraite où le son acquiert facilement des dimensions physiques et visuelles; on a du mal à s'empêcher d'imaginer quels types de mécanismes a pu produire tel ostinato rythmique, quelle installation sonore a pu produire tel résonance fantomatique et inouïe. Comme sur 音影, les timbres déployés sur Circle ne ressemblent pas à grand chose, mais semblent tout de même beaucoup plus s'inspirer des musiques acoustiques. Ici, le duo n'hésite pas à se servir de percussions, à produire des pulsations et des sons déjà connus (on croirait même, à la trentième minute de la première partie, entendre le soprano de Stéphane Rives!). Il ne s'agit pas vraiment de créer un univers absolument nouveau qui n'offre aucun repère, mais de produire une pièce avec de nouveaux procédés instrumentaux sur une structure simple, souple, offrant une multitude de possibilités que le duo s'enthousiasme à saisir. L'omniprésence des bourdons pèse constamment, et donne à Circle une atmosphère apocalyptique et sombre, inquiétante et oppressante, que les différents rythmes déploient d'autant plus qu'ils ont souvent une sonorité proche d'une sorte de musique industrielle ou post-industrielle. Je notais déjà à propos du dernier solo de Kahn, Beautiful Ghost Wave, que le compositeur suisse semblait quitter le minimalisme pour aborder des compositions plus proche de l'architecture sonore. Cela semble se confirmer à nouveau sur Circle, également plus âpre et abrasif que ses précédentes œuvres, où une certaine forme de minimalisme semble laisser la place à une musique plus spontanée et moins formelle, une musique qui accorde beaucoup plus de place à l’interaction entre les couches sonores (notamment bourdons/nappes et pulsations/mécanismes). Il y a également de nombreux contrastes et différentes dynamiques abordés tout au long de Circle, mais de manière beaucoup plus douce et linéaire que sur 音影 qui favorisait les ruptures brutales.

Tout de même assez minimaliste, cette pièce où les idées qui se succèdent prennent une ampleur surprenante et s'étendent à travers des temps qui peuvent parfois paraître hors du commun, Circle reste cependant une pièce improvisée basée sur une nappe quelque peu agressive et surtout très intense, pas très dense et claire, mais qui sait d'une manière presque magique rester dans une atmosphère faite de calme et de quiétude, comme une lente contemplation d'une dégradation sonore. Après la longue tempête industrielle qui a aussi bien ravagé la Suisse que la Corée, ce duo s'approprie des débris de civilisation pour une œuvre aussi belle qu'exceptionnelle. Tout aussi réussi et original que son double 音影, Circle est hautement recommandé. Un grand merci à Bill Ashline et tous mes souhaits pour ce label très prometteur.

Choi Joonyong/Hong Chulki/Ryu Hankil - all Ears Festival for Improvisert Musikk 2011 (Audition, 2011)

Pour cette courte session d'une trentaine de minutes enregistrées durant un festival norvégien, aucun invité européen ou américain, le trio est seulement composé de trois des artistes les plus radicaux de la musique coréenne. Choi Joonyong aux lecteurs CD, Hong Chulki aux platines acoustiques, et Ryu Hankil à la machine à écrire (sic). Un live généreusement publié par les archives documentaires Audition, disponible gratuitement donc sur leur site web. Par rapport aux deux albums publiés chez Celadon (sur lesquels étaient également présents les deux premiers membres de ce trio), la musique produite ici est beaucoup plus extrême. La pièce présentée ici est véritablement abrasive, violente, urgente et puissante. Faux-contacts et larsens, irruptions de percussions, timbres industriels, numériques et électriques, grésillements, crépitements et ruptures. Une improvisation extrême et viscérale qui mène l'auditeur sur des terrains hostiles et apocalyptiques.

Une pièce très intense et dense qui prend l'auditeur aux tripes et produit une musique brutale, d'une énergie sauvage utilisant des techniques qui vont au-delà de la propreté et de l'imperfection. Le trio improvise sur des textures acides et résiduelles, sans aucun apport structurel, et fait très attention aux différentes interactions possibles entre les timbres et les dynamiques, interactions sur des modes fusionnels ou opposés.

En bref, une musique brute, primitive et sauvage tout en étant neuve et originale, une improvisation intense et violente. Recommandé!

Merzouga - Mekong Morning Glory (Gruenrekorder, 2011)

2012-01-17T03:26:00.000-08:00

Merzouga est un duo de musiciens/compositeurs/ingénieurs du son germano-autrichiens, composé par Eva Pöpplein et Janko Hanushevsky. Leur dernier projet, Mekong Morning Glory, est une suite de tableaux de field-recordings enregistrés sur le fleuve Mekong, du Laos au Vietnam, en passant par le Cambodge. En plus des field-recordings à proprement parler, Janko Hanushevsky utilise également quelques procédés électroniques basés sur une basse électrique préparée. C'est peut-être d'ailleurs un des plus grands charmes de cette pièce de 50 minutes, car la connexion entre les sons glanés le long du fleuve asiatique, parfois ancestraux et immémoriaux, et les techniques basées sur une technologie très moderne employées par Hanushevsky, cette connexion donc est organique et symbiotique. Les ajouts musicaux et sonores sont plutôt utiles et fonctionnels, ils parviennent toujours à déployer une dimension propre au field-recording écouté. Par exemple, la basse sait faire ressortir l'aspect inquiétant d'une cascade ou d'une pluie qui pourrait potentiellement dévastée la région, ou un jeu proche du drone peut déployer l'aspect reposant et éternel d'une jungle, tout comme le caractère oppressant des villes industrielles et post-industrielles sera très bien mis en avant à la fin du disque.

Côté enregistrements, la palette de sons est incroyable. D'un côté, on a de l'eau bien évidemment, l'eau submergeante des cascades qui conclut le crescendo de la première moitié du disque, mais également le mouvement du Mekong qui se jette dans la mer. Merzouga a su diviser son parcours en plusieurs tableaux variés qui correspondent aux ambiances et aux régions traversées, et donc ces tableaux se composent parfois de nuées d'insectes, de bruissements de feuilles, d'enfants jouant sur les rives, de musiques traditionnelles, d'oiseaux, puis pour finir, l'inquiétante ville avec son chaos sonore de klaxons, de moteurs, de cris et de bonimenteurs, de machines, etc. En tout cas, le montage opéré par Merzouga est assez exceptionnel, chaque son est choisi selon ses qualités musicales, qualités ensuite déployées par les ajouts instrumentaux et électroniques, le collage entre les différents univers compose une suite de scènes qui évoquent aussi bien la diversité des paysages physiques et sonores rencontrés tout au long d'un des plus grands fleuves du monde, mais qui est surtout très bien construit musicalement (suite de crescendo et de tensions, mais également de nappes reposantes et de contrastes).

Je dis toujours que je n'aime pas vraiment les field-recordings, pour l’aspect figuratif qui cache trop souvent les qualités musicales du son, mais après Mekong Morning Glory, Nuit d'Eric Cordier et Seijiro Murayama, Standing Sitting d'Anne Guthrie et Punto Cero, Aragon de Luis tabuenca et Wade Matthews, quatre disques fantastiques sortis en une année, et basés sur des field-recordings, il va peut-être falloir que je pense sérieusement à revoir mon jugement. Merzouga a su ici explorer la puissance musicale d'enregistrements non-musicaux en les collant et les composant de manière précise et savante, de manière musicale en fait. Même si les enregistrements sont exceptionnellement évocateurs et figuratifs (on a réellement l'impression de longer le Mekong en une heure), ce tableau en apparence objectif est traversé par la subjectivité et les émotions propres au duo. Mekong Morning Glory donne le sentiment d'une œuvre aboutie et achevée, aussi poétique et musicale que documentaire. Très bon boulot!

Evan Parker/Zlatko Kaučič - Round about one o'clock (Not Two, 2011)

2012-01-14T09:54:00.000-08:00

Dédicacé au saxophoniste anglais Mike "Ozzie" Osborne (rien à voir avec Black Sabbath, Osborne est plus connu pour ses collaborations avec Mike Westbrook ou John Surman), Round about one o'clock est l'enregistrement d'une première collaboration d'Evan Parker et du percussionniste slovène Zlatko Kaučič. Six improvisations capturées lors du cinquantième anniversaire du Jubilee Jazz Festival à Ljubljana. Evan Parker n'évolue pas par rupture, il emploie les mêmes techniques instrumentales et les mêmes formes d'improvisations depuis plusieurs décennies, les changements opérant surtout par apport aux formations instrumentales et aux collaborateurs. Je ne dis pas cela de manière négative, car à chaque nouvelle production d'Evan, je ne suis pas surpris par la technique, mais par une précision qu'il a fini par peaufiner, précision de l'écoute et des réponses à chaque contexte musical, que ce soit au sein du trio classique Parker/Guy/Lytton, en solo ou avec de nouveaux musiciens avec qui il n'a pas l'habitude de collaborer, comme le percussionniste nantais Toma Gouband ou Zlatko Kaučič ici même.

Au cours de ces improvisations libres et spontanées, le duo Parker/Kaučič parvient à produire un dialogue original envers et contre la longue tradition d'une forme déjà largement entamée dans le free jazz autant que dans le jazz, le duo saxophone/batterie. Le couple anglo-slovène ne s'évertue pas ici à abolir les fonctions traditionnelles des instruments utilisés, à anéantir les fonctions rythmiques et mélodiques de manière purement négative. Il n'y pas de séparation ni de hiérarchie, mais le geste du duo est plus positif et constructif que destructeur et revendicateur. Ensemble, les musiciens ne se distinguent que par le timbre, mais se réunissent parfaitement dans des lignes énergétiques spécifiques. Véritables symbioses énergiques et dynamiques, les motifs et les idées suivies au long de ce concert sont caractérisées par leurs valeurs et leurs aspects intensifs, dynamiques et énergiques, et c'est par ces propriétés que les timbres pourtant aux antipodes peuvent fusionner en un motif au-delà des propriétés traditionnelles du son et de la musique. Avec un matériau assez réduit, Parker n'utilise pas énormément de techniques étendues, tandis que Kaučič, hormis quelques idiophones, n'utilise qu'un tom et diverses cymbales, le duo parvient à composer une musique multiple et diverse, non selon le timbre ou la structure qui est la plupart du temps linéaire, mais grâce aux différentes énergies déployées au long de ce dialogue puissant et créatif. Le son d'Evan, on le sait, est unique, et Kaučič parvient parfaitement à dialoguer avec cette énergie inépuisable du saxophoniste légendaire en frappant peaux et cymbales de manière à déployer les intensions énergiques et intensives du duo, que ce soit par le biais d'un jeu pointilliste ou linéaire, rarement pulsé mais toujours expressif.

Puissantes, profondes et expressives, ces six pièces ne laissent pas de marbre et marquent par leur intensité et par la puissance de l'écoute. Mort en 2007 suite à un cancer du poumon, Osborne n'aurait pu rêver un plus bel hommage que ces six improvisations créatives et constructives, beaucoup plus lyriques qu'abstraites, sans que ne soit jamais utilisé aucun cliché stylistique et technique propre à véhiculer des émotions. Car si une chose est véritablement digne d'admiration chez Evan, c'est cette faculté de produire des émotions aussi fortes avec un langage technique aussi original, un langage sans précédent et que peu de personnes semble vouloir reprendre, comme par peur de sa puissance. Recommandé!

Tracklist: 01-Link to ... O / 02-Link to ... Z / 03-Link to ... Z / 04-Link to ... I / 05-Link to ... E / 06-Dear Mike!

André Goudbeek/Lê Quan Ninh/Peter Jacquemyn - Uwaga (Not Two, 2011)

2012-01-13T09:53:00.000-08:00

Listening can be one of the greatest pleasure. You must learn to listen because by listening you will learn to see with your mind's eye. You see, music paints pictures that only the mind can see. Open your ears so you can see with the eye of the mind.

C'est sur cette citation de Sun Ra imprimée au dos de la pochette que j'ai découvert ce trio. Il me semble que c'est la première fois que j'entends André Goudbeek (au saxophone alto et à la clarinette basse ici) ainsi que Peter Jacquemyn (contrebasse et voix). Le premier est originaire de Hollande tandis que le bassiste vient de Belgique, chacun a joué avec Fred van Hove et de nombreuses pointures de la musique improvisée européenne (efi). Quant à Lê Quan Ninh, malgré le (relativement) peu de disques qu'il sort, il est une figure incontournable des nouvelles musiques en France, au-delà de sa pratique de l'improvisation et de ses nombreuses collaborations avec Doneda, et surtout une figure incontournable pour de nombreux percussionnistes français tels Mathias Pontevia ou Sébastien Bouhana. Ce trio avait déjà publié quelques enregistrements en 2010, sous la forme d'un quartet avec la pianiste Christine Wodascka.

Sur Uwaga, on peut entendre deux improvisations enregistrées en 2008 à Cracovie. La première, "Attention!", est une longue pièce de presque 45 minutes, où les peintures sonores se succèdent sous forme de motifs dynamiques. Si le trio s'inscrit clairement dans le mouvement "efi", il n'en rejette pas pour autant la puissance et la chaleur du free jazz. Durant toute cette pièce, Jacquemyn ne quittera pas son archet, sa vitesse et la tension de son jeu participe à la dynamique globale du trio, un jeu souvent fort et intense qui varie entre les longues notes tenues de manière instable et une exploration virulente des harmoniques. A ses côtés, André Goodbeek varie aussi les modes de jeux sans pour autant utiliser de techniques étendues, il varie entre les notes tenues et les phrases ou motifs mélodiques, avec toujours beaucoup de puissance, d'intensité, de lyrisme et d'émotions. Puis vient Lê Quan Ninh, un jeu si particulier qui constitue une forme musicale à part entière, une nouvelle forme neuve et personnelle. Le percussionniste frotte ses cymbales à l'aide d'un archet, percute quelques bols sur le cadre ou la peau des toms, martèle les cadres avec insistance, un jeu de timbres plutôt impressionnant et franchement inventif. Mais ce n'est pas le plus important, la puissance de ce mode de jeu réside plutôt dans la concentration sur les dynamiques produites et en cours, car la musique de Lê Quan Ninh tend à mettre en forme de manière sonore et musicale des dynamiques sans presque jamais s'appuyer sur des valeurs rythmiques ou harmoniques. Autre point jouissif et réussi de ces enregistrements, c'est la forme horizontale des lignes dynamiques, chacun produit au fil des 45 minutes une ligne composée par une certaine énergie, et ces différentes lignes se superposent à merveille pour former une certaine dynamique toujours collective, malgré des approches très différentes des idées poursuivies au long de ses lignes par chaque individu. La magie d'une écoute attentive et intense entre chacun de ces virtuoses apparemment faits pour jouer l'un avec l'autre. Quant à ces dynamiques, elles sont souvent puissantes et intenses, fortes et denses, mais la tension redescend régulièrement pour aérer cette magnifique pièce où les motifs dynamiques se succèdent et rebondissent ensuite constamment, mais sans fracture comme l'efi nous y a traditionnellement habitué. La deuxième pièce mystérieusement intitulée "Pasop!" (ça veut peut-être dire également attention, en je ne sais quelle langue par contre), est assez similaire sauf que Peter Jacquemyn joue cette fois uniquement en pizzicato, de manière progressive jusqu'à devenir rythmique, et qu'il semble n'y avoir plus qu'une dynamique, une sorte de long crescendo d'une douzaine de minutes.

Deux pièces réussies à merveille et plutôt originales, une pratique de l'improvisation dynamique vraiment puissante et intense, magique et profonde, qui sait ouvrir de nouveaux horizons selon le souhait de Sun Ra. Et c'est bien l'écoute entre chacun, l'écoute minutieuse et intelligente, prévenante et alerte, qui produit cette magie et cette profondeur hors du commun, cette nouvelle dimension que seuls les yeux de l'esprit peuvent voir. Je suis vraiment heureux du coup qu'on permette également à nos oreilles d'accéder à ces merveilles. Magnifique!

Tracklist: 01-Attention! / 02-Pasop!

Joe McPhee - Ibsen's Ghosts (Not Two, 2011)

2012-01-13T05:41:00.000-08:00

Enregistrées au théâtre Victoria à Oslo en 2009 et publiées par le label polonais Not Two, auquel je consacrerai cette fin de semaine, voici cinq improvisations d'un quartet réunissant autour du saxophoniste légendaire Joe McPhee deux autres musiciens originaires de la ville emblématique du free jazz, Chicago, le tromboniste Jeb Bishop et Michael Zerang à la batterie, ainsi que le norvégien Ingebrigt Håker Flaten à la contrebasse.

J'ai pas mal écouté Ibsen's Ghosts cette semaine, et je dois avouer que ce n'était pas toujours de bon coeur, je n'appréciais vraiment que la section rythmique au départ. Au fil des écoutes, j'ai fini par réussir à m'immerger dans cet univers typiquement américain, un univers d'urgence et de spontanéité. Tout d'abord, McPhee, un ténor chaud et puissant, dans la lignée d'une perpétuelle recherche du Cri, un cri qui n'en finit pas de prendre diverses formes depuis Trane, mais le saxophoniste ne fait pas qu'exploser dans une rage désormais commune et parfois lassante, il peut également se faire exceptionnellement lyrique et réellement mélancolique. Mais le plus appréciable dans ces improvisations reste sans aucun doute cette section rythmique d'assaut: contrebasse et batterie explorent de multiples modes de jeux, de la percussion arythmique des cadres et de l'archet produisant des harmoniques véhémentes en passant par des pizz proches du jazz, et des tornades de virtuosité et de rapidité typiques du free. Le seul bémol à mon goût porte sur Bishop, trombone souvent monotone, sans relief et trop ornemental. En tout cas, les cinq improvisations de ce quartet brassent une énergie propre aux années 60 et 70 tout en explorant des formes musicales modernes, en multipliant les dynamiques (le quartet n'hésite pas à calmer très fortement les tensions, à s'accorder calmement), et les combinaisons instrumentales. L'écoute est intense entre la contrebasse et la batterie, mais ces derniers ne forment pas une section rythmique formelle, juste instrumentale, car leur fonction est aussi dynamique et parfois mélodique que McPhee et Bishop. Par moments, on a droit à quelques magnifiques duos basse/batterie où la virtuosité et l'inventivité de chacun peut pleinement ressortir, un duo qui sait magnifiquement créer de nombreux reliefs et de multiples formes énergiques sur lesquelles peuvent ensuite se greffer la puissance de McPhee.

Cinq improvisations en hommage au dramaturge danois Ibsen (musicalement, je n'ai vu aucun rapport et je pense que l'hommage lui a été rendu seulement à cause du lieu d'enregistrement) qui savent explorer quelques formes musicales neuves, et qui réussissent donc à rafraichir une forme, le free jazz, qui a pas mal tendance à s'épuiser, tout en conservant sa puissance et son intensité originaires. Le quartet utilise des modes de jeux souvent puissants et intenses, déstructure les hiérarchies entre instruments et évite l'écueil des improvisations collectives cacophoniques aussi bien que la perpétuation d'une improvisation trop proche du jazz, même si elle sait parfois s'en inspirer, et même très bien. Du bon free puissant qui rafraichit la tradition et lui redonne du souffle.

Christoph Erb - Alone (Veto, 2011)

2012-01-09T10:39:00.000-08:00

Deuxième volet de l'aventure Exchange, Alone est un solo du saxophoniste et clarinettiste suisse Christoph Erb (livré dans une pochette aussi soignée que la précédente sur Veto), qu'on avait déjà pu entendre en trio avec Jim baker et Michael Zerang sur le même label. Erb se livre ici à un exercice aussi difficile que risqué, le solo de saxophone (saxophone ténor et clarinette basse plus précisément). Risqué car le terrain a déjà été exploité sous toutes les coutures possibles, et il devient de plus en plus difficile de trouver sa voie et de faire preuve d'originalité parmi les innombrables solos réalisés depuis une quarantaine d'années.

Alone regroupe dix pièces réparties sur une durée étonnamment courte de seulement 25 minutes. Ce qui me fait croire que cet essai est sans prétention, qu'il s'apparente autant à un hommage qu'à une tentative d'expérimentation. Les dix improvisations soufflées sont variées et ont peu de choses en commun, on trouve aussi bien des pièces composées uniquement de multipistes de slaps, que des mélodies lyriques et mélancoliques, ainsi que des enchevêtrements de textures faites d'harmoniques, de souffles, de slaps et de multiphoniques. Des improvisations parfois abstraites, proches du drone ou d'une forme de pointillisme, mais aussi très concrètes et mélodiques par moment, rythmiques et swingantes, c'est comme si Christoph Erb voyageait à travers tous les univers possibles et déjà formulées par l'exercice du solo de saxophone/clarinette. Hommage à Xavier Charles et Martin Küchen, à John Butcher ou Evan Parker, mais aussi aux fantômes de Sonny Rollins, Joe McPhee et Albert Ayler; Erb évoque et peut faire penser à de nombreuses personnalités. Mais si des fantômes ressurgissent, le saxophoniste suisse a aussi une individualité et une personnalité discernables. Personnalité qui s'affirme dans la forme même des pièces, cette suite de miniatures qui s'apparente à un collage de "clichés", suite qui remet en question les techniques utilisées ainsi que les modes de jeux et les esthétiques en les succédant ainsi les unes aux autres. Erb se distingue aussi de par son timbre même et l'énergie qu'il dégage, un son vraiment chaleureux et coloré, avec des phrases et des lignes pleines de reliefs et de contrastes, en bref, une suite pleine de vie.

Bel essai d'improvisations solo pour le saxophoniste et clarinettiste Christoph Erb qui se distingue ici par un jeu et une approche vivants et didactiques, ainsi que par une sorte de remise en question et d'interrogation sur les précédents essais d'improvisation solo au saxophone. Dix pièces puissantes et intenses, très variées et virtuoses, mais surtout chaleureuses et vivantes.

Tracklist: 01-Soup / 02-Kasimir / 03-S#!T / 04-Bschme / 05-Tenor / 06-Gooey Louie / 07-Räuber / 08-Horny Goats / 09-Dear Old Reeds / 10-Kirch

Adam RUDOLPH

2012-01-06T14:28:00.000-08:00

Adam RUDOLPH's Moving Pictures with Organic Orchestra Strings - Both/And (Meta, 2011)

Retour au free jazz acoustique. Au free façon old school, avec Adam Rudolph, un percussionniste originaire d'une ville mythique pour le free américain, Chicago. Depuis les années 70, Rudolph a parcouru le monde pour apprendre les diverses possibilités musicales offertes par des cultures hétéroclites: les raga indiens, la musique gnawa marocaine, le gamelan balinais et javanais, la musique malienne des Dogons, etc. En bon yogi, Rudolph veut par sa musique dépasser les oppositions traditionnelles pour mieux les unir: union de l'intellectuel et de l'intuitif, de l'écriture horizontale et verticale, du rythme et de la mélodie, de la composition et de l'improvisation. Plus précisément, la philosophie de Rudolph consiste à penser que chacun des termes implique l'autre, qu'il n'y a pas d'improvisation sans composition et inversement, que les cellules rythmiques ne peuvent être pensées en-dehors de leur aspect mélodique, et ainsi de suite.

Musicalement, cela donne non plus une forme de Great Black Music, même si les éléments africains (cycles de 33 temps sur "Return of the magnificent spirits") et afro-américains (la structure blues de "Blues in orbit"), mais plutôt une forme de Great Universal Music. Éléments indiens ("Love's light" est une interprétation libre d'un raga), européens (orchestre de cordes) et instruments de tous les pays et de toutes les cultures musicales (djembe, clarinette, flûte en bambou, trombone, harmonica, cornet, oud, guitare, banjo, bata et j'en passe), s'accordent en une musique qui tente l'union impossible. Union des cultures mises sur un pied d'égalité autant dans les compositions que dans l'instrumentation mais aussi des systèmes d'écritures, car Rudolph ne privilégie aucune pensée de la musique et tente au contraire d'intégrer les pensées et les systèmes de toutes les cultures et de toutes les époques (de la musique proto-historique africaine au jazz le plus moderne). On a un équilibre constant entre une écriture précise et claire, des improvisations collectives libres, des improvisations dirigées et des systèmes de notations plus ou moins indéterminées.

De manière générale, Both/And est assez intense, les solistes et improvisateurs (parmi lesquels on trouve Ralph M. Jones, Joseph Bowie, Graham Haynes, Brahim Fribgane, Kenny Wessel, Jerome Harris et Matt Kilmer) ont une puissance indéniable et s’accommodent avec virtuosité de chaque couleur désirée ou recherchée. L'équilibre entre les traditions est maîtrisé, on passe aisément d'un funk balinais à un raga jazzy, et la musique de Rudolph arrive presque à un caractère universel, car Both/And parvient à assimiler et à intégrer avec naturel un nombre impressionnant de cultures et de traditions. Le seul problème, c'est qu'à mon avis, malgré la virtuosité des musiciens et le talent d'écriture de Rudolph, c'est typiquement le genre de musique qui risque également de tuer toutes les traditions qu'il utilise. L'utilisation profane de musiques sacrées ou rituelles, même si elles sont maniées avec respect et admiration souvent, tend à désubstantialiser ces musiques en les extrayant de leur contexte. Cette dynamique d'abstraction, abstraction de l'art relativement à son contexte et à son environnement, selon moi, est également une forme de mise à mort de ces musiques que l'on tente d'intégrer à notre culture.

Dix pièces certainement très réussies, en tout cas très bien arrangées et orchestrées, magnifiquement interprétées, mais qui sont je crois nuisibles dans leur démarche. Une musique qui ravira les amateurs de world music savante et proprement structurée et interprétée, ainsi que les férus de jazz moderne.

Tracklist: 01-Return of the magnificent spirits / 02-Love's light / 03-Tree Line (Call) / 04-Blues in orbit / 05-Dance drama part 3 / 06-Dance drama part 2 / 07-Interiors (for Yusef) / 08-Dance drama part 4 / 09-Tree Line (Response) / 10-Both/And

Adam RUDOLPH's Go: Organic Orchestra - Can you imagine... The sound of a dream (Meta, 2011)

Je m'attarderais moins sur ce disque. A peu de choses près, Rudolph adopte ici la même démarche, sauf qu'au lieu des huit musiciens et de l'orchestre de cordes présents sur Both/And, on a ici 48 musiciens provenant de tous les continents. Parmi eux, quelques noms connus dans le milieu des musiques improvisées: David Rothenberg, Steve Swell et Daniel Levin pour ne citer que les plus renommés.

Les compositions sont ici moins linéaires, et tentent de donner une place égale à chacun des musiciens tout en diversifiant au maximum les couleurs sonores et les dynamiques. Un jeu d'écriture complexe, mais aussi et surtout d'orchestration. La direction est claire et laisse une grande marge de manœuvre la plupart du temps. Je ne reviens pas dessus, mais le même problème qui a partie liée aux phénomène d'acculturation me gêne encore dans cette démarche peut-être créative pour la musique improvisée occidentale, mais destructrice pour les traditions utilisées et représentées par différents procédés d'écriture, divers modes de jeux et instruments.

Aucun problème, l'écriture est complexe, très intelligente dans la mesure où elle gère parfaitement les tensions et l'équilibre entre l'improvisation solo, l’improvisation collective, l'improvisation dirigée et l'écriture à proprement parler. Et ici encore, les musiciens ne manquent pas de talent et savent jouer avec puissance autant dans les solos que dans les ponctuations écrites, dans les mélodies comme dans les accompagnements. Sans parler de l'alchimie virtuose entre mélodie et rythme, entre horizontalité et verticalité. Une musique riche et virtuose, mais qui a aussi ses limites dans la voie qu'elle emprunte.

Tracklist: 01-Glimpse and Departure / 02-Dance Drama Part 3 (Green) / 03-Ambrosia Offering / 04-Slip of Shadows / 05-Lament and Remembrance / 06-Love'sLight / 07-White Sky, Black Clouds / 08-Dance Drama Part 3 (Blue) / 09-Treelines / 10-Neither Mirage No Death / 11-To Rafter, To Skylight / 12-Murmur and Dust / 13-Dance Drama Part 3 (Red) / 14-Dance Drama Part 4 / 15-Wing Swept / 16-Glow and Orbit / 17-Dawn Redwoods / 18-Nascence

Luis Tabuenca & Wade Matthews / Thanos Chrysakis & Philip Somervell

2012-01-05T08:42:00.000-08:00

Luis Tabuenca & Wade Matthews - Punto Cero, Aragón (Aural Terrains, 2011)

Coordonné par l'ethnomusicologue Ana Maria Alarcón-Jiménez et financé par le gouvernement d'Aragón (je le signale car l'Etat ne s'investit que trop rarement dans de vraies entreprises artistiques), le duo Luis Tabuenca (percussions) et Wade Matthews (field-recordings et synthèse digitale) tente de retranscrire l'atmosphère sonore de l'Aragón, communauté pyrénéenne du nord de l'Espagne. Tabuenca a quitté l'Espagne depuis quelques années, mais Wade Matthews y est installé depuis 1989. La retranscription est donc étrange, il s'agit d'enregistrements faits par un immigré de longue date, retravaillés en collaboration avec un percussionniste émigré. Nostalgie de l'un, émerveillement naïf de l'autre. Les émotions avec lesquelles sont travaillés ces divers sons s'entremêlent sans cesse dans des entrecroisements complexes: tandis que l'un pointe la densité des phénomènes sonores naturels, l'autre explore la rythmicité du castillan, si une atmosphère festive voit le jour, elle peut vite être contrebalancée par une ambiance sombre et inquiétante.

Au niveau sonore, nous avons un peu de tout: des insectes, des bruissements, vagues, eau, des sons difficilement reconnaissables, des bribes de conversation, des bandes accélérées et modifiées analogiquement, des percussions pulsées, frottées, rythmiques ou lisses. Le duo Tabuenca/Matthews a misé sur la diversité et la variété des sources sonores pour certainement mieux déployer la richesse de l'univers aragonais. Wade Matthews est assez connu pour l'originalité de ses timbres et de ses méthodes qu'il ne souhaite pas dévoiler; et quant à Luis Tabuenca, c'est la première fois que j'entends ce jeune percussionniste, mais autant dire que j'attends ses prochains enregistrements avec impatience. En tout cas, le dialogue entre les deux musiciens est serré, l'entente est très sensible et une certaine passion commune pour l'Aragón semble réunir musicalement les deux artistes que l'on peine souvent à distinguer dans ce jeu de sonorités évocatrices et poétiques qui s’imbriquent avec précision, délicatesse et poésie. Un dialogue dense, plein d'attention à l'autre et aux sons (tant à leur texture qu'à leur signification), et surtout très riche, à l'image de l'univers aragonais retranscrit. Entre musique électronique, ambiant, musique concrète et électroacoustique, huit pièces enregistrées dans divers endroits et retravaillées de manières toutes aussi diverses, huit pièces riches d'émotions variées, de timbres, de dynamiques et de textures aussi diverses que l'Aragón peut en offrir. Recommandé!

Tracklist: 01-Las Anas, Uncastillo / 02-La Senda, Torrero / 03-Plaza del Pilar, Zaragoza / 04-Oficio perdido, Zuera / 05-Cierzo, Pastriz / 06-Barrio de Las Fuentes / 07-La hermita del molino / 08-Punto Cero, Aragón

Thanos Chrysakis & Philip Somervell - Knotted Alembic (Aural Terrains, 2011)

Simultanément au duo Matthews/Tabuenca, Thanos Chrysakis publiait sur son propre label un autre duo de lui-même (intérieur du piano, synthétiseur, vibraphone, radio, shruti box, carillon) en compagnie de Philip Somervell (piano et intérieur du piano). Sept pièces sans titres et complètement improvisées, enregistrées en 2010 et en 2008.

Ici, le duo agence des textures souvent calmes, parfois même très calmes ou silencieuses. Des textures plutôt belles et espacées, harmonieuses presque par moment et en tout cas toujours originales. Alors qu'une balle en plastique frotte le bois du piano pour obtenir une sorte de drone, des carillons sont légèrement percutés et un accord de piano surgit par moments. Ou bien, des notes espacées par de longs silences surgissent brutalement pour s'effacer assez lentement dans une longue résonance à laquelle les deux musiciens prêtent toujours beaucoup d'attention. Une musique quelque peu fantomatique, où il importe peu que les notes se frottent, mais où il importe surtout que les résonances s'entremêlent et s'affectionnent. Improvisations plutôt minimales et très attentives à la résonance et au son de manière générale (attaques, préparations du/des piano), ces sept pièces construisent des univers exempts de toute tension, des univers calmes et apaisants malgré les quelques frottements entre les notes. Il y a un caractère méditatif assez constant tout au long de ces improvisations, méditations sur le son et sur l'espace que ce dernier remplit ou non, méditations sur la manière dont le silence peut structurer l'espace et enfin, méditations sur les caractéristiques propres à chaque timbre et à chaque texture. De manière générale, les pièces sont horizontales, chaque note glisse le long d'un fil hors de toute pulsation et hors de toute échelle harmonique. Un calme imperturbable semble hanter chacune de ces improvisations durant lesquelles les deux pianistes peuvent expérimenter une multitude de combinaisons texturales sans que jamais n'apparaisse la moindre tension.

Très belles improvisations formant un territoire sonore apaisé, calme, poétique et sensible. Du bon boulot.

Joe Panzner - Clearing, Polluted (Copy For Your Records, 2011)

2012-01-04T04:50:00.000-08:00

Le dernier album de Joe Panzner, Clearing, Polluted, est une suite de trois pièces principalement composées à l'électronique et publiée par le label de Richard Kammerman, Copy For My Records. Trois pièces exceptionnellement originales, neuves, intelligentes et puissantes, on est en fait ici en face d'un des meilleurs albums de musique électronique de 2011 à mon avis, en tout cas un des plus puissants et des plus originaux.

La première pièce, "Young Theorist", est plutôt calme et utilise peu de fréquences. Très aiguës aux départs, elles deviennent par la suite ultra-basses, mais jamais très fortes ni uniques, il y a toujours des fréquences parasites qui viennent doubler les dominantes ainsi que des interférences beaucoup plus fortes et dures qui donnent du relief à l'ensemble de la pièce. On arrive à une sorte de drone instable et mystérieux sur lequel se greffent régulièrement des ondes étonnantes et détonantes qui peuvent faire penser à une radio déréglée souhaitant prendre le dessus. L'ambiance générale est fraiche et originale, une pièce calme et simple, d'une douceur violente mais pas agressive, comme une sorte de poème noise qui souhaite plus agencer intelligemment des fréquences que pulvériser l'estomac de l'auditeur avec un mur de son aux limites du supportable.

"Hindsight Is 50/50" commence par des micro-contacts déjà plus agressifs et violents, et finira par une guitare franchement harsh. Électroniques archaïques et fractures dynamiques débutent la pièce, puis un mur de son arrive, mais pas un mur saturé d'un maximum de fréquences, Joe Panzner utilise encore peu de timbres simultanément, il en agence quelques uns qui laissent place à d'autres au fur et à mesure. Mais sur cette pièce, chaque texture est forte et saturée, puissante et agressive. Une pièce dense qui prend aux tripes, une sorte de souffle monstrueux, de tsunami sonore plutôt hostile et effrayant. Un univers dur et grandiose à la fois, mais aussi envoûtant, car on veut savoir comment le massacre se terminera, si une issue est possible, et on se laisse également facilement absorber par la surabondance de détails, car il y a quelque chose de baroque dans cette pièce, comme un mur de son ornementé d'une multitudes de détails parasitaires. A la moitié de la pièce environ, le son tourne sur lui-même, devient cyclique, et la même boucle se répète inlassablement tout en devenant de plus en plus dense et forte, la musique se fait noise extatique jusqu'à ce qu'un accord de guitare saturée jusqu'à la nausée viennent rompre cette boucle qui va lentement se fondre et disparaître dans des méandres calmes et inconnus.

La dernière partie de Clearing, Polluted, intitulée "Less than a feeling" revient à quelque chose de plus calme et de plus aéré. Une fréquence basse qui fait penser à un moteur organique, quelques parasites qui interfèrent continuellement, des parasites qui évoquent des insectes hertziens, voilà comment sont peuplées les premières minutes. L'agencement des sons est clair, propre, et original toujours, le son de Panzner ne ressemble à rien de connu, surtout dans les dynamiques qu'il adopte. Petit à petit, la fréquence basse, comme un vent ralenti une vingtaine de fois, prend une place de plus en plus conséquente, jusqu'à ce qu'on entende quasiment plus que lui. On se retrouve alors dans un territoire proche du drone, mais qui n'a pas grand chose de linéaire non plus, un drone très vivant et inquiétant à la fois. La première impression qui m'est survenue est, étrangement, le sentiment de ma balader dans une jungle, de longer un sentier continu à travers une multitude d'espèces animales et végétales, ce que peuvent évoquer toutes les interférences qui parsèment la mystérieuse fréquence basse continue.

Clearing, Polluted, est un des rares albums de noise ou de musique électronique à être aussi diversifié malgré une unité et une continuité indéniables, mais aussi un des rares albums à être aussi humain, chaleureux et concret. Une suite magnifique et vraiment fraîche de pièces puissantes, denses, et superbement construites. Hautement recommandé!

Tracklist: 01-Young Theorist / 02-Hindsight Is 50/50 / 03-Less Than A Feeling

Bruno Duplant - Slow Breath (B-boim, 2011)

2012-01-03T15:19:00.000-08:00

Slow Breath est une composition de Bruno Duplant, interprétée ici par lui lui-même au cor et à l'électronique. La pièce est dédiée à Radu Malfatti et a été publiée sur son propre label, B-boim. Il s'agit d'une pièce de quarante cinq minutes, très proche des compositions de Radu, une pièce minimaliste avec très peu de notes et beaucoup de silence.

Durant le premier quart d'heure, une note apparaît doucement avec un léger crescendo et disparaît assez rapidement en un petit decrescendo. Chaque note, souvent la même, est espacée de longs silences d'une trentaine de secondes, et à partir d'un quart d'heure, elles sont souvent doublées par une ombre parasitaire d'interférences électroniques discrètes. Petit à petit, les notes se resserrent de plus en plus et changent de plus en plus, mais de manière globale, il y a excessivement peu de changement de notes, et énormément de silence. Le cor rappelle bien sûr le trombone de Radu, avec ses uniques notes répétées mécaniquement; sauf qu'ici le cuivre est plus vivant à cause des légères variations d'intensités au début et à la fin de chaque intervention, mais aussi grâce au souffle et à l'électronique qui viennent donner de la chaleur mais aussi, et surtout, du relief, à chaque note. Bruno souhaitait pour cette partition donner l'impression d'une respiration lente et irréelle. Autant dire que le pari est réussi. La longueur des pauses qui séparent chaque intervention, l'irrégularité de leurs longueurs tout comme de la durée de chaque note, la lenteur exacerbée du mouvement global de cette pièce, tout concourt à donner à cette respiration - car on a tout de même l'impression d'une respiration grâce à la répétition des notes, à la pulsation illusoire et lente qui semble guider la dynamique de la pièce - tout concourt donc à faire de cette respiration une respiration fantomatique et fantastique. Une respiration d'une lenteur yogique et d'une vitesse hors de toute proportion. Une respiration qui pourrait être celle de ces animaux gigantesques vivant dans les profondeurs abyssales et inexplorées de certains océans.

Une pièce très calme et très lente, apaisante et envoûtante, qui possède un caractère vraiment fantomatique et surréel. Il y a d'un côté cette respiration, qui provient d'une source inquiétante parce qu'inconnue. Mais aussi cette manière qu'a chaque note d'apparaître et de disparaitre. Tous les sons surgissent du néant et y retournent avec un naturel déconcertant. Il n'y a aucune rupture entre le silence et les notes, et c'est cette continuité étrange entre ces deux termes habituellement opposés qui a su renforcé mon impression d'irréalité. C'est fantomatique et fantastique car on arrive ici dans un univers où l’opposition son/silence perd son sens et s'abolit. Les notes surgissent naturellement du silence et y retournent aussi facilement car l'opposition n'existe plus dans Slow Breath, nous sommes dans un univers où le silence vaut comme musique, autant que la note, qui vaut comme musique et non comme note au sein d'une échelle harmonique. Ici, chaque son est musique, tout est musique, les distinctions entre son, bruit, note et silence perdent complètement leur sens et on retrouve une musique simple et originelle, primitive et poétique.

Plutôt minimaliste et répétitif, Slow Breath nous plonge directement dans un univers très calme où chaque évènement est déconcertant par sa simplicité et son naturel (sa spontanéité nécessaire). Un univers calme et plat, aéré et simple, mais très sensible et délicatement relevé par des irrégularités qui forment autant de licences poétiques que nécessaires. Licences qui nous absorbent et nous étonnent. Très proche de l'univers de Radu et de Wandelweiser en général, Slow Breath est une pièce plutôt belle et réussie, elle sait autant tenir l'auditeur en haleine que créer des images mentales originales. Bon boulot de composition et d'interprétation!

Joe Williamson - Hoard (Creative Sources, 2011)

2011-12-31T10:20:00.000-08:00

Ceci est le dernier post de l'année, mais également le dernier consacré à cette longue fournée de disques produits par le label portugais CS. Le dernier et un des meilleurs à mon goût. Hoard est un solo du contrebassiste canadien vivant dorénavant en Suède, Joe Williamson. Pour ceux qui ne le connaissent pas, on a déjà pu l'entendre dans le chef d'oeuvre du Free Quartett, Ballistik I-IX (aux côtés de Sven-Ake Johansson, Axel Dörner et Thomas Ankersmit), dans le trio Trapist avec Martin Siewert et Martin Brandlmayr, ainsi que tout récemment dans un autre trio avec Tony Buck et Olaf Rupp, Weird Weapons 2.

Après cette brève présentation, passons à la musique elle-même. On a deux pièces, d'environ vingt minutes chacune. Deux longues pièces en fait, car sur les deux l'archet ne s'arrête jamais, il y a constamment du son, à un volume la plupart du temps assez fort. Les deux pièces sont violentes, Joe Williamson paraît beaucoup jouer sur les cordes à vide et il se concentre principalement sur les textures, aucunement sur les notes ou les rythmes. Le son change avec la pression de l'archet surtout, pression qui est la plupart du temps beaucoup trop puissante relativement à la norme. Joe Williamson semble en vouloir aux cordes, il ne les caresse pas, on peut à peine dire qu'il les frotte, mais plutôt qu'il les malmène et les agresse avec des crins. Torture, agressivité et violence. Le son est dur, rêche, et plein d'aspérité. Car les cordes ne sont pas lisses, et ce sont leurs aspérités mêmes qui attaquent l'archet (ou s'en défendent) et surtout donnent du grain aux textures recherchées durant ces quarante minutes. Les deux pièces sont assez minimalistes, comme un bourdon qui peut ne pas bouger d'une corde durant une dizaine de minutes, mais il y a tout de même de nombreux micro-changements, qui se font selon la vitesse du frottement et la pression de l'archet. En tout cas, il s'agit d'un minimalisme à tendance harsh, car les textures sont denses et agressives la plupart du temps, et elles demandent une disponibilité surtout nerveuse assez entière. Ceci-dit, la palette des textures est assez large et variée pour retenir l'attention tout du long lorsqu'on accepte de pénétrer cet univers assez violent et torturé.

Cette richesse dans les couleurs doit certainement beaucoup à l'enregistrement de David Stäckenas qui a du mettre le micro le plus près possible de la basse, car toutes les aspérités du timbre sont présentes, mais également le grain même de l'archet, tout comme la dureté du cordier. Un enregistrement très près d'une contrebasse malmenée par un musicien violent qui désaccorde sa corde la plus grave afin d'accéder à des extrêmes peu entendues, et qui en même temps frotte le plus fort qu'il puisse son archet jusqu'à ce qu'il arrive à ces textures grasses, rugueuses, nerveuses, denses et envoutantes que nous retrouvons extrêmement souvent durant Hoard.

On est très loin du solo de Duboc par exemple (qui ne jouait que sur le cordier), mais Williamson explore aussi une technique de jeu particulière pour arriver dans ce solo vraiment réussi à la constitution de textures exceptionnelles et inouïes pour cet instrument. D'un côté c'est nerveux, agressif et bruyant, mais de l'autre, c'est fin, précis, original et brillant. Recommandé!

Tracklist: 01-Inadvertent attraction of suspicion / 02-Hoard

Olaf Rupp / Joe Williamson / Tony Buck - Weird Weapons 2 (Creative Sources, 2011)

2011-12-29T06:05:00.000-08:00

Peut-être certains d'entre vous ont-ils déjà entendu le premier volet de ce trio, Weird Weapons, publié en 2005 sur Emanem. La suite, publiée par CS encore, garde la même configuration: Olaf Rupp à la guitare acoustique, Joe Williamson à la contrebasse, et Tony Buck à la batterie, pour deux longues improvisations de vingt-cinq et trente minutes.

Une description minutieuse me paraît complètement impossible et inadéquate pour ces deux pièces. Il y a un aspect linéaire, l'intensité reste toujours la même, le timbre également ne change que très peu, tous les mouvements se font plutôt dans les changements de densité. La plupart du temps, batterie et contrebasse saturent l'espace, tous les instruments percussifs sont utilisés à un rythme frénétique, tandis que la basse de Williamson occupe un spectre harmonique proprement vertigineux, tout l'ambitus de la contrebasse est constamment utilisé. Quelque fois, nous avons un peu de répit, l'archet se fait moins tendu au profit d'un pizz plus aéré, les cymbales et la grosse caisse laissent quelque place à d'autres peaux moins virulentes et oppressantes. Et c'est à ces moments surtout qu'on peut apprécier la virtuosité et l'originalité d'Olaf Rupp, qui doit certainement beaucoup à sa technique de jeu inhabituelle (il pose sa guitare verticalement sur ses genoux). Le dialogue entre chacun est tendu, puissant, l'espace est très serré et parfois aux limites de l'oppression, heureusement que certaines baisses de tensions viennent alors équilibrer les nombreuses accalmies. A les entendre, on dirait parfois que des centaines d'espèces d'insectes grouillent autour de nous, pas du tout des insectes hostiles, juste des insectes qui font leur vie à nos côtés. Les sons fusent dans un magma rapide fort et très dense, comme une maille très fine d'une laine un peu rêche, rêche car il y a quand même quelque chose d'hostile et d'austère dans cette manière de laisser si peu d'espace.

Deux improvisations très vives et denses, peu conventionnelles et impressionnantes.

Pour vous faire une idée peut-être plus précise du son de ce trio, voici quelques extraits disponibles sur SquidCo.

Tracklist: 01-Shantung / 02-Buckram

Marjolaine Charbin / Frans van Isacker - Kryscraft (Creative Sources, 2011)

2011-12-27T08:57:00.000-08:00

Une magnifique photo et un titre énigmatique pour ce duo belge. Au menu, cinq pistes sans titres où on retrouve Marjolaine Charbin au piano, et Frans van Isacker au saxophone alto. Deux instruments qui ont peu en commun, mais qui parviennent ici à fusionner grâce à une écoute extrêmement attentive et intensive. De manière générale, les cinq pièces sont assez calmes et minimales, il y a peu de silences en tant que tel, mais les interventions sont très espacées, et souvent délicates. On sent une grande sensibilité pour les textures d'un côté, et pour la nécessaire fusion de ces textures d'autre part. Les cordes du piano sont très sensiblement raclées pendant qu'un souffle cuivré peine à émerger, le bois est caressé et le cadre percuté à intervalles irréguliers tandis que van Isacker attaque quelques notes brèves espacées par des pauses plus ou moins longues. Tout du long, la tension est grande, certainement à cause de la difficulté de fusionner ces deux timbres quasiment contraires, mais aussi parce que la musique semble régulièrement tendre vers un silence attirant sans qu'elle ne parvienne jamais à l'atteindre vraiment. C'est en tout cas ce que j'attendais, et la tension réside aussi dans ma frustration et ma déception de cette absence de silence. Puis à quelques moments, l'intensité monte, les jeux se font puissants et forts, une violence proche du free jazz vient donner quelques reliefs et un peu de profondeur à cette suite qui sans cela tomberait dans une grande monotonie. Car malgré des textures originales, assez inventives et aventureuses, la tension est presque toujours la même, n'est jamais résolue, et ne bouge que rarement. La suite est donc assez linéaire, monotone et manque vraiment de relief (surtout dans les moments de repos qui peuvent être creusés autrement que par une irruption de violence par forcément explicable). Linéarité rompue surtout sur les deux dernières pistes avec de très puissants passages de phrases et d'idées répétées et décalées, avec une ambiance beaucoup plus assurée et assumée.Pas exceptionnel malgré un talent et une virtuosité indéniables notamment de la part de Marjolaine Charbin, mais aussi de van Isacker qui peut faire parfois penser à Guionnet pour sa gestion de l'espace.

Steve Beresford / Stephen Flinn / Dave Tucker - Ink Room (Creative Sources, 2011)

2011-12-24T06:23:00.000-08:00

J'arrive à la fin de ma session CS, une session interminable qui a beaucoup tourné autour du timbre et des drones sous toutes leurs formes. Arrivé ici, je suis bien content de me retrouver avec ce trio qui se démarque beaucoup plus. Car Steve Beresford (électronique), Stephen Flinn (batterie et percussions) et Dave Tucker (ancien membre du mythique groupe post-punk The Fall, ici à la guitare) baignent dans une improvisation électroacoustique énergique et violente, saturée et asymétrique. Le trio anglo-américain verse autant dans la noise la plus harsh que dans une improvisation spontanée qui prend ses racines en Europe, et plus particulièrement en Angleterre.

Une musique pleine de ruptures dynamiques, de contrastes saisissants, et de fractures intensives vertigineuses. D'un instant à l'autre, on peut passer d'un volume excessivement puissant et d'un espace sonore saturé à un univers beaucoup plus espacé où l'interaction et le dialogue comptent plus que le son global. Comme une sorte de collage sans barrière esthétique ni technique, un collage de sons parfois proches du psyché, du rock progressif ou post-punk, de la noise et bien sûr des musiques improvisées. Souvent, je me suis imaginé une heureuse rencontre entre ce trio et Konk Pack, je me plaisais à imaginer le joyeux fatras qui pourrait résulter de ces deux trios franchement débridés et à l'énergie inépuisable. Ceci-dit, on a tout de même une impression de déjà-entendu, les sept pièces présentes ici n'apportent rien de bien neuf, mais apportent tout de même une énergie et une chaleur qui peuvent aujourd'hui se faire rares dans l'intellectualisme ambiant qui règne à l'intérieur des musiques improvisées

Un album pas très innovant, mais puissant, énergique, débridé, excité, spontané et surtout, chaleureux. C'est marrant et plaisant, ça divertit, mais ça n'apporte pas grand chose de plus qu'une énième version du free-rock omniprésent depuis Zorn et Eye.

Tracklist: 01-At Night / 02-Investigations / 03-The Torn Couple / 04-The New Advocate / 05-One Girl Alone / 06-Mud Club / 07-Fragments

Matthias Muche / Philip Zoubek / Achim Tang - Excerpts From Anything (Creative Sources, 2011)

2011-12-22T07:28:00.000-08:00

Matthias Muche (trombone), Phillip Zoubek (piano préparé) et Achim Tang (contrebasse) sont trois musiciens d'origines allemande et autrichienne qui vivent actuellement à Cologne. Ce trio avait déjà publié un disque (que je n'ai jamais eu l'occasion d'écouter) chez Creative Sources, et ils reviennent aujourd'hui à la charge avec un nouvel opus sur le même label, Excerpts from anything.

Chacune des cinq pièces sans titre présentées ici est différente, et je vais donc les décrire une par une. La première est très ancrée dans l'esthétique du label CS, une longue nappe d'une dizaine de minutes exempte de toute pulsation et de ligne mélodique. Les trois couleurs formées par chacun des instruments se superposent et se mêlent en un volume monochromique rempli d'aspérités (vibrato au trombone, quelques notes percutées au piano). Les strates modifient le son global en se modulant imperceptiblement et très sensiblement, une pièce très délicate et tendue, linéaire sans être statique, aux textures riches et profondes, même si elles ne sont pas très originales.
La deuxième pièce est en rupture totale avec ce style d'improvisation et le choc est frontal tant la forme diffère radicalement de ce dans quoi le trio nous avait plongé précédemment. Car la deuxième pièce joue très fort, très rapidement, avec des attaques brutales et des notes très courtes, cette pièce, une sorte de morceau de grindcore acoustique, juxtapose des notes dans une perspective uniquement percussive et intensive, et il devient très difficile de distinguer le trombone du piano et de la contrebasse, sauf à la fin où l'espace se dégage quelque peu, car on a plus affaire à un long decrescendo qu'à une forme linéaire ici. Une improvisation intense et puissante, violente et agressive, beaucoup plus tendue encore que la première, où l'attaque devient timbre, et le timbre percussion, et on pense alors à l'utilisation de certains instruments dans les rites de transe de possession. L'espace est saturé, mais se dégage petit à petit jusqu'à ce que le trombone esquisse des lignes plus que des frappes, mais des lignes très courtes et serrées, des tirets en quelque sorte.
La troisième piste serait peut-être la synthèse des deux précédentes. L'attaque a une grande importance, mais pas autant que la résonance qui s'ensuit. L'espace est beaucoup plus détendu, les sons peuvent surgir à leur aise, et résonner librement, l'ambiance est plus proche d'une sorte de pointillisme sonore, un pointillisme qui laisserait la place nécessaire aux résonances qui s'entremêlent et se mélangent jusqu'à produire un tableau équilibré et harmonieux. En soi, cette improvisation n'est pas mal, mais ne présente rien d'extraordinaire, de la forme linéaire aux sonorités entendues mille fois, mais c'est plutôt au sein de ces cinq pistes qu'elle prend sens. Je crois vraiment que cet univers reposant pile à la moitié du disque était nécessaire, en tout cas son insertion à ce moment précis est plutôt judicieux. C'est simplement dommage qu'elle soit la plus longue alors qu'il n'y a que très peu de tension et de puissance, ni de créativité, seulement un dialogue minutieux et sensible entre trois musiciens qui savent très bien s'écouter apparemment.
Ensuite, nous tombons presque dans le réductionnisme, des souffles, le bois du piano et de la contrebasse frotté, les cordes différemment agitées et triturées. Il y a ici plus d'inventivité peut-être, plus de créativité dans la production de timbres et de sonorités nouvelles, d'un son collectif sensible, harmonieux et frais. Mais la forme reste linéaire et peu féconde: les timbres s'allongent et le temps s'étire au profit d'une durée exclusivement produite par les couleurs des instruments. Un style plus abstrait que précédemment, un son plus brut et primitif, mais qui n'a somme toute rien de surprenant.
Pour finir, nous retournons à une sorte de drone fait de longs et quelque peu mélancoliques glissandos où les pentes se mêlent indistinctement les uns aux autres pour aboutir à des nappes tendues, riches et profondes. Durant sept minutes, chaque couleur augmente en volume, en hauteur, en intensité, ou bien descend, simultanément aux deux autres. Des descentes abyssales et interminables, qui offrent un sentiment d'éternité toujours grâce à l'absence totale de pulsation et d'attaque perceptible. Une pièce très belle qui nous plonge dans un torrent de désespoir et de tristesse, mais également dans une forme radicale et moins convenue.

Même si chaque pièce a quelque fois du mal à sortir des lieux communs provenant des musiques improvisées, la variété des formes et des univers, une variété qui fait de chaque pièce l'antithèse de chaque autre parfois, ou la synthèse de plusieurs, cette variété donne donc à ces improvisations dans leur ensemble quelque chose de frais et de neuf, comme une relecture des différentes possibilités propres à l'improvisation dite libre, comme idiome musical (ce qui n'est pas sans remettre en cause la soi-disant liberté à l'oeuvre dans cette pratique musicale). Une musique globalement talentueuse et sensible, où l'écoute est intense et les formes précises, variées et claires, et la gestion des tensions assez équilibrée. Pas exceptionnel, mais du bon boulot quand même.

Rodrigues / Rodrigues / Gonçalves / Torres / Moimême / Pereira / Santos / Oliveira - Suspensão (Creative Sources, 2011)

2011-12-21T06:42:00.000-08:00

Deux CD, quatre pièces improvisées, huit musiciens. Une équation simple mais qui a quelque chose de monumental pour ce disque paru sur le label d'Ernesto Rodrigues, également présent sur ce disque, à la direction, à l'alto, mais aussi à la harpe, aux métronomes et différents objets acoustiques. A ses côtés, on retrouve de nombreux fidèles de la scène portugaise, la plupart étant des collaborateurs réguliers d'Ernesto, tels son fils Guilherme, au violoncelle, Abdul Moimême à la guitare électrique préparée et Carlos Santos à l'électronique et aux "éléments piézoélectriques"; mais également Gil Gonçalves au tuba, Nuno Torres au saxophone alto, Armando Perreira à l'accordéon et au piano jouet, et enfin, José Oliveira aux percussions.

Une formation instrumentale impressionnante, dense et presque exhaustive (dans la mesure où on retrouve toutes les familles d'instruments). Mais contrairement à ce qu'on pourrait présager, ces quatre longues improvisations sont tout de même très espacées, les musiciens ne sont que très rarement plus de quatre à jouer simultanément. La musique semble dirigée, et Ernesto prend bien soin de laisser de la place à chacun, un peu à la manière d'une Klangfarbenmelodie mais très étirée ici. Pas de pointillisme à la Webern, les musiciens portugais posent plutôt des nappes longues et étirées, où l'espace entre chaque timbre prend autant d'importance que le timbre lui-même. Un timbre rentre, donc, puis un second, puis un troisième, tandis que le premier se retire et ainsi de suite. L'espace sonore n'est jamais saturé, le temps est lisse mais les fractures sont constantes, fractures de timbres à l'intérieur d'une durée lisse et d'une pulsation indéterminée parce que absente. Les changements d'ambiances et de textures sont incessants, aucun son ne reste en place et s'impose, et pourtant, la linéarité de ces pièces est monolithique (à l'intérieur d'une pièce comme des quatre qui s'enchaînent sans que l'on ne s'en aperçoive). La cohérence qui s'établit dans la continuité est impressionnante et majestueuse. Les cellules de timbres qui s'agencent peuvent parfois être très intenses, très plates, certaines très originales (comme ces métronomes dissymétriques, ou les nappes discrètes de Carlos Santos qui parviennent si bien à appuyer et enrichir n'importe quel type de texture, la profondeur et le charisme du tuba) et d'autres plus convenues. L'octet s'amuse à déployer toutes les combinaisons instrumentales possibles et explore différents agencements de familles instrumentales tout en développant des réponses logiques relativement à chaque cellule, et à l'ensemble de la pièce.

Et pourtant, je n'y arrive pas. Peut-être que j'ai un peu trop écouté Ernesto ces derniers temps, je ne sais pas, mais en tout cas, cette continuité constamment brisée par les ruptures texturales tout en étant maintenue dans une temporalité linéaire m'a franchement fatigué. L'espace et l'agencement des timbres est très bien géré, des textures se font à l'intérieur d'un espace vaste, mais le fait que ces textures soient constamment modifiées par le retrait ou l'ajout d'un instrumentiste fait qu'elles n'ont pas le temps de prendre véritablement sens. Malgré une inventivité exceptionnelle de chaque musicien comme du groupe pris dans sa globalité, les architectures sonores proposées ici me paraissent trop froides du fait de leur absence de déploiement dans le temps et de leur fracture incessante. Comme une sorte de pointillisme étirée, de "lignisme" pourrait-on dire, car le groupe trace des lignes sans forcément de rapport les unes avec les autres, des lignes qui s'agencent et se superposent pour former un certain volume (géométrique) précis et déterminé. Et même si la créativité dans la production des lignes est impressionnante, autant que la sensibilité de l'écoute, et l'attention au collectif, l'inconstance des volumes pris dans une temporalité elle très constante dans sa linéarité monolithique m'a plutôt ennuyé. Une musique qui laisse une étrange sensation d'éphémère et d'éternité.

Tracklist: CD I: 01-Suspensão 1 / 02-Suspensão 2
CD II: 01-Suspensão 3 / 02-Suspensão 4

Nate Wooley - The Almond (Pogus, 2011)

2011-12-18T08:19:00.000-08:00

Je vous faisais part de ma surprise devant l'originalité du nouvel album solo de C. Spencer Yeh hier encore, mais alors là, bien que le trompettiste américain Nate Wooley ait déjà sorti deux solos cette année, The Almond m'a plus que surpris, il m'a carrément atterré. A l'opposé de [8] syllables sorti chez Peira comme de Trumpet/Amplifer, et aux antipodes de ses productions jazz/free jazz (comme cet album de reprises du Velvet Underground), The Almond est un long drone statique et radical de plus de 70 minutes, produit par le label américain Pogus.

A l'origine, il s'agissait seulement d'une étude de 20 minutes pour trompette seule, sans techniques étendues, une étude que Nate a publié début 2010 sur le netlabel Compost and Height (vous pouvez l'écouter ici). The Almond a grossi et a grandi pour finir en monumental drone de plus d'une heure. Une nappe complètement horizontale donc, à partir de notes enregistrées dans plusieurs lieux, non modifiées et selon des techniques traditionnelles. Plusieurs notes sont ainsi superposées durant des temps étirés au-delà des limites habituelles, au-delà des conventions musicales et perceptives. Il y a quelques semaines, une critique comparait The Almond aux travaux de Phill Niblock, la comparaison tient évidemment, puisqu'il s'agit de l'analyse et de la synthèse de la trompette au-delà des habitudes instrumentales et compositionnelles. Ceci-dit, la synthèse proposée par Nate Wooley ici a quelque chose de beaucoup plus chaleureux que les compositions du célèbre artiste minimaliste américain. Car l'instrument est travaillé, décomposé et recomposé par Nate lui-même, et ceci sans la médiation informatique ou électronique (hormis une pédale ponctuellement utilisée qui produit des sons proche d'une sorte de moteur). Le fait que la totalité de ce drone soit acoustique et qu'il soit composé et interprété par la même personne confère une aura et une chaleur que les drones de Niblock n'arrivent pas toujours à atteindre (ce qui n'est pas un reproche, la musique de Phill offrant encore d'autres intérêts). On a donc ici une succession de notes qui se superposent, des notes qui apparaissent, disparaissent, tandis qu'une voix surgit également par moment ainsi que des notes modifiées par une pédale d'effet. Bien que la musique soit d'une continuité et d'une linéarité presque géométrique, il y a un mouvement incessant qui se forme dès le moindre changement, la disparition d'une note, ou son apparition, forme immédiatement une nouvelle strate, mais toujours dans le même dynamisme et la même intensité statique. On se balade simplement, de strates en strates, tandis que l'apparition d'harmoniques forment une autre voix par moment, une voix fantomatique à l'allure sacrée du fait de son apparente transcendance. Et ce sont bien d'une part cette voix d'harmoniques ainsi que, d'autre part, la voix de Nate et la pédale utilisée, ce sont ces différents éléments qui agissent comme des accidents, mais des accidents opportuns d'une ampleur considérable sans commune mesure avec leur présence physique. Tous ces accidents font vivre les différentes strates (en en formant un double ou une sorte d'ombre) sur lesquelles Nate nous invite, mais ils leur confèrent également une dimension mystique sans être occulte, une dimension sacrée analogue aux choeurs et aux orgues auxquels ressemblent parfois ce drone.

The Almond, qui n'est pas sans rappeler le dispositif cinématographique d'analyse (enregistrement fragmentaire) et de synthèse (projection continue), ressemble à une magnifique tentative de reconstitution d'une temporalité originelle, d'une durée sans temps, où la pulsation est évidemment absente, mais où toute tentative de découpage paraît impossible face à la puissante continuité de ce drone. Un sentiment d'éternité et d'atemporalité ne peut que saisir l'auditeur qui prendra le temps (considérable et imposant) de se prêter au jeu de ce flot acoustique dense, riche, radical et puissant, aux allures sacrées ou incantatoires par moment. Une musique qui se plonge dans la durée en abolissant le temps, une musique d'éternité vraiment magnifique. Hautement recommandé!

C. Spencer Yeh - 1975 (Intransitive Recordings, 2011)

2011-12-17T07:45:00.000-08:00

C. Spencer Yeh est reconnu en tant que violoniste (et vocaliste parfois) notamment au sein de Burning Star Core mais également dans de nombreuses formations qui allient musique improvisée et électronique, de la pop à la noise la plus harsh. Oubliez tout ceci, 1975 n'a strictement rien à voir avec ce que Yeh avait pu produire auparavant, car il s'agit ici d'une suite de compositions électroniques et électroacoustiques souvent minimalistes et toujours abstraites.

Les musiques auxquelles a participé le violoniste originaire de Taïwan sont souvent extrêmes et violentes, mais ici, ce que Spencer Yeh a perdu en densité et en volume, il le récupère en complexité et en intelligence. Les cinq premières pièces par exemple, alternent entre le drone mouvant et grinçant, linéaire mais pas statique, des nappes synthétiques qui se frottent et tremblent dans une horizontalité imperturbable: magnifiques et envoûtantes, on regrette seulement qu'elles ne durent pas plus longtemps. L'originalité de Yeh, c'est d'entrecouper ces drones complexes par des pièces électroniques constituées de sons abrasifs et discontinus, comme un drone défragmenté et remixé, mais cette série de "Voice", qui n'est pas sans rappeler Kevin Drumm, même si elle est beaucoup plus fracturée, n'en reste pas moins linéaire dans sa structure, et paradoxalement continue, avec tout de même beaucoup plus de reliefs. Voilà pour cette première partie de "Drone" et de "Voice".

Suit une courte pièce du film plastique d'un CD frotté pendant deux minutes, ironiquement sous-titrée "skit" (parodie), tout comme la pièce "Drips" où des gouttes d'eau sont gratuitement données à entendre durant deux minutes aussi. Mais ces deux sketches encerclent deux pièces autrement plus intéressantes, pour deux guitares comme leur titre l'indique, deux pièces qui semblent synthétiser la première partie du disque, car de nombreux parasites motorisés, discontinus et défragmentés se superposent à un drone encore statique et linéaire. Les deux pièces sont assez similaires, on aurait même presque l'impression que la seconde est seulement le ralenti de la première. Volonté hégélienne de dialectique musicale ou simplement résolution de la confrontation entre les deux univers apparemment inconciliables? En tout cas, ces deux morceaux arrivent au moment parfait pour renouveler cette succession de A et non-A en parvenant à créer un univers différent mais qui reste dans la continuité de ceux qui le précèdent.

Pour les deux dernières pièces, l'écriture de C. Spencer Yeh se fait de plus en plus verticale, des bribes de mélodies et de hiérarchie harmonique intervenant ponctuellement, ainsi que des mélodies fantomatiques de synthétiseurs fatigués ou de piano hystériques (qui m'ont étrangement fait penser aux pianos mécaniques de Conlon Nancarrow). Les structures se complexifient, notamment à cause des matériaux de plus en plus hétérogènes et disparates qui s'agencent néanmoins sans difficulté; des dialogues se forment entre plusieurs voix, le drone se transformant en polyphonie extraterrestre électroacoustique.

Honnêtement, je n'aurais pas attendu des compositions aussi réussies de la part de C Spencer Yeh, non que je ne l'aime pas habituellement, j'avais seulement l'impression qu'il était confortablement installé dans le langage qu'il s'était constitué. 1975 contredit carrément ce préjugé que j'avais, l'écriture de CSY réinvente et renouvelle littéralement son langage pour un disque inespéré, inattendu, et extrêmement original. Original sans être extrême, 1975 est également et surtout un disque exceptionnellement accessible, qui pourrait très bien servir d'introduction aux musiques nouvelles et expérimentales, sans compter qu'il utilise des technologies et des techniques qui vont de la musique concrète la plus primitive aux musique nouvelles les plus contemporaines dans une synthèse intense, intelligente et puissante. Intelligence des répétitions différenciées hors contextes et de l'écriture évolutive, les structures peuvent être complexes mais restent évidentes et transparentes, pour une meilleure attention aux émotions puissantes de cette musique. Recommandé.

Tracklist: 01-Drone / 02-Voice / 03-Drone / 04-Voice / 05-Drone / 06-Shrinkwrap from a solo saxophone cd (skit) / 07-Two guitars / 08-Two guitars / 09-Drips (skit) / 10-Au revoir... / 11-... et bonne nuit

David Chiesa & Jean-Sébastien Mariage - Oort (Creative Sources, 2011)

2011-12-15T09:54:00.000-08:00

David Chiesa est un contrebassiste français très axé sur l'improvisation interdisciplinaire (danse, vidéo, poésie, etc.),et qui collabore depuis plusieurs années avec Jean-Luc Guionnet, Frédéric Blondy et Michel Doneda. Autre compagnon de longue date que l'on retrouve sur ce duo acoustique publié par Creative Sources, le guitariste Jean-Sébastien Mariage, connu pour sa participation à diverses formations hexagonales de renom, telles Hubbub et X-Brane.

Oort, un titre énigmatique pour une pochette qui ne l'est pas moins, évoquant un certain nuage de comètes aux frontières du système solaire. La musique est-elle censée peindre ce phénomène astronomique? Chiesa a-t-il tenté ici l'ultime confrontation des disciplines en tentant de dialoguer avec l'observation astronomique? Le nuage d'Oort a-t-il inspiré la musique de ce duo, à moins qu'il n'ait été nommé ainsi a posteriori? Autant de questions qui resteront sans réponses tranchées de ma part...

Au fil de ces cinq pièces en tout cas, on est vite aspiré par la douceur du dialogue, sa subtilité et sa sensibilité. Le volume est généralement assez bas, même si les attaques et les timbres ne manquent pas d'intensité parfois. Si le volume change peu, la densité elle, et l'espace sonore avec, est constamment remaniée durant cette heure poétique. Les cordes entretiennent un dialogue où l'écoute et l'attention sont constamment de la partie, un dialogue qui produit des atmosphères très minimales (Mariage n'utilise parfois que deux notes durant plusieurs minutes), où le silence espace des interventions précises et d'autant plus intenses qu'elles se font constamment attendre. L'univers sonique prend parfois du volume surtout grâce à Chiesa, notamment lorsqu'il produit d'étonnantes harmoniques éthérées où lorsqu'il nous plonge dans un bourdon aux double-cordes exceptionnellement proche d'un accord d'accordéon. Et malgré ces variations d'intensité et de densité, ce sont bien les interventions espacées, précises et minimales de Mariage qui maintiennent une cohésion linéaire à travers cette suite d'improvisations poétiques, quelque peu mélodiques, et d'apparences assez pures et éthérées.

Peut-être est-ce ce silence qui évoque le nuage d'Oort, silence qui par le vide auquel il est associé peut dénoter les trous noirs, mais également l'infinité de l'univers, tout comme la tension qu'il produit (tension qui est également le fruit du dialogue où il n'y a que de rares fusions) peut évoquer la frontière que le nuage d'Oort marque entre le système solaire et le reste du cosmos. Quoiqu'il en soit, Oort parvient à maintenir une tension linéaire et mélodique à travers l'ensemble de la suite malgré les différents univers variés et hétérogènes qui se déploient au fil des pièces, multitude sonique qui contraste d'ailleurs avec l’homogénéité instrumentale. Un très beau duo!

Stefan Thut & Taku Unami - Am Wind / d±50 (Winds Measure, 2011)

2011-12-12T16:08:00.000-08:00

Stefan Thut est un violoncelliste et compositeur membre du collectif Wandelweiser, et il présente sur cette cassette une composition interprétée par lui-même, Am wind, ainsi qu'une composition de Taku qu'ils jouent tous les deux sur la deuxième face. La première pièce, réalisée par Stefan Thut, se compose de deux field-recordings séparés par 1 minute 32 de silence, deux long plan-séquences de 17 minutes chacun. On a donc durant cette pièce qui met en scène le vent saisi par un micro, deux blocs de sons urbains, saisis la nuit, selon la volonté de la composition qui revêt ici la forme d'un haïku: "at night/somewhere/close to the wind/(as a field recording: unprocessed)". L'espace dans lequel s'inscrit l'enregistrement semble désertique, seules quelques portes claquent, une voiture passe au loin, une cloche fantomatique sonne, mais pourtant l'espace sonore est presque saturé par la présence du vent. Un vent fort, pris au vif par le micro, un vent dont le grain s'épaissit grâce à la matière de la cassette; et ce vent est plein de vie et de variations. Voilà pour la description, aussi sommaire soit-elle. Quoiqu'il en soit, je n'arrive toujours pas à accrocher à ce genre d'enregistrements "objectifs" qui prétendent retranscrire la réalité par le biais d'une représentation sans artifice, représentation censée sublimer ou transcender la réalité dont elle est l'empreinte. L'intention musicale ne suffit pas selon moi à pallier l'absence de mise en forme des sons, et je n'arrive pas à considérer le silence qui conclut les deux parties comme une mise en forme. Une pièce qui me laisse indifférent, perplexe, et froid, du fait de sa forme sommaire et de son matériau réduit, je n'ai qu'un mot pour expliquer l'émotion que peut susciter ce genre d'enregistrement chez moi: l'incompréhension.

Comme je le disais plus haut, la deuxième face de cette cassette est une composition de Taku Unami: d±50, et comme toutes les pièces/performances/installations de cet artiste, elle réclame une attention/immersion totale de la part de l'auditeur (de la même manière que Am Wind par ailleurs, mais malheureusement, j'en suis incapable...). Comme vous pouvez vous en douter, le matériau sonore est plutôt léger, Stefan Thut produit un long drone sur la même note assez grave, tandis que Taku utilise quelques ondes sinusoïdales tremblantes très proches du drone de Stefan. A noter qu'encore une fois, la prise de son est très sensible, l'environnement est très présent, chaque mouvement des musiciens peut s'entendre, tout comme le trafic extérieur. Parfois le drone s'arrête, une note pizzicato surgit, et le drone reprend de manière microtonale, à un intervalle très serré. L'ambiance est très calme et méditative, le temps est lisse et étiré, mais ce drone, même s'il est assez froid, ne ressemble pas non plus à quelque chose de figé et de mort. Le fonds sonore environnemental donne du relief à cette nappe de 34 minutes, même si les deux musiciens n'interagissent pas avec, et l'archet de Stefan Thut produit comme une pulsation intérieure et invisible, une pulsation organique qui se plie plus à la musique comme nécessité corporelle que comme convention ou norme musicale, tout comme le tremblement et les frottements des ondes produites par Taku Unami. Ces drones s'imbriquent les uns dans les autres, se frottent et se mêlent, puis se laissent simultanément de la place dans une structure très étirée qui produit une forme poétique, répétitive et minimaliste.

Si je n'arrive pas à pénétrer la pièce solo de Stefan Thut, j'ai trouvé d±50 complètement envoûtant par contre. La pièce de Taku appelle une immersion totale, une noyade dans cette nappe vivante et hospitalière, belle et triste, sensible et délicate. Si les deux musiciens ont voulu tester les capacités d'écoute et d'attention de l'auditeur, cette dernière pièce est une vraie réussite puisque sa monotonie même parvient à tenir l'auditeur en haleine durant les 34 minutes. Malgré la simplicité de la structure, sa longueur et sa répétition, la puissance du violoncelle de Stefan tout comme l'interaction avec la sinewave de Taku peuvent nous emporter dans un univers peut-être froid mais beaucoup plus hospitalier qu'il n'y paraît. Une très belle composition.

Angharad Davies & Taku Unami - Two hands (Winds Measure, 2011)

2011-12-11T08:17:00.001-08:00

Publiée uniquement en cassette par l'excellent label de Ben Owen, Winds Measure, Two hands est une performance radicale de la violoniste anglaise Angharad Davies et du musicien hors-norme Taku Unami. Deux performances enregistrées en mars 2009 à Londres et Glasgow, où Taku et Angharad ne font que frapper dans leurs mains durant la deuxième partie, tandis que la violoniste utilise également son instrument lors de la première session.

La description de ces performances ne prendra pas beaucoup de lignes, car ce qui compte ici, c'est plutôt les interrogations qu'elles posent. Oeuvre de silence avant tout, Two hands I est composé de clappements de mains sporadiques, sans pulsation, sans rythme, des clappements monotones qui surgissent sans prévenir après souvent des secondes et des secondes de silence (sauf que le matériau même de la cassette gêne le silence, et il s'agit donc plutôt d'un souffle omniprésent). A ses côtés, Angharad intervient aussi parcimonieusement, une note pizzicato de temps à autres, seule ou répétée, une note frottée, quelques harmoniques, et c'est tout, durant une demi-heure. Le moins que l'on puisse dire, c'est que c'est minimaliste, aux limites même du supportable. Et ne comptez pas sur la deuxième performance pour rattraper le tout, car Angharad pousse le minimalisme jusqu'au bout en quittant son violon pour accompagner Taku également aux claps.

La première chose que semblent interrogés ces deux enregistrements donc, c'est la possibilité même de l'écoute et de l'interaction entre deux musiciens. Qu'il y ait un instrument ou non, chacun semble jouer de son côté sans prendre en compte les interventions de l'autre, la moindre variation n'entraîne aucune réponse sensible, on pourrait même se demander si Angharad Davies et Taku Unami se voyaient ou même s'entendaient durant ces performances. Individualisme pur qui semble dire que la présence même d'un autre musicien ne peut déterminer la performance d'une personne. Deux monades se rencontrent, mais la fusion est impossible. Et pourtant, les deux musiciens ont du s'entendre pour accepter de jouer ensemble, de s'entendre sur leur conception de la musique et sur le dispositif qu'ils souhaitaient mettre en oeuvre durant ces performances.

Questionnement sur l'interaction d'une part, mais aussi sur la définition de la musique. La musique est souvent comparée à un langage, plus rarement à une langue avec un système sémantique clos, et c'est à partir de cette conception de la musique que musiciens entre eux et avec les compositeurs peuvent s'entendre. Taku et Angharad n'interrogent pas sur le système notationnel ici, mais la remise en cause de l'écoute et de l'interaction interroge néanmoins cette assimilation rapide de la musique à un langage. En plus de cela, un autre aspect critique semble pointer à travers ces performances. On dit souvent que la musique, fondamentalement, est une composition intentionnelle de sons dans la durée. Pourtant, le formalisme radical et l'abstraction extrême de ces performances peuvent faire douter du caractère musical de ces deux sets. Peut-on en effet qualifier de musique deux types qui tapent dans leurs mains sans même s'écouter et réagir entre eux? Il y a pourtant belle et bien une intention artistique de disséminer ces clappements dans un temps donné et un lieu adéquat (lieux et temps dont l'accès est payant en plus). Le problème avec la musique d'Unami, ou sa spécificité, c'est que l'intention est presque exclusivement conceptuelle et formelle. L'intention est avant tout d'interroger et de remettre en cause la musique dans toutes ses déterminations (le public, l'environnement, la définition de la musique, les processus de création, etc.). Ce qui fait que l'on se retrouve devant des discours philosophiques, ou à l'intérieur si l'on réussit à s'immerger sans trop de scepticisme, des discours dont le langage s'articule à l'intérieur d'un dispositif artistique, c'est-à-dire à l'intérieur d'un processus de création, d'une performance et de sa réception.

Enregistrement de deux performances arides à la croisée de la philosophie esthétique et de l'art formel, Two hands s'adresse à un public tout de même très restreint, un public prêt à accepter l'épurement musical le plus extrême qu'on puisse entendre. L'écoute est difficile certes, mais les questions suscitées et le dispositif de questionnement sont quant à eux puissants dans leur forme, et radicaux dans leur contenu. En lisant tout ceci, il faut d'abord savoir que je présuppose que la musique est une forme de langage, car il ne pourrait pas y avoir ce contenu sur lequel je me suis attardé si je ne considérais pas la musique comme telle. Et si j'ai pu écrire que ces performances interrogeaient la musique en tant que conçue comme un langage, il me semble que la réponse est donnée dans ces performances mêmes qui disent quelque chose en le questionnant. Mais comme le champ de signification de la musique n'est pas fermé et clos, qu'il semble même infini de possibilités, mon interprétation n'est qu'une lecture/réception parmi une infinité d'autres possibles.

Tracklist: A-Two Hands I / B-Two Hands II

Boris Hauf, Steven Hess, Keefe Jackson, Juun - Proxemics (Creative Sources, 2011)

2011-12-09T07:11:00.001-08:00

Proxemics est l'oeuvre de quatre musiciens habitués à venir à Chicago, ou y résidant, ce pourquoi ils ont pu enregistré cet album en avril 2010 à l'Experimental Sound Studio. On y retrouve donc deux vents répartis chacun sur une enceinten, Boris Hauf (saxophones ténor et soprano, sinetones et harmonium) et Keefe Jackson (clarinette contrebasse et saxophone ténor) ainsi que Steve Hess à la batterie et à l'électronique, et enfin Juun au piano. La formation instrumentale n'a rien d'original, deux soufflants, un piano et une batterie, on pourrait presque croire à une formation jazz, mais c'est surtout l'usage des instruments et la forme des pièces qui est innovante, voire surprenante.

L'atmosphère est globalement calme durant ces 45 minutes, elle est même presque méditative la plupart du temps. Le quartet déploie de longues nappes sans pulsations, des nappes lisses qui transforment la durée en temps entièrement subjectif, ainsi que de longues phases où tout l'intérêt réside dans l'interaction entre les différentes idées musicales au caractère souvent obstiné. Ceci-dit, le jeu des instrumentistes est extrêmement puissant et l'ambiance est exceptionnellement tendue et forte, envers et malgré l'intérêt considérable porté aux textures et aux timbres. Encore plus étonnant, des lignes mélodiques n'hésitent pas à surgir et à nous emporter dans un torrent d'émotions, ce qui enlève tout caractère abstrait à cette étude sur l'interaction entre les musiciens, interaction qui, malgré ce qu'on a l'habitude d'entendre, peut aussi passée par des mélodies concrètes. Ce sont surtout les attaques des saxophones qui étonnent par leur puissance, des attaques franches, répétées rapidement après de longs intervalles, mais aussi les phrasés mélodiques et les esquisses rythmiques que Steve Hess maintient la plupart du temps à l'état embryonnaire. Il faudrait aussi noter avec quelle délicatesse et quel sens de l'espace Juun parvient à disséminer timidement quelques arpèges et bourdons au piano. Mais aussi, l'utilisation d'électroniques par Hauf et Hess qui flirtent aussi bien du côté du drone que de la musique concrète et du field-recording, tout comme les vents peuvent facilement passer d'un phrasé mélodieux à des techniques étendues réductionnistes (souffles, slaps). Le plus surprenant, c'est qu'avec tout ces éléments, le quartet ne verse ni dans l'abstraction ni dans le collage surréaliste. Il y a au contraire une profonde cohésion tout au long du disque et beaucoup de linéarité durant chaque pièce, car chaque idée est maintenue jusqu'à son épuisement, non pas formel, mais surtout émotionnel. Un peu comme si chaque idée musicale surgissait de la conscience collective du quartet lorsque la précédente ne faisait plus corps avec les émotions du collectif comme de l'auditeur.

Trois improvisations très cohérentes et chaleureuses, pleines d'émotions variées et sensibles, qui savent allier recherches formelles sur le timbre, les textures, et surtout les interactions entre les différents éléments instrumentaux et formels, avec une puissance et une force étonnantes véhiculées notamment par les lignes mélodiques mais également et surtout par les textures elles-mêmes. Recommandé!

Tracklist: 1-Public / 2-Social / 3-Personal

Henrik Munkeby Nørstebø - Solo (Creative Sources, 2011)

2011-12-07T08:46:00.001-08:00

Henrik Munkeby Nørstebø est un jeune improvisateur norvégien qui collabore parfois avec Kim Myhr, et avec de grands ensembles d'improvisation libre, quelques groupes de free jazz ou de musique contemporaine et/ou expérimentale. Pour Creative Sources, il propose un exercice peut-être aussi difficile que rare et donc, original, un solo de trombone. Pour ma part, je trouve que ce Solo tombe très bien, car ce cuivre fait partie de ces instruments magnifiques qui tombent quelque peu en désuétude.

Tout d'abord, il y a eu Roswell Rudd, puis George Lewis, et enfin (et surtout), Albert Mangelsdorff, sans parler de Radu Malfatti. HMN arrive donc avec des précédents assez lourds de talent et de virtuosité, mais il n'y en a pas non plus une pléiade, sans compter que rares sont ceux qui se sont essayés à l'improvisation en solo. Car le Solo de ce jeune musicien part avant tout de l'improvisation, même s'il n'hésite pas à composer quelques lignes mélodiques distribuées parcimonieusement tout au long de ces dix pièces assez courtes. L'instinct, le corps et la spontanéité semblent guider la structure et la forme de ces pièces. Mais il y a aussi une direction très aventureuse, qui place HMN à la croisée du free jazz et du réductionnisme, car entre les mélodies le tromboniste explore de nombreux modes de jeux et différentes techniques étendues. Le cuivre se trouve exalté d'un côté, toute sa solennité traditionnelle et sa puissance sonore et émotionnelle sont constamment sollicitées par Henrik Munkeby Nørstebø, mais il se trouve également transcendé, ou plutôt transfiguré. Le son est transformé par la voix, la langue gêne l'embouchure, le souffle et d'autres "imperfections" sont également sollicités, la matière du cuivre conduit la voix, les pistons claquent, les attaques sont exacerbées, autant de techniques qui rappellent les expérimentations de la scène réductionniste, sauf qu'elles sont ici au service d'une énergie concrète et brute. Car HMN n'étale pas ses compétences techniques pour produire les textures les plus originales possibles, la technique est avant tout un moyen pour parvenir à une certaine dynamique, entre la mélodie primitive et une musique organique, qui provient avant tout du corps même du musicien.

Voilà à peu près ce qui fait de ce Solo une oeuvre personnelle et originale, qui touche au corps de l'instrumentiste plus qu'à son intelligence, à son intimité sans verser dans une introspection abstraite. Les dix pièces sont variées et virtuoses bien sûr, mais elles possèdent chacune leur univers qui n'est pas autonomisé, mais qui paraît au contraire sortir tout droit du corps de HMN. Les techniques étendues sont multiples et variées, mais pas gratuites, elles servent toujours une dynamique particulière et souhaitée par le tromboniste. En gros, on a ici un solo particulièrement intense, qui peut être aussi bien dansant qu'envoûtant, avec des pièces variées autant au niveau sonore qu'au niveau dynamique. Après un aussi bon début, j'attends avec impatience les prochains enregistrements de ce talentueux tromboniste du coup.

Greg Kelley / Olivia Block - Resolution (Erstwhile, 2011)

2011-12-06T08:55:00.001-08:00

Resolution, une réunion fantastique de deux explorateurs sonores radicaux, publiée par les soins de Jon Abbey. A la trompette, on trouve Greg Kelley, connu pour le duo Nmperign, tandis qu'Olivia Block s'occupe du piano et de l'électronique.

Les deux musiciens américains s'amusent à brouiller les sources sonores, à mélanger les timbres de manière inextricable. Les deux pièces qui ouvrent et clôturent Resolution par exemple, "Pinholed and perpetual light 1 & 2", sont constituées d'une longue nappe faite d'un souffle à la trompette qui ne se distingue pas du souffle généré par Block, un souffle dont on n'identifie que difficilement la source. Le souffle sera d'ailleurs le principal élément utilisé par Kelley, un souffle agressif et corrosif, ou calme et discret, transparent ou virulent. A partir de ces souffles, Block tisse des fils, brode avec des sons souvent indéfinissables, construit des motifs qui se fondent dans les textures ou les explosent à partir d'accidents électroniques autant qu'acoustiques. Tels ces objets jetés dans le cadre du piano, ces bourdons à partir de cordes délicatement frottées, ces bruits de pas fantomatiques, aux frontières du réel et de la représentation, sans parler de ces étranges arpèges franchement inattendus au milieu du disque, et de toutes ces interactions avec le cadre du piano.

L'assemblage de ces textures est bien à l'image de la photo qui orne la pochette (prise par Olivia Block toujours), deux univers peut-être distincts, mais qui ne vont pas l'un sans l'autre, une opposition qui se maintient dans une unité très persistante et consistante. L'entente entre les deux instrumentistes est de l'ordre de l'incroyable presque, car si leurs univers individuels se distinguent clairement l'un de l'autre, l'unité qui les assemble en est d'autant plus surprenante. Une unité magique qui se fait dans des constructions poétiques d'éléments sonores assez intimes, mais pas si communs. L'intimité, ainsi que la délicatesse et la sensibilité, sont ce qui caractérisent le plus cette interaction entre ces deux perfomers qui arrivent ici à composer une musique extrême, sans concession, mais tout de même sensible et envoûtante.

Resolution rassemble donc cinq pièces qui peuvent être aussi bien lisses, simples, calmes et contemplatives, que denses, dynamiques et fortes. En tout cas, il y a toujours une profonde entente et une interaction sensible entre chacun des artistes qui composent ces poèmes sonores où des matériaux s'entremêlent inextricablement, matériaux parfois difficilement identifiables. La rencontre est surprenante car les individualités s'opposent nettement, mais forment aussi une unité puissante et consistante dans le jeux de questions et de réponses souvent inattendues auquel ils s'adonnent tous les deux avec une joie et une créativité totale. Un album aventureux, dense, osé, très original et plutôt sensible et poétique. Recommandé!

Tracklist: 1-Pinholed and perpetual light 1 / 2-Looking through bone / 3-How much radiance can you stand? / 4-Some old slapstick routine / 5-Pinholed and perpetual light 2

Jérôme Noetinger / Will Guthrie - Face Off (Erstwhile, 2011)

2011-12-03T02:42:00.001-08:00

Will Guthrie, batteur originaire d'Australie installé à Nantes depuis quelques années, joue ici avec Jérôme Noetinger, figure émérite de la musique électroacoustique française. Très différent des dernières productions Erstwhile, ce duo s'inscrit dans une énergie beaucoup plus primitive et instinctive. Noetinger/Guthrie proposent ici 12 pièces assez courtes pour la plupart, douze sortes de collages pour la plupart tendus et énergiques, dédicadés au "cinéaste pour l'oreille" Alain de Filippis, et superbement masterisés par Giuseppe Ielasi. Les premières pièces ont un quelque chose de cartoonesque: assemblage de modulations analogiques, de micro-contacts, de percussions et de radios, la tension monte très vite, les deux musiciens augmentent le son très vite, puis coupent tout, sans prévenir, de façon inopportune. Collage presque surréaliste de matériaux parfois rudimentaires, parfois plus perfectionnés, qui vont du feed-back aux interférences lo-fi en passant par les harmoniques des cymbales. Il y a une ambiance souvent proche de l'hystérie, une forme d'énergie exarcerbée en tout cas, mais l'atmosphère peut aussi se détendre, seul un souffle analogique ou une peau caressée se maintiennent contre le silence parfois, ce que Jérôme s'empresse de détruire avec des interventions incongrues mais heureuses, avec des puissantes modulations de fréquences qui ne sont pas sans rappeler quelques expérimentations de la musique concrète.

La forme même du duo est une sorte de collage entre la musique improvisée européenne et la dynamique tension/rupture qui lui est propre, cette défragmentation de l'énergie qui consiste à en fracturer tout embryon dès que le climax est atteint (ce qui ne prend souvent pas plus de quelques secondes ici), ou à insérer des points de rupture dans des nappes de son calmes et contemplatives, des pics de tension hystériques et puissants. Assemblage de cet aspect de la musique improvisée donc, mais également des expérimentations de la musique électracoustique, avec le timbre spécifique aux manipulations de bandes analogiques (Noetinger) et de micro-contacts (Guthrie) à même la batterie ou sur d'autres supports plus bruts. Les sons sont donc très hétéroclites et les directions prises sont souvent innatendues et surprenantes. Une pulsation légère se trouve soudainement submergée par des fréquences parasitaires monstrueuses, une radio dialogue avec un micro-contact qui capte des vibrations inquiétantes, etc. On l'aura compris, la musique de ce duo est brute, radicale, et surtout, spontanée. Il n'est pas question de révolution timbrale, le contenu sonore est déjà connu de tous, mais formellement, cette forme de collage et d'utilisation instinctive de ces matériaux est plutôt innovante, on n'avait pas souvent entendu des bandes magnétiques utilisées avec autant d'énergie par exemple, et l'insertion des percussions, instrument tradtionnel sans hauteur déterminée, apporte également une touche de fraîcheur à cette forme d'improvisation électroacoustique.

Un duo puissant qui élabore des petits tableaux avec de la matière brute et primitive. Pas forcément très innovant, Face Off apporte quand même une touche de fraîcheur et de spontanéité, et surtout, il ne manque pas d'énergie ni de puissance. Recommandé.

Tracklist: 1-Snide / 2-Creep Show / 3-Slo-Nife /4-Swamp / 5-Le analise / 6-Cymslake / 7-Saw / 8-Carpet burn / 9-Atelier forge / 10-Crackney / 11-Saikopasu-komento / 12-Sunday morning english wine

Ernesto Rodrigues, Neil Davidson, Guilherme Rodrigues, Hernâni Faustino - Fower (Creative Sources, 2009)

2011-11-30T12:06:00.001-08:00

Avant de passer aux albums plus récents parus sur Creative Sources, je finis cette rétrospective Ernesto Rodrigues avec un dernier quatuor datant de 2009. Quatuor presque traditionnel si ce n'est que le violon est ici remplacé par la guitare acoustique du britannique Neil Davidson. Mais hormis ce léger écart à la tradition, on retrouve toujours Ernesto à l'alto, son fils Guilherme au violoncelle, et Hernâni Faustino à la contrebasse. Parmi ces cinq productions d'Ernesto datant de 2006 à 2009, Fower est certainement ma préférée après le fantastique Drain, ce qui m'amène à conclure que l'exclusivité des instruments à cordes (car Drain était un trio pour cordes) est certainement ce qui réussi le mieux à cette musique si particulière.

On a ici trois pièces, mais c'est la première, "heuch", qui occupe plus de la moitié de la durée du disque. Durant cette improvisation, le premier principe du quatuor est comme toujours d'agencer des textures, et pour ce faire, les quatre musiciens n'hésitent pas à retourner leurs instruments et leurs techniques dans tous les sens. Des double-cordes sont frénétiquement répétées, les instruments sont percutées à même le corps boisé, ou sur le chevalet, le crin des archets est autant utilisé que le bois de ce dernier, les cordes de la guitare sont actionnés par un objet motorisé pour en faire un bourdon, les harmoniques crissent, les basses du bois et des registres extrêmes envoûtent par leur rondeur. Si la musique du quatuor ressemble le plus souvent à un drone homogène, elle n'en est pas moins vivante et mouvementée, différentes nappes se succèdent, des nappes bruitistes, des nappes faites d'harmoniques, des nappes rythmiques; les drones peuvent aussi bien être agressifs, minimalistes, rythmiques, calmes, etc. Même si la plupart de l'improvisation est jouée à l'archet et si le son collectif est plutôt homogène, il y a de nombreux reliefs, des aspérités incessantes, des "accidents" souvent heureux, tels les pizzicato énergiques qui concluent cette pièce. On est plus envoûté que lassé par cette musique qui accentue les timbres et les textures avant tout, mais n'est pas sans accorder une grande importance aux variations d'intensité et de puissance.

Les deux dernières pièces, "haugh" et "hume", ne s'éloignent pas de cette lignée entamée par "heuch". On entend toujours les cordes motorisées de Davidson, les archets sur la touche ou sur le chevalet, des staccatos effrénés et abrasifs. La seule différence provient surtout de la durée des pièces, le fait qu'elles soient beaucoup plus courtes accentuent les différences d'intensités et cette variable prend alors une importance plus consistante, voire essentielle. D'un instant à l'autre, on peut passer d'un léger bruit blanc très faible à un mur de bourdons exceptionnellement puissant et grinçant. Les transitions sont tout de même très maîtrisées, il n'y a pas de rupture entre les différentes phases, mais le contraste est tout de même plus flagrant du fait d'une importance plus négligée aux développements des différentes textures et des nappes successives.

Un disque exceptionnellement intense pour ce genre d'improvisation, Fower sait en effet manier les contrastes d'intensités, les différentes formes de tension et de puissance, ainsi que les relations entre ces éléments, mais aussi, et surtout, toute l'étendue sonore des instruments de ces cordes maîtrisées avec une virtuosité ahurissante. Trois improvisations pour quatuor à cordes, où chaque instrumentiste paraît avoir très bien intégré la gestion des tensions et des intensités mises en application dans la musique savante, la radicalité de l'improvisation libre européenne, la puissance du free jazz et la virtuosité du réductionnisme. Un album intense et éprouvant, puissant et contrasté, aventureux en somme, sans tomber dans le formalisme. Recommandé!

Tracklist: 1-heuch / 2-haugh / 3-hume

Ernesto Rodrigues, Guilherme Rodrigues, Carlos Santos, Andrew Drury - Eterno Retorno (Creative Sources, 2009)

2011-11-29T02:17:00.001-08:00

Eterno Retorno, c'est ErnestoRodrigues toujours à l'alto, avec son fils Guilherme au violoncelle,le fidèle Carlos Santos à l'électronique, et Andrew Drury auxpercussions. Etrange référence à Nietzsche, car pour une fois, lamusique de ce quartet est presque pulsée, du fait des percussionsd'un côté, mais également de notes répétées frénétiquementaux cordes. Les quatre improvisations qui forment Eterno Retornosont, contre toute attente, placées sous le signe d'une pulsationsous-jacente et implicite contrairement aux improvisations beaucoupplus texturales auxquelles nous ont habitués ce collectifd'improvisateurs, portugais pour la plupart.

Street Food, la pièce qui ouvre lebal, nous plonge directement dans un territoire agressif eténergique. Cordes et peaux sont frottées avec virulence, quandelles ne sont pas violemment percutées, et Carlos Santos n'hésitepas à en rajouter une couche avec des envolées analogiquesintenses. Une improvisation extrêmement énergique, basée sur uneintensité constamment soutenue et une atmosphère saturée, uneambiance d'une violence plus proche de la noise que del'improvisation électroacoustique. Superbe. C'est ensuite que leschoses se gâtent, l'espace se fait plus aéré, les interventionssont plus discrètes et plus douces. Il y a une bonne écoute entreles musiciens certes, mais le manque de relief et d'intensité, cettelinéarité, produisent plus une sensation de lassitude et d'ennuique de tension. J'ai beau écouté et réécouté ce disque, pasmoyen d'accrocher à toutes petites interventions discrètes etdélicates qui ne font pas sens. Le dialogue est équilibré et senséentre les musiciens certes, mais aucune forme ne surgit, l'intensitéreste la même, et c'est un sentiment de monotonie qui finit parprendre le dessus.

Globalement, il y a une très bonnehomogénéité dans le son de groupe, chacun sait se confondre ou seplonger dans le collectif, et les réponses sont souvent justes. Leproblème vient surtout d'une trop grosse linéarité qui paraîtavoir du mal à s'assumer. Tout le contraire de cette première pièceincroyable, cette pièce puissante et pleine de relief, qui ne laissepas présager cette suite décevante. Ceci-dit, il y a tout de mêmequelques moments de tensions réussis (notamment sur la troisième pièce: Adamant Distances), où l'intensité est assezsoutenue par rapport au reste des improvisations, mais la plupart dutemps, c'est quand même une trop grande linéarité qui règne. Un disque auquel je suis assez indifférent... très mitigé.

Tracklist: 1-Street Food / 2- Good Dog, Cookie / 3-Adamant Distances / 4-Many Happy Returns

Ferran Fages - Llavi vell (L'innomable, 2011)

2011-11-28T06:36:00.001-08:00

Publié par le label slovène L'innomable (le catalogue commence à devenir vraiment impressionnant), Llavi vell est une composition du guitariste espagnol Ferran Fages, il s'agit d'une seule pièce, où sont utilisés une guitare, des micro-contacts et des enceintes. Je ne sais pas à quoi peut ressembler la partition, peut-être que la pochette en représente des extraits, en tout cas, il ne s'agit certainement pas d'une portée, sinon elle ne pourrait qu'être saturée de notes indistinctes.

Car Llavi vell est avant tout une masse sonore de 45 minutes, une "masse fluide" comme le dit Ferran, qui peut facilement faire penser aux mouvements océaniques. Le mouvement de l'archet paraît être régulier et précis, mais le fourmillement d'harmoniques fait toujours la différence entre chaque aller et chaque retour de l'archet. Différence et répétition? Il ne s'agit pas de musique répétitive pour autant, la masse est comme informe, et même si elle peut paraître statique au premier abord, il y a toujours du mouvement, un mouvement pas franchement perceptible certes, très discret et sensible, mais toujours présent. Une masse sonore océanique, dont l'éternel mouvement est constamment différencié par des aspérités physiques ou des accidents météorologiques. Jamais une guitare acoustique n'aura produit une masse sonore aussi puissante et riche que Llavi vell, Ferran Fages a su ici en déployer une richesse encore insoupçonnée, en produisant à partir de cet instrument un mur de son aussi étendu que dans une performance noise électronique. Sauf que l'utilisation de la guitare acoustique comme base matérielle à cette masse sonore apporte une touche de finesse, de rondeur subtile, et de sensibilité chaleureuse, qu'aucun moyen technologique numérique n'aurait pu produire. Toute la beauté de Llavi vell repose en effet sur le mélange de ces deux aspects: l'intensité et la puissance d'une masse compacte, puis la finesse harmonique et la chaleur de l'instrument acoustique. D'un côté, Ferran exploite l'accumulation des sons jusqu'à la saturation pour obtenir une masse compacte et intense, une forme pachydermique en mouvement, mais il équilibre cette masse en exploitant également toute la richesse des cordes frottées, avec ses harmoniques ornementales et mélodiques qui ressortent sans cesse.

Le mur de son est inquiétant au premier abord, puis le mouvement perpétuel de l'archet rassure, et enfin les harmoniques et les infimes différences qui animent la vie de cette masse peuvent nous bercer tranquillement. Ferran Fages parvient ici à bercer l'auditeur avec une masse sonore imposante et linéaire, il le berce dans un paysage océanique, dans un océan de sons où le temps paraît s'être aboli. Le mouvement prend fin dans un entrecroisement de larsens, ce qui nous prépare au retour dans le temps, à notre sortie de cette esquisse d'éternité. Avec cette composition, Ferran Fages semble renouer avec une tradition musicale où la musique pourrait être la traduction humaine du temps cosmique et des mouvements qui animent ce cosmos. Une pièce intimement connectée aux mouvements de l'univers, à ses mouvements perpétuels, comme à sa temporalité, une forme de temps uniquement déterminée par tel ou tel mouvement. Magnifique!

Birgit Ulher, Ernesto Rodrigues, Carlos Santos - Doppelgänger (Creative Sources, 2007)

2011-11-24T05:52:00.001-08:00

Publié en 2007, Doppelgänger est un trio électroacoustique qui réunit Ernesto Rodrigues à l'alto, Birgit Ulher à la trompette, ainsi que Carlos Santos au sample en temps réel (live-sampling), et je pense que ce dernier joue le rôle de doppelgänger, c'est-à-dire le double (maléfique ou bénéfique) des musiciens, l'ombre fantomatique qui les poursuit et surtout, les soutient. Pendant cinquante minutes, les trois musiciens originaires d'Allemagne et du Portugal proposent six improvisations où les textures acoustiques sont constamment remaniées et réinterprétées par Carlos.

Tout d'abord, comme au fondement, nous avons les textures instrumentales, toutes les potentialités sonores et techniques propres au violon et à la trompette sont déployées dans toute leur étendue. Le son du cuivre, des pistons, de l'air, les différentes attaques possibles et les jeux d'embouchures, de positionnement de la langue et des lèvres, sont diversement utilisés par Birgit. De son côté, Ernesto explore le violon dans sa matérialité même, bois, cordes, chevalet, cordier, sont frottés doucement ou violemment, le timbre est brut et les sonorités variées, toutes sortes de modes de jeux sont utilisés: l'archet rebondit, caresse ou racle l'alto, les cordes sont finement pincées ou le pizzicato se fait agressif, etc. Ces deux univers sonores s'emmêlent inextricablement, une grande attention est requise pour distinguer les différents timbres et les sources sonores. Car en plus, de son côté, Carlos en rajoute une couche en samplant ces deux univers pour en former un troisième, encore plus intimement entremêlé aux deux autres, le tissage et l'assemblage sonore se fait alors encore plus étroit et intime. Chaque phénomène sonore se trouve prolongé, un écho omniprésent constitue une nouvelle nappe qui soutient et maintient la connexion entre chacun. Comme dans l'excellent duo Butcher/Durrant, le sample se fait d'un côté extrêmement original et humain grâce à son matériau de base spontané et acoustique, et d'un autre côté, il constitue une surface interactive qui explose les frontières des instruments, qui déploie hors de toutes limites les possibilités techniques et sonores des instrumentistes.

A l'image de la photo d'Ernesto, le paysage est vaste, minimal, avec des traversées abrasives (route) et escarpées (relief), tout en restant humain (prairies, milieux naturels de l'homme). La connexion entre les trois musiciens est surprenante tellement elle est intime, et la délicatesse comme la sensibilité au son collectif autant qu'à ses variations et développements, aussi infimes et minimes soient-ils, sont constamment de mises. Six improvisations qui agencent des textures savamment, avec poésie et ingéniosité, dans une symbiose puissante et intense. Un album à écouter fort, qui demande quelque effort avant l'immersion, mais dont le voyage peut facilement ravir et surprendre.

Tracklist: 1-The iddle class / 2-The one / 3-Welt am draht / 4-The third man / 5-Face/Off / 6-Johnny Stecchino

Gust Burns, Ernesto Rodrigues, Vic Rawlings, David Hirvonen - Refrain (Creative Sources, 2007)

2011-11-23T04:36:00.001-08:00

Refrain rassemble quatre musiciens plus ou moins connus, instrumentistes acoustiques et expérimentateurs électroniques internationaux. Gust Burns (piano) a déjà joué avec Stéphane Rives, Keith Rowe, Malfatti et d'autres, et a également été le directeur du Seattle Improvised Music Festival jusqu'en 2011. Je ne présente pas le second, Ernesto Rodrigues, violoniste qui dirige le label Creative Sources. Il y a ensuite Vic Rawlings (violoncelle amplifié, surfaces électroniques, loudspeakers), peu connu lors de cet enregistrement de 2007, il commence à se faire une réputation notamment depuis ses collaborations avec Greg Kelley, Bhob Rainey ou Mazen Kerbaj. Je n'ai jamais entendu parler du dernier musicien de cette formation, David Hirvonen (guitare électrique, électronique), et je n'ai pas non plus d'autres informations sur lui à part celles relatives à ce disque.

Comme sur de nombreuses productions du label portugais, ce quartet agence avant des textures (vous risquez de souvent cette expression...), des nappes froides et tendues, calmes et grinçantes. Les quatre musiciens produisent des drones qui se frottent sans s'assembler, des drones abrasifs et mouvants, aux frontières du bruit et du silence, de l'acoustique et de l'électronique. Quelques larsens, des touchés agressifs au piano, des sons électroniques simples, des micro-contacts effleurés et le bois du violon frotté forment les matériaux de base de ces textures. Il n'y a pas vraiment d'homogénéité sonore, les quatre musiciens préservent leur individualité à l'intérieur d'un timbre spécifique qui ne colle jamais avec les autres. L'ambiance est brumeuse, calme, et surtout, insensée. Aucune structure ne se dégage, seuls des timbres surprenants et créatifs émergent parfois, mais j'ai eu beaucoup de mal à apprécier cette pièce qui m'a laissé assez indifférent. Seule la fin de ces 25 minutes m'a paru fonctionner, l'atmosphère se tend à ce moment, devient plus violente et puissante, plus forte et intense, et le son global tend à s'homogénéiser, aspire à la symbiose, avant de retomber dans un silence numérique qui laissera place à une coda pas forcément utile.

Tetuzi Akiyama & Takuji Kawai - Transition (Ftarri, 2011)

2011-11-21T05:47:00.001-08:00

Depuis une dizaine d'années surtout, deux tendances ont fortement marquées les musiques improvisées et expérimentales, ainsi que certains compositeurs, le mouvement japonais Onkyo mais aussi la scène dite "réductionniste". Ces deux tendances se croisent dans plusieurs grandes personnalités comme Toshimaru Nakamura et Taku Sugimoto (avec qui Akiyama a souvent collaboré) ou encore Sachiko M pour ne citer que les plus connus; et c'est au Japon que leur influence est certainement la plus décisive et la plus fertile même si elle s'étend au-delà (en Europe et en Amérique à travers le collectif Wandelweiser par exemple). Le guitariste Tetuzi Akiyama ainsi que le pianiste Takuji Kawai s'inscrivent tous les deux dans cette lignée, et leur première rencontre publiée par le label japonais Ftarri, Transition, donne au silence et aux textures leurs lettres de noblesse.

Pour ces huit improvisations de durée moyenne, Kawai n'utilise qu'un piano ainsi que quelques préparations (des boulons et du fil) tandis que Tetuzi Akiyama réduit son instrumentation à une simple guitare acoustique qu'il joue la plupart du temps de manière traditionnelle sauf sur une piste où il la prépare. L'espace sonore est très aéré, les interventions sont éparses et les attaques extrêmement soignées, sans faire non plus dans le pointillisme. Chaque phrase jouée par Akiyama et Kawai est produite autant pour ses qualités musicales (construction d'un discours à partir de hauteurs déterminées, mais également et surtout à partir de textures/timbres spécifiques) que pour ses qualités acoustiques et physiques, c'est-à-dire pour sa résonance, l'empreinte qu'une phrase laissera après son attaque, soit la durée et la persistance d'un son dans le silence. Le silence en tant que tel est présent d'une certaine manière, même s'il est toujours orné d'un grain omniprésent (présence fantomatique de la machine enregistreuse ou du support matériel de l'enregistrement), d'une sorte de souffle, mais une place beaucoup plus considérable est accordée à la résonance, à la diffusion et à l'évolution du son dans l'espace comme dans le temps.

A l'écoute de Transition, on a souvent l'impression que deux pôles se superposent. Il y a d'un côté un pôle musical purement intentionnel, qui est la production du son et la construction des textures, des notes, ces phrases souvent arythmiques et atonales, ces fils non-idiomatiques qui se mêlent et tissent un réseau interactif complexe. D'un autre côté, un pôle plus aléatoire, que les musiciens contrôlent plus difficilement, même si une certaine maîtrise reste possible: je pense encore à la résonance. Il y a comme deux phases qui se superposent, s'opposent et sympathisent: la production d'une texture donnée, d'un son spécifique, puis le déplacement et l'évolution de ce son, acceptés et voulus par les instrumentistes, qui laissent tout de même la texture accomplir sa destinée spatiale. Et par moments, ces couches se croisent et s'entremêlent, la production sonore intentionnelle se retrouve traversée par la présence d'une résonance incontrôlable et magnifique.

Fondamentalement assez simples notamment lorsqu'ils sont pris individuellement, les discours de Kawai et Akiyama finissent par se complexifier lorsqu'ils s'entremêlent en un réseau complexe aux fonctions rhizomatiques. Les textures sonores produites par les instruments servent de base organique à une autre couche musicale composée par la résonance physique de Transition, une résonance poétique et fantomatique, libre et exaltée. Très beau!

Tracklist: 1-Continuation / 2-Superposition / 3-Confrontation / 4-Variation / 5-Transmission / 6-Realization / 7-Penetration / 8-Intervention

Ernesto Rodrigues / Mathieu Werchowski / Guilherme Rodrigues - Drain (Creatives Sources, 2006)

2011-11-20T06:40:00.001-08:00

Cette semaine, j'ai reçu d'Ernesto Rodrigues une bonne dizaine de disques publiés par son label, donc autant vous dire que vous allez en bouffer ces prochains temps. Je pense les chroniquer par ordre chronologique, donc je commence par Drain, un disque publié en 2006 sur lequel on trouve Ernesto au violon alto, Mathieu Werchowski au violon, et Guilherme Rodrigues au violoncelle.

Je n'avais pas écouté ce disque depuis un bon bout de temps, et je me suis vite rendu compte de son caractère inimitable et de sa profonde singularité. A partir d'une formation instrumentale classique, Werchowski et les Rodrigues déploient et explosent les possibilités sonores de cette forme de trio. Les cordes sont pincées, frottées, raclées, caressées, tapotées, brutalisées, tandis que l'étendue atteint les lourds et ronds abysses du violoncelle aussi facilement que les harmoniques les plus stridentes du violon. Explosion de techniques étendues, mais aussi de modes de jeux, qui peuvent passer d'un instant à l'autre d'une forme mélodique ou rythmique à une forme purement bruitiste et timbrale, ainsi qu'à des bourdons ou à des formes percussives.

Ceci-dit, les cordes frottées sont des instruments qui ont déjà été explorés dans tous les sens, à commencer par la musique savante, et ce notamment dans les années 60. Mais ce qui fait que Drain reste encore mémorable et digne d'intérêt cinq ans après sa publication, ce sont surtout les interactions qu'il déploie entre les trois musiciens. Et l'interaction, tout comme les dynamiques, est ce qui semble avoir le plus préoccupé ce trio lors de ces quatre improvisations, plus que l'exploration des instruments à proprement parler. Rodrigues père et fils, et Werchowski, ont su produire des textures extrêmement denses et intenses, des nappes pleines de tension et d'énergie, des nappes constamment mouvantes dont l'évolution est imprévisible (était-ce seulement prévisible pour les musiciens? rien n'est moins sûr). De manière générale, le son est assez homogène, les timbres se rejoignent, mais tout en se frottant, ou en se repoussant, ce qui fait que chaque instrumentiste se distingue clairement au sein d'un son plutôt globalisant. L'Individu au service de la communauté sonore en quelque sorte, les personnalités s'affirment dans leur singularité tout en se soustrayant à l'évolution du groupe. Ce qui fait des différentes textures explorées des univers singuliers où les tensions entre les instruments et les sons se résolvent dans la parfaite cohésion de cette communauté sonore.

En bref, Drain rassemble quatre improvisations étonnamment denses et intenses, mais surtout débordantes d'énergie et de tension. Tension qui se résout comme je le disais dans la cohésion du son collectif; tandis que l'énergie de chacun est quant à elle exacerbée par la communauté des sons. Un disque puissant et original, extrêmement riche tant au niveau des timbres que des compositions de sons, car l'interaction possède ici comme une vertu émancipatrice et exaltante. Hautement recommandé!

Tracklist: 1-Graduation / 2-Light / 3-Metaphor / 4-Solitude

Flo Stoffner - ... And Sorry (Veto, 2011)

2011-11-19T03:24:00.001-08:00

Flo Stoffner (Florian de son vrai nom) est un guitariste suisse dont je n'avais jamais entendu parler auparavant même s'il a déjà publié quelques disques, dont un chez Hathut en 2009. Ce jeune musicien propose donc ici son premier disque solo, sur un autre label suisse (moins connu que hathut certes), Veto records.

... And Sorry rassemble neuf pièces de guitare électrique, neuf pièces assez courtes qui durent en tout et pour tout 32 minutes. Stoffner explore tout au long de ces pièces partiellement improvisées des textures produites par des effets aux pédales ou dus aux modes de jeux. Longs drones, tremolos exagérés, sons saturés, mélodies méditatives, textures harsh se succèdent les uns après les autres et différents paysages surgissent ainsi pour former comme une suite de tableaux mentaux, peintures oniriques et intimistes d'un jeune guitariste un peu torturé. Quelques influences noise-rock dans certaines phrases et timbres utilisées, mais ressortent également des influences de la musique improvisée libre notamment dans l'utilisation d'une guitare préparée aux sonorités froides et métalliques. Les paysages sont stables durant chaque pièce mais varient ostensiblement d'un morceau à l'autre: ambiances industrielle, aliénée, contemplative, mélodique, expérimentale; chaque tableau sonore possède ses propres caractéristiques et produit un univers singulier, non pas extérieur à toute influence, mais marqué par des musiques que Stoffner a su assimiler et intégrer à un univers personnel. Car la musique du guitariste suisse est vraiment originale, même si les ambiances musicales ne sont pas sans évoquer des antécédents, leur manipulation est cependant personnelle, car la structure et l'évolution des pièces semblent spontanées et surgir directement des états d'âme de Stoffner, elles ne proviennent pas de codes et de programmes musicaux précis. Une utilisation émotionnelle et organique de codes musicaux déjà-connus.

Neuf pièces variées et personnelles, mais aussi torturées et sensibles, souvent froides et sombres; et qui, la plupart du temps, ne manquent ni de puissance ni d'intensité. Original, intime, simple (Stoffner ne fait pas étalage de virtuosité technique ou compositionnelle), ... And Sorry est un album marqué par une grande sensibilité, une modestie profonde, mais également par un grand respect envers les musiques qu'il s'approprie (que ce soit la noise, le post-rock, le métal ou la musique improvisée).

Tracklist: 1-Straight lost / 2-Lurch / 3-p.h.s. / 4-Low punch / 5-Tingle / 6-Thank you for the axe... / 7-... and sorry / 8-Wrong door / 9-Oh my God, it's so marvelous

Nate Wooley - [8] syllables (Peira, 2011)

2011-11-18T05:02:00.001-08:00

[8] syllables, dernière parution chez Peira, et également ma dernière sélection provenant du label chicagoan, est un album solo du trompettiste de plus en plus renommé Nate Wooley. Pour une fois, le titre de l'album indique véritablement quelque chose sur la nature des compositions, car il s'agit ici pour Nate Wooley de composer des phrases musicales à partir de phonèmes, en adoptant les positions des lèvres, de la bouche et de la gorge sur la trompette même. Première particularité, la seconde est le lieu d'enregistrement, ISSUE Project Room où Nate Wooley était invité en résidence cette année, est une salle où la résonance atteint les sept secondes.

Par rapport au reste du catalogue Peira, [8] syllables fait vraiment figure d'ovni, d'une part parce que c'est un solo complètement écrit et prémédité, mais surtout quant à sa structure et à l'univers musical qui en ressort. Si le trompettiste produit souvent de longs flux mouvants autour d'un pôle instable, à l'aide du souffle continu, en ne s'écartant jamais trop de l'axe sonore initial, des flux souvent très énergiques et puissants, ces phrases sont néanmoins espacées par des silences excessivement longs, des silences extrêmes et radicaux. Il y a une frontalité brutale, une séparation qui ne supporte pas la conciliation, entre les sons produits (longs flux interminables ou très éphémères cris véhéments) qui résonnent et emplissent lentement l'espace qui se sature vite de sons, et les silences interminables et bruts qui ponctuent et structurent cette unique pièce. La confrontation est brutale, extrême et agressive, il y a comme une disjonction exclusive et radicale entre le son et le silence durant ces cinquante minutes.

Côté sonore, Nate Wooley explore toujours les potentialités de la trompette, et fait sensiblement varier ses sonorités en utilisant des postures corporelles provenant de la langue orale. Je dis bien sensiblement, car la différence n'est franchement pas flagrante, et ce sont plutôt les qualités acoustiques du lieu d'enregistrement qui renouvellent le timbre et le paysage sonore du cuivre. Nate Wooley est toujours épatant de virtuosité néanmoins, et il parvient constamment à utiliser toute l'étendue sonique de la trompette à des fins structurelles et émotionnelles fines et intelligentes. Car [8] syllables n'est certainement pas qu'une composition conceptuelle, l'utilisation du silence et l'attente qu'elle suscite produisent chez l'auditeur une tension parfois aux limites du supportable. Tandis que la puissance sonore des interventions plutôt pointillistes et hurlantes autant que les longues phrases continues suscitent quant à elles des émotions intenses et puissantes, dès lors que le son parvient à traverser la totalité du corps de l'auditeur de par sa puissance étonnante.

Ce retour à l'acoustique pure, après une utilisation prépondérante des systèmes d'amplification comme dans son précédent album solo Trumpet/Amplifer et High Society avec Peter Evans, confirme encore une fois le talent, la puissance et la créativité de Nate Wooley, trompettiste improbable et aventureux qui parvient toujours à explorer de nouveaux univers radicaux et extrêmes, comme ce dernier, mais toujours fins et nouveaux. Recommandé!

Kimmel, Moré, Wick Trio - Tilting (Peira, 2011)

2011-11-17T08:03:00.001-08:00

On reconnaît le design, il s'agit encore d'une publication Peira. Trio acoustique avec Jeff Kimmel à la clarinette basse, David Moré à la scie musicale et Jacob Wick à la trompette, Tilting embrasse avec humour et allégresse l'improvisation libre. Durant une trentaine de minutes, le trio Kimmel, Moré, Wick compose huit courtes pièces énergiques et aventureuses. Souffles, cris virulents, bruits véhéments, questions interrompues, ruptures, tout ceci se croise et s'enchevêtre comme dans un jeu de légo surréaliste. Un jeu interactif ultra-dynamique, qui superpose des discours denses et intenses très à l'écoute l'un de lautre, tout en sachant ménager des pauses en-dehors des fractures qui cassent les différentes énergies. Tilting n'est pas seulement une démonstration de virtuosité et une négation de la musique, malgré l'omniprésence de techniques étendues, l'absence de pulsations, de rythmes et de mélodies, ce trio acoustique sait aussi ménager l'auditeur avec de nombreuses touches d'humour, telles ces phrases aux intonations de questions à la trompette, ces sonorités primitives, et ces ruptures constantes qui semblent toujours poser une distance vis-à-vis de l'intervention fracturée. Des improvisations comme décalées, légères, mais tout de même puissantes et intenses, car ce qui se passe entre chaque musicien étonne, la cohérence et la cohésion du trio est telle qu'on ne sait pas souvent qui fait quoi malgré la diversité des instruments. Un son collectif définitivement attentif à chaque membre et à ses possibilités instrumentales autant qu'à ses potentialités. On regrettera seulement la trop courte durée de ces pièces qui ne permet pas de pleinement se projeter à l'intérieur de ces univers pourtant aventureux, ainsi que cette balance constante entre un discours proche de l'hystérie où les réponses fusent à une vitesse furieuse et insaisissable, et un paysage plat et étendu, où les souffles et les frottements ne forment que peu de relief. Cette alternance entre ces deux ambiances paraît un peu facile et déjà entendue, et on se lasse assez vite de ces résolutions dans une atmosphère bruitiste, espacée et méditative. Ceci-dit, Tilting vaut tout de même le coup d'oreille pour son énergie surprenante et son humour décalé, mais aussi pour la virtuosité de Jacob Wick, formidable trompettiste qui parvient à déployer les différentes possibilités de ce cuivre selon les dynamiques et les énergies recherchées et construites. Un album tout de même plein de spontanéité, d'énergie véhémente, de talent instrumental et de créativité sonore. A écouter par curiosité.

Tracklist: 1-Horns Rev II / 2-Thanet / 3-Dabancheng / 4-Alpha Ventus / 5-Gansu / 6-Nysted / 7-Alta / 8-Burbo

The Green Pasture Happiness - Aut Disce Aut Discede (Peira, 2011)

2011-11-16T03:16:00.001-08:00

The Green Pasture Happiness est un autre trio publié par Peira, un trio cette fois-ci entièrement électronique, avec Daniel Fandiño aux platines, Brian Labycz à l'électronique et Aaron Zarzutzki aux platines sans sorties audio. Un CD-r plutôt court (36 minutes) qui regroupe trois improvisations électroacoustiques, trois pièces enregistrées en live entre l'improvisation libre, la noise et la musique concrète. Le trio explore des textures abrasives et industrielles, bruitistes et agressives sans pour autant en faire un mur de son. Il s'agit plutôt d'interventions éparses et discrètes, souvent éphémères, qui laissent toujours la place nécessaire aux sonorités de chacun ainsi qu'au silence. Je n'avais pas écouté le premier enregistrement de ce trio, et je connais assez peu ces trois musiciens, mais Aut disce aut discede ("soit apprendre soit partir") semble appartenir à cette nouvelle scène d'improvisation bruitiste américaine, aux côtés de Kamerman et Stephenson par exemple. Les textures utilisées sont brutes, primitives, et sauvages, comme des raclements de tôle ou des clous traînés sur l'asphalte brûlant. Les improvisations ne sont pas clairement structurées, les sonorités ne sont pas identifiables, mais ce trio tente malgré tout de créer de la musique hors de tous les principes musicaux (de notation, de rythme, d'harmonie, de structure, de techniques instrumentales, etc.). L'expérience est risquée mais il y a tout de même quelque chose qui surgit, qui émerge: l'intention musicale. The Green Pasture Happiness parvient à dévoiler la formalité et la contingence des principes qui régissent toute musique en les refusant, mais en parvenant tout de même à créer des pièces précises, pleines d'écoute et d'attention extrêmement sensibles, uniquement grâce à l'intention de produire de la musique, et non un bruit désordonné (même si une oreille non-avertie jugera certainement cette musique comme une masse informe de bruits désagréables et insensés). Cependant, il y a tout de même une extrême attention aux intentions et aux sonorités de chacun, une écriture qui parvient à équilibrer les nombreuses ruptures avec certains aspects linéaires(car la constance des fractures devient linéaire au bout d'un moment), ainsi qu'à l'espace sonore qui est plutôt bien équilibré entre le silence, des interventions pointillistes et quelques drones, ce qui suffit amplement à qualifier cette oeuvre comme musicale. Improvisation expérimentale qui tente de maîtriser, de "musicaliser" et de magnifier le bruit en utilisant des machines/objets non musicaux comme des instruments, Aut disce aut discede se déplace sur un terrain risqué et très escarpé, un terrain auquel on n'adhère difficilement mais qui vaut la peine d'être étudié et exploré, au moins pour sa singularité et son aspect très aventureux.

Tracklist: 1-You live in a fucking tent / 2-Should I take your silence as a "not-interested"? / 3-A spiritual brown

Gregorio, Roebke, Labycz Trio - Colectivos (Peira, 2011)

2011-11-14T05:56:00.001-08:00

Le label Peira (spécialisé dans la publication de CD-r d'improvisation libre) indique sur son site que ce trio explore différentes formes d'improvisations, de l'improvisation collective libre, à une base écrite, à partir de notations, de graphismes ou de vidéos. Exploration à laquelle s'attachent trois musiciens: Guillermo Gregorio à la clarinette, Jason Roebke à la contrebasse et Brian Labycz à l'électronique. Suite de onze improvisations électroacoustiques assez courtes donc, où des lignes mélodiques se superposent à des bruits électroniques incongrus et discrets et des phrases dynamiques à la contrebasse. On trouve de multiples jeux de ruptures et de fractures, tant au niveau des énergies, des mélodies que de l'espace. Tout au long de ces pièces, malgré de nombreux airs de déjà-entendu (on pense souvent à Braxton), la virtuosité et une profonde écoute sont constamment de la partie. Il y a toujours une place et un espace réservés au discours de chacun, les individualités s'équilibrent - sans s'annihiler - tout comme l'espace. Mise à part la trop grande discrétion de Labycz, chaque improvisation équilibre savamment l'espace des discours mais également du silence. Un silence qui n'est pas souvent présent en temps que tel, mais que chacun sait utiliser de manière individuelle afin d'aérer la structure des improvisations et d’approfondir certaines formes de dialogue.

Pas ou très peu de techniques étendues ici, les deux instrumentistes choisissent un jeu traditionnel où les phrases s'enchaînent avec virtuosité. Chacun a plutôt décider d'explorer les interactions possibles entre des dynamiques variant sans cesse (entre la mélodie mielleuse et des cris explosifs), se fracturant, disparaissant et réapparaissant momentanément. De son côté, Roebke parvient à approfondir et à donner du relief au dialogue acoustique avec des interventions souvent discrètes et minimales, mais aussi agressives et énergiques de temps à autre. Ceci-dit, il n'y a pas grand chose de nouveau, aucune différence sensible n'est perçue selon les manières d'appréhender l'improvisation, et la délicatesse de l'écoute de chacun tout autant que la virtuosité ne parviennent pas à combler le manque de créativité de ces onze pièces, à l'exception près de Labicz peut-être qui est néanmoins et malheureusement trop absent à mon goût.

Tracklist: 01-Colectivo 1 / 02-Video (Roebke) / 03-Two Rows by Juan Carlos Paz (Gregorio) / 04-Colectivo 2 / 05-Improvisations on a Sonatina by Esteban Eitler (Gregorio) / 06-Colectivo 3 / 07-Open (Roebke) / 08-Coplanar Nr. 4b (Gregorio) / 09-Colectivo 4 / 10-Event (Roebke) / 11-Colectivo 5

Billy Gomberg - Quiet Barrier (Rest + Noise, 2011)

2011-11-12T00:52:00.001-08:00

Billy Gomberg est le deuxième membre de Fraufraulein avec Anne Guthrie, celui qui fait basculer ce duo dans l'expérimentation brute. Pour cet album solo publié par Rest + Noise, il quitte les field recordings pour un synthétiseur et quelques touches d'électronique. Quiet Barrier donc, est un ensemble de huit pièces linéaires et cinématographiques, comme huit travellings le long de paysages désolés et poétiques. Chaque pièce décrit un paysage à travers des mélodies simples et mélancoliques, touchantes par leur aspect nostalgique (à l'image des polaroids présents à l'intérieur du livret). Les rythmes sont simples, lents et méditatifs, et la durée peut ressembler aux longs plans-séquences de Béla Tarr. Traversée nostalgique d'étendues tristes qui forment la matière sonore et narrative, une matière créée en temps réel, improvisée, comme si le filmé déterminait le film. Ces nappes sensiblement sombres et dépressives rendent une atmosphère générale poétique et délicate, mais aussi et surtout inhabituelle, car Gomberg n'hésite pas à superposer de nombreux éléments pour aboutir à une structure et à un agencement complexes des différents matériaux sonores utilisés. Différents éléments qui n'ont cependant pas une fonction purement timbrale, mais qui ont avant tout une fonction narrative et significative. Car Gomberg raconte huit pièces plutôt qu'il n'en compose, il peint huit tableaux aux tendances descriptives plus qu'abstraites. La structure semble être toujours au service de la lente contemplation de paysages désolés, une contemplation très affectée par des souvenirs et de nombreuses émotions qui forment de magnifiques textures sonores.

Peut-être trop agréable ou facile d'écoute pour certains, trop proche de l'ambient façon easy-listening, Quiet Barrier offre des tableaux aux frontières de l'abstraction et de la description, en agençant de manière parfois improbables des lignes mélodiques atypiques, comme si Sigur Ros était aliéné par des débris post-industriels. Car Gomberg est seul à dépeindre ces restes de civilisations et ses souvenirs, seul dans un univers pas nécessairement hostile - les sons ne sont jamais agressifs ou saturés, mais toujours doux et ronds - mais néanmoins dépressif. En tout cas, Gomberg lui-même semble se laisser guider par les sons, la structure paraît ainsi émerger petit à petit grâce à l'attention et à la sensibilité du musicien new-yorkais. Une sensibilité puissante qui se laisse affecter par une matière sonore tout d'abord contemplative, puis extatique. Huit tableaux singuliers, huit plans-séquences intenses et poétiques; entre le post-rock et l'ambient, entre la poésie intimiste et l'aridité de Pedro Costa.

Tracklist: 01-Instants / 02-Partial to appearance / 03-Hearts in red / 04-Eyes a faint smile / 05-Night with cheap stars / 06-Sending whispers / 07-Snow / 08-The ends of breaths

Richard Kamerman - I'm Sick Of Coming Up With Titles (Pilgrim Talk, 2011)

2011-11-10T07:41:00.000-08:00

Egalement parue sur le label de Nick Hoffman, Pilgrim Talk, cette cassette de Kamerman n'est pas là pour nous réconforter les oreilles. Peut-être que c'est un solo, peut-être que c'est très court (une dizaine de minutes), il n'empêche que l'écoute de ces deux faces est sensiblement douloureuse et excessivement intense. Tout commence par une première face de harsh noise très violente, douloureuse et puissante. Un souffle sourd, quelques bruits percussifs, puis le mur de son s'installe, une nappe proche du bruit blanc où chaque fréquence agit sur chaque autre, où des basses saturées empêchent quelques larsens d'émerger. Comme un grand NON à la musicalité, comme une peur du silence et du vide, l'espace sonore est submergé par des accidents électroniques, des textures synthétiques et des feed-backs agressifs. Tous ces éléments se succèdent, se croisent et se superposent parfois et le mur découvre petit à petit de nombreuses aspérités terrifiantes et de plus en plus profondes. Profondes de puissance et d'intensité, Kamerman occupe l'espace avec des textures peut-être déjà-entendues, même si elles paraissent plus artisanales que celles généralement produites par les sculpteurs bruitistes, mais surtout époustouflantes. La deuxième face est plus reposante, une étrange voix semblant provenir d'un magnétophone ou d'un gramophone émerge, le chant est décéléré, interféré. Interférences qui prennent la forme de buzz et de larsens. Le chant ne se trouve pas noyé mais voilé, les interférences lui donnent une consistance fantomatique qui le rend d'autant plus étrange et inquiétant. L'atmosphère est tendue, mais poétique en quelque sorte, comme si ces interférences et cette manipulation rendaient compte des émotions de Kamerman, rendaient également compte de ses inquiétudes et de ses intentions vis-à-vis de cette drôle de mélodie populaire qui est utilisée pour cette pièce. Encore deux pièces extrêmes, deux pièces qui interrogent la musicalité du bruit mais également la part de bruit contenue dans la musique notamment grâce aux manipulations de la chanson populaire traitée sur la deuxième face. Court, intense et extrême, une cassette aux confins de l'audible et de la musique.

Tracklist: A-When I hear that song "There is a light that never goes out" I cry like a bitch, man. / B-This wooden ridge (for Robert, Tyler, Travis, and Mozz)

Graham Stephenson - Defiantly Not (Pilgrim Talk, 2011)

2011-11-10T05:59:00.000-08:00

Graham Stephenson est un trompettiste proche de Nick Hoffman ainsi que de Richard Kamerman et Dave Barnes, un trompettiste que j'avais déjà pu entendre sur un disque assez extrême en compagnie des deux derniers musiciens cités, Three Duos. Si vous connaissez ces gars, vous vous imaginez facilement qu'il s'agit encore ici de musique expérimentale et extrême, d'une forme de "non-musique" ou de "musique abstraite" comme on peut dire... Defiantly Not est le premier disque solo de Graham, un CDr de trois pièces publié par le label américain Pilgrim Talk. Graham Stephenson s'inscrit donc dans ce renouveau de la trompette avec une conception singulière du solo. Performance musicale d'un côté, mais également performance technologique; car le principe de ces pièces est d'enregistrer les sons à leur puissance maximale, sans se soucier de la saturation, et même en la cherchant parfois, un peu comme si le son était capturé par des micro-contacts...

Graham Stephenson déploie une nouvelle dimension de la trompette, une dimension purement physique où chaque son/bruit prend une ampleur et une consistance à peine soupçonnées auparavant, que ce soit un bruit métallique où la simple circulation de l'air à l'intérieur du cuivre, tout ici devient une source de bruit féconde et parfois oppressante. Stephenson tente un enregistrement microscopique prenant chaque élément de la trompette et chaque technique comme une source sonore singulière et autonome, souvent indifférente à toute forme de compromis et même de beauté. Car seule le déploiement d'un timbre exalté et exacerbé dans une durée donnée intéresse ici le trompettiste chicagoan. L'espace où s'étale le temps peut être complètement saturé par un souffle inquiétant et puissant, ou dilaté par des interventions pointillistes et minimales proches de cliquetis aléatoires et indistincts. Sans tomber dans une approche bruitiste gratuite et provocatrice (ce que paraît laisser sous-entendre le titre de l'album), Stephenson semble plutôt tenter d'explorer une matière sonore nouvelle, et de construire une durée avec ce matériau singulier sans tenir compte de son histoire instrumentale; car il ne s'agit pas que d'un solo de trompette, dans la mesure où la technique d'enregistrement est aussi importante que la source sonore, qu'elle participe de la musique de la même manière que la source instrumentale.

Defiantly Not possède certainement des qualités sonores, créatives et imaginaires indéniables, mais l'expérimentation ne marche pas à tous les coups. On peut parfois se lasser de ces bruits étranges et difficilement identifiables, qui se déploient dans un temps dont on ne saisit la structure qu'avec peine. Il n'en reste pas moins que Stephenson a su créer un univers singulier grâce à sa prise de son, un univers original malgré des prédécesseurs qui ne sont pas sans créativités (Evans, Dörner, Berio). Une expérimentation pas toujours facile d'accès, qui demande pas mal d'attention, mais qui possède néanmoins des éléments intenses et puissants malgré un aspect (peut-être trop) extrême et radical, brut et sauvage.

Tracklist: 01-Just cause / 02-Had had / 03-Percy Jaguars

Duplant / Noyes / Chagas - The Bias of the Things (Ilse, 2011)

2011-11-07T13:02:00.000-08:00

De plus en plus de collaborations par mail voient dorénavant le jour. Une pratique virtuelle étrange qui peut d'une certaine manière paraître déshumanisante, mais qui est aussi une façon d'interroger la pratique de l'improvisation. Peut-on encore parler d'improvisation en effet? C'est toute la spontanéité propre à l'improvisation qui semble ici artificielle, comme dans les films de Cassavetes où l'impression de spontanéité résulte en fait de séquences reprises à n'en plus finir jusqu'à ce qu'une certaine forme d'énergie précise apparaisse. De la même manière, cette pratique s'effectue sans la prise de risque propre à l'improvisation, car chacun peut retravailler sa prise autant de fois qu'il le souhaite, et surtout, chacun peut prendre le temps de réfléchir aux formes de ses interventions avant même de participer, ce qui n'est pas sans remettre en cause la liberté et la spontanéité tant vantées par certains. Pratique ambiguë où se confrontent deux principes, une annihilation de la spontanéité, mais également et surtout une négation radicale de toute forme de hiérarchie. Cette négation va encore plus loin que les précédentes dans la mesure où le fait d'enregistrer seul empêche chaque musicien de se soumettre à une quelconque personnalité, le jeu des affects au sein du collectif semble ainsi annihilé au profit d'une donation totale à la musique seulement. Une nouvelle forme de liberté paraît ainsi apparaître à l'encontre des principes de spontanéité.

C'est dans cette lignée que semble s'inscrire ce trio publié par le label Ilse où se sont rejoint trois musiciens qui n'en sont pas à leur première collaboration; il s'agit du contrebassiste et percussionniste français Bruno Duplant (ici à la contrebasse, au gramophone, à la radio et à différentes sources sonores étranges), du pianiste néo-zélandais Lee Noyes et du saxophoniste et clarinettiste portugais Paulo Chagas. Et comme je l'évoquais à l'instant, cette manière d'enregistrer à distance et en décalage offre plusieurs opportunités. Tout d'abord, elle permet une écoute et une compréhension profondes de chaque intervention et de chaque musicien, une intuition beaucoup plus précise que dans un studio; mais également et surtout une exaltation de l'individualité au sein du collectif et un refus radical et extrême d'une quelconque hiérarchie (entre les musiciens, les personnes, les instruments, les techniques et les modes de jeux, etc.). On se retrouve alors face à une musique très singulière, où les personnalités se superposent les unes aux autres, où de courtes phrases mélodiques, par exemple, rejoignent des fréquences radios, tandis qu'un saxophone virulent explose en cris viscéraux. Les formes de discours sont nombreuses et leur agencement complexe, la basse de Duplant est souvent assez minimaliste tout en étant généreuse, de longues notes rondes enveloppent le tout, mais ce dernier peut tout aussi bien étendre son vocabulaire avec différents éléments parfois très surprenants, comme la diffusion d'un vieil enregistrement de tango sur un gramophone très granuleux. A côté, par-dessus, ou à l'intérieur, Paulo Chagas crie, éructe et creuse ce qui finit par devenir une nappe sonore hétéroclite sans structure apparente. Mais à côté de l'étonnante étendue de timbres proposées par Duplant et du relief creusé par Chagas, le plus surprenant est peut-être la performance de Noyes qui parvient à équilibrer les tensions entre sons, bruits et notes, en parsemant quelques courtes phrases mélodiques délicates ou en disséminant des frottements et des raclements du bois et des cordes de son piano, dans un territoire qui hésite entre la filiation de John Tilbury et de Magda Mayas.

Mais par-dessus tout, ce qui surprend, c'est la cohésion du groupe comparée à l'exaltation d'individualités qui paraissent au premier abord ne pas tenir compte du collectif. Chaque intervention est plus que singulière, elle est complètement individuelle, au sens substantiel, l'intention de chacun est exploitée et déployée sans concession. Cependant, la musique est aussi collective, et le groupe se maintient, presque miraculeusement tant il est hétéroclite, dans une attention particulière et intense. La sensibilité et la connaissance des participations de chacun semblent extrêmement intenses et pleines, si l'individualité est exaltée, c'est toujours en réponse au son du trio, il reste toujours une attention constante au collectif qui parvient à maintenir une individualité entière au sein d'une communauté musicale cohérente et également entière. L'équilibre entre toutes ces tensions se trouve ainsi magiquement géré et manipulé, que ce soit l'équilibre entre individualité et communauté, mélodie et bruit, tonalité et atonalité, temps strié et temps lisse, etc. Quatre improvisations complexes et originales qui se déploient dans un paysage hétéroclite et escarpé, mais surtout intense et puissant. Recommandé!

Tracklist: 01-Sappho's remembrance / 02-As its name indicates / 03-The opposite of remembrance is invitation / 04-Tango for small things of every day of life

Grutronic & Evan Parker - Together in zero space (Psi, 2011)

2011-11-02T15:57:00.000-07:00

Sur ce nouvel album publié par PSI, Evan Parker collabore avec un étrange quartet que je n'avais encore jamais entendu: Grutronic. Aux claviers analogiques, oscillateurs, radios, samplers, ordinateurs, etc., on retrouve donc Stephen Grew, Richard Scott, Nick Grew et David Ross; et bien sûr, Evan Parker, l'inépuisable, au saxophone soprano - pour un enregistrement live datant de 2009 durant un festival à Bratislava.

Projections soniques, lignes de fuite saturées, beats déconstruits et instables, se trouvent mêlés aux longs flux continus et polyphoniques d'Evan Parker. Cette collaboration révèle un véritable art du contrepoint, contrepoint rythmique, mélodique et esthétique. Des lignes se mélangent avant d'être fracturées par un mur de bruit blanc, un beat chancelant tente d'émerger d'un feu d'artifices analogiques; très vite il devient difficile de reconnaître le territoire sur lequel évolue ces cinq musiciens: breakcore, EAI (ElectroAcoustic Improvisation), IDM (Intelligent Dance Music), improvisation libre? C'est bien sûr un peu de tout cela, mais surtout le tout ensemble et indifféremment. Les origines et les influences s'entremêlent sans complexe, les styles et les personnalités s'articulent les uns aux autres sans hiérarchie ni principe esthétique rigide. Il s'agit en fait d'une musique libre et décomplexée, à l'esthétique complètement hors-norme et surtout hostile à tout principe esthétique. Evan Parker semble complètement à son aise dans cet univers extraterrestre, le timbre multiphonique et métallique de son soprano s'intègre parfaitement aux phrases excentriques et hallucinées du quartet Grutronic qui fait tout de même l'effort d'insérer quelques lignes jazzistiques et d'aménager des espaces propices à un instrument acoustique. Quant à Grutronic, comment décrire ce quartet qui ne ressemble à rien mais semble tout de même s'inspirer de nombreux prédecesseurs: une sorte de Thomas Lehn à huit mains (et quatre personnalités...), de Venetian Snares décomplexé ou d'un Bad Plus déconstruit qui aurait mal digéré sa dose de speed...

En tout cas, ce qui ressort de cette collaboration est plutôt saisissant: l'inventivité ahurissante de Grutronic, qui réussit constamment à surprendre avec des phrases toujours inattendues et souvent incongrues, ainsi que l'intensité et la puissance propres au jeu d'Evan Parker, notamment au soprano, font de ce live une performance inouïe et intense. La musique électroacoustique, dans sa forme traditionnelle (instrument plus nouvelles technologies séparées), semble encore en pleine forme et paraît surtout avoir encore des choses à dire. Car cette formation propose quelque chose de neuf dans son contenu malgré une construction formelle entendue mille fois, un contenu débridé, contrapuntique et hystérique, où n'importe quoi peut surgir à n'importe quel moment: une phrase héritée du jazz-rock, une nappe d'harmonica, des larsens, des slaps, un beat inopportun, du bruit blanc, des cercles analogiques percés de lignes synthétiques, etc.

Près de cinquante minutes d'intensité maximale, de déconstructions irrationnelles et de références surprenantes et inattendues, mais surtout de créativité intarissable et d'écoute attentionnée. Recommandé!

Tracklist: 01-Filigree and circuitry / 02-Mesomerism in rhythm

Raymond MacDonald & David Stackenäs - Lin Flax (Iorram, 2011)

2011-10-31T15:09:00.000-07:00

Voici un duo qui se situe incontestablement dans la plus pure tradition de l'improvisation libre européenne. Quatre pièces où sont réunis l'écossais Raymond MacDonald aux saxophones (guitariste proche de Neil Davidson qui a publié ces improvisations) et le suédois David Stackenäs à la guitare acoustique, quatre pièces qui ne sont d'ailleurs pas sans rappeler le duo Munthe/Sehnaoui, ce malgré le peu de techniques étendues puisées dans le réductionnisme.

C'est encore dur de résister à la tentation de comparer ces improvisations avec les enregistrements de Derek Bailey en compagnie d'Evan Parker tellement ces derniers m'ont marqué, et tellement ils paraissent avoir également marqué ce duo. Mais le talent de ce duo est de savoir sortir de cet héritage tout en l'assumant. Que ce soit grâce au soprano lyrique de MacDonald, à la guitare rythmique ou même mélodique de Stackenäs, Lin Flax parvient à réunir des improvisations libres et sans les complexes qui pouvaient parfois gêner les vétérans anglais. Une musique beaucoup plus décomplexée, qui peut parfois utiliser des phrasés hérités du bop et du jazz en général, ou des rythmiques issus de différentes musiques populaires, mais qui sait aussi s'aventurer sur des terrains techniques plus proches de l'EFI (European Free Improvisation) avec l'utilisation prépondérante de multiphoniques, d'harmoniques, de frottements et de pincés hétérodoxes sur la guitare. Une musique qui swingue et qui dissone, pleine d'émotions mais abstraite et froide par moments, parfois lente, entre de nombreuses explosions extrêmement puissantes et remplies de virtuosités.

L'énergie et le dynamisme de la scène EFI sont complètement intégrés et augmentés d'autres techniques décomplexées, ce qui aide à composer un univers particulier, un univers agencé à travers des chemins tortueux ou de nombreuses influences se croisent, se gênent ou se mélangent. En tout cas, la virtuosité des deux instrumentistes est impressionnante, les phrases sinueuses et supersoniques de Stackenäs soutiennent un jeu très hétéroclite au saxophone qui peut aussi bien composer de longs flux polyphoniques, des swings lyriques, ainsi que des phrases rythmiques et/ou mélodiques. Une très grande importance est consacrée à l'exploration sonique des instruments, mais également à l'équilibre entre les différentes dynamiques construites la plupart du temps sur la texture même des sons. Un disque créatif et virtuose, mais aussi et surtout très intense et extrêmement dense, où talent rime avec originalité, malgré les influences claires, assumées et affichées des deux musiciens (comment ne pas penser à Evan Parker et Steve Lacy, tout comme à Derek Bailey et Neil Davidson?).

Tracklist: 01-Ull / 02-Wool / 03-Hemp / 04-Lin

Muris - 10 Pin Boring (2011)

2011-10-30T15:48:00.000-07:00

Muris est le nom d'un autre duo de Neil Davidson (guitare préparée), accompagné ici par Liene Rozite (flûte), tous deux originaires de Glasgow. Cette fois encore, ce CD-R est autoproduit et indique sommairement le titre des deux pistes présentes ainsi que deux séries de neuf questions incongrues et surréalistes comme: "Who would you rather have sex with: Boulez or Stockhausen?", ou plus pragmatique, "When will it end?", etc.

Improvisation ou composition, telle n'est pas la question ici, même s'il semblerait que ces pièces soient écrites. En premier lieu, notons l'utilisation très généreuse du silence, si généreuse que les interventions musicales ont parfois l'air de ponctuations plus qu'autre chose. Un silence omniprésent qui structure l'espace, tandis que les instruments produisent du relief et de l'intensité. Les interventions sont souvent très simples, peu expansives, et peuvent se réduire à une longue note linéaire à la flûte, à quelques percussions sur le corps de la guitare, à de légers mouvements sonores mécaniques. Un dialogue marqué par la discrétion et la modestie, mais beaucoup plus riche qu'il n'y paraît, riche de timbres variés, principalement grâce aux préparations et aux techniques savantes de Neil Davidson, mais également grâce aux quelques techniques étendues utilisées par sa collaboratrice, et surtout à la subtilité avec laquelle elle varie les attaques. Une collaboration sensible et réservée qui sait manier l'espace et les énergies avec attention et avec économie, sans tomber dans un minimalisme primaire. Car si la structure de ces pièces laisse le silence agir, il le laisse surtout pénétrer les sons mêmes, chaque bruit paraît retenu et timide, comme s'il n'osait pas émerger du silence. Ce qui permet alors de créer un espace original où le silence est structuré et aménagé dans un design particulier, mais où le silence fait également partie des matériaux qui structurent l'espace sonore de ce duo. Ceci-dit, tout n'est pas retenu durant ces deux pièces, les drones motorisés de Davidson peuvent occuper un espace considérable, ils peuvent même saturer l'espace par leur violence, tout comme certaines attaques à la flûte et à la guitare peuvent vite apparaître comme agressives et produire ainsi des pics d'intensité, des pics qui forment des reliefs énergiques impressionnants au sein de cet univers sonique déjà très singulier. Car si l'univers sonore de ce duo n'est pas très rassurant et peut paraître parfois agressif ou violent, notamment à travers les timbres utilisés, il n'en reste pas moins très fortement marqué par un caractère plutôt méditatif et contemplatif. 10 pin boring est plutôt une œuvre poétique et narrative qui parvient à se mouvoir avec délicatesse à travers un territoire parfois hostile, mais aussi rassurant lorsqu'il est plongé dans le silence. Car oui, le silence est ici rassurant dans la mesure où si les sons paraissent peiner à en sortir, s'ils ne sortent qu'avec réserve et timidité, on s'imagine dès lors très facilement ce silence comme un cocon maternel et affectueux, comme le seul élément encore capable de nous protéger d'une quelconque agression, notamment sonore.

Ces deux pièces, qui n'en sont peut-être qu'une seule tellement elles se succèdent avec évidence et sans transition, traversent un paysage parfois escarpé et parfois rassurant, mais toujours poétique et avec un grand souci de la gestion de l'espace sonore, gestion qui s'opère d'ailleurs avec une grande sensibilité. Muris chemine à travers un territoire riche mais linéaire, singulier et intelligent. Du bon boulot.

Tracklist: 01-10 pin boring / 02-Something else

Sheriffs of Nothingness - A Summer's Night At The Crooked Forest (Sofa, 2011)

2011-10-29T14:42:00.000-07:00

Sheriffs of Nothingness est un duo norvégien composé de deux violonistes: Kari Rønnekleiv et Ole Henrik Moe. La première est au violon, et le deuxième à l'alto, pour ces onze pièces en grande partie improvisées, même si tous les deux sont plutôt issus de la musique savante. Je ne dis pas qu'ils proviennent de ce milieu gratuitement, car aucun des deux ne tente d'effacer son bagage et chacun semble apporter de nombreux éléments issus de cette tradition, notamment la clarté et la précision des structures mais également une virtuosité peu commune.

A propos de la virtuosité, on s'étonnera facilement des contrastes entre ces onze "miniatures" (chaque pièce ne dépasse que rarement les cinq minutes), contrastes présents dans les attaques qui peuvent aussi bien être imperceptibles qu'extrêmement explosives, mais également dans le toucher qui passe sans transition d'un frottement délicat à un raclement agressif. Mais la virtuosité n'est pas qu'instrumentale, le sens de l'équilibre et la gestion structurale des tensions sont également impressionnants tant ils sont précis et intelligents. Des nappes extrêmement denses et riches sont brutalement interrompues par des ruptures, par des intensités aux antipodes, tandis que la microtonalité omniprésente tend à maintenir ou à exacerber les tensions; ou bien les cordes se parlent et divergent dans une polémique virulente et agressive, aux tonalités abrasives et bruitistes. Si on peut parfois être frustré par la courte durée des pièces, l'intensité de chacune et l'intelligence de sa structure rattrapent cette frustration la plupart du temps: car si une pièce prend fin, c'est qu'il n'y avait pas d'autres solutions - c'est du moins ce que duo laisse ressentir. Chaque rupture, chaque coda, chaque fin, autant que la linéarité de certaines pièces, son agressivité ou sa douceur, tous ces éléments paraissent toujours nécessaires, aucune autre issue, technique, ou composition, ne pourraient les remplacer.

Onze improvisations qui se concentrent principalement sur la texture des cordes et sur les dynamiques possibles de ces cordes, selon les timbres utilisés. Et ces textures surtout ont vraiment quelque chose d'inouïes et d'inattendues, sans doute grâce à l'origine de ces musiciens qui ont su apporter une touche de nouveauté dans le répertoire pourtant peu exploité du duo de violons. Des timbres surprenants, mais aussi des dynamiques extrêmement intenses et puissantes, extrêmes et souvent violentes, voire agressives, que ce duo norvégien a l'intelligence de rééquilibrer par des phases lentes et douces, délicates et subtiles. Un très bon début dans le monde de l'improvisation pour ces deux interprètes/compositeurs norvégiens.

Neil Davidson & Fritz Welch - With Lumps (2011)

2011-10-29T04:35:00.000-07:00

De manière très artisanale, comme on peut facilement le voir, Neil Davidson (guitariste originaire de Glasgow) et son compagnon percussionniste Fritz Welch ont édité de leurs propres mains quatre pièces enregistrées en 2009. Quatre pièces, par le duo énigmatiquement nommé With Lumps, qui durent entre deux et vingt minutes. Durant quarante minutes, le duo écossais propose donc des agencements de textures et de timbres souvent abrasifs et corrosifs, cordes préparées, peaux et cymbales sont frottées et raclées par des objets et des instruments divers, ou caressées par des objets motorisés, ou traditionnellement pincées et frappées. Dès le départ, une nappe de sons indistincts et symbiotiques se forme en toute simplicité grâce à une écoute très sensible et à une connaissance intuitive de l'autre. La plupart du temps, ce n'est pas du tout aisé de savoir qui fait quoi, hormis lorsqu'un bol tibétain est frappé ou lorsqu'une corde est pincée normalement. En général, les sons se mélangent en une texture tendue, un peu agressive mais aussi méditative en quelque sorte. With Lumps a certes quelque chose de violent et d'extrême, autant au niveau des textures et des propriétés du son qu'au niveau de l'intensité, mais en même temps, il y a une forme de sensibilité et de délicatesse dans l'écoute et le respect de l'autre, surtout quant à ses potentialités soniques et énergiques. Un dialogue mûr et réfléchi, fait de techniques étendues et d'univers sonores variés et multiples. Le jeu de Welch n'est pas sans rappeler Lê Quan Ninh par exemple avec ses assemblages de frottements et de percussions de peaux à l'aide de cymbales et d'objets divers, tout comme Davidson n'est pas sans rappeler un étrange mélange du jeu "non-idiomatique" de Bailey, et des préparations bruitistes de Keith Rowe, sauf qu'il n'électrifie jamais sa guitare, ce qui n'est pas sans lui donner une touche beaucoup plus personnelle et singulière. Car le son de ce duo, malgré des influences reconnaissables, est tout de même véritablement original et est fortement empreint de liberté et de spontanéité, sans peur d'embrasser des modes ou des styles de jeux et de techniques. Ces quatre pièces sont certes très marquées par l'improvisation libre européenne, anglaise notamment, elles refusent toutes formes de tonalités ou de rythmes d'un côté, mais semblent néanmoins accepter leur héritage sans complexe et elles semblent également l'avoir intégré et personnalisé de manière singulière.

Improvisations extrêmes et radicales, sans compromis mais tolérantes envers leurs ascendants, souvent violentes et corrosives, mais également sensibles et contemplatives afin de maintenir une forme d'équilibre dans les différentes intensités. Un album plein d'énergie, une énergie brute à l'image de la pochette, une énergie peut-être primitive et sauvage, en tout cas vraiment puissante. Mais surtout, c'est la qualité et la singularité des textures qui étonnent, ces textures peut-être désagréable mais d'une si grande richesse, riches d'innovations mais également de symbioses. La spontanéité et la liberté de ces écossais peuvent alors nous déplacer sur des territoires soniques transversaux, des territoires situés dans les interstices de plusieurs traditions et approches du son magistralement réappropriés par ce très bon duo.

The Limbo Ensemble - Plebiscitu (Audiotong, 2011)

2011-10-28T10:23:00.000-07:00

The Limbo Ensemble est un ensemble à géométrie variable en gravitation autour des collages/improvisations/compositions du souffleur multi-instrumentiste Paulo Chagas (clarinettes basse et sopranino, flûte, hautbois, saxophone soprano, field-recordings, électroniques et ondes sinusoïdales). Sur Plebiscitu, allons-y pour la liste, on peut retrouver Quincas Moreira et Travis Johnson (violoncelle), Bruno Duplant (contrebasse), Paulo Duarte et Thomas Olsson (guitare électrique), Fernando Simões (trombone et objets), Massimo Magee (trompette) et Karl Waugh (violon et violon électrique).

Chaque pièce est interprétée par un quartet, à partir d'enregistrements solos. Chagas a ensuite travaillé à assembler ces séquences en véritables œuvres. Un travail impressionnant, car à la première écoute, il semble pourtant bel et bien que chaque participant pouvait écouter ses collaborateurs lors de l'enregistrement (on se laisse donc surprendre de la même manière que par le magnifique duo de Pisaro et Sugimoto). Chaque séquence est donc arrangée et travaillée de manière à créer une pièce cohérente et organique, harmonique en quelque sorte, et ce malgré les techniques et les instruments très différents de chaque musicien. Et pourtant, immédiatement, la cohésion est présente et se fait ressentir, à travers l'agencement de ces phrases parfois harmoniques, parfois rythmiques, comme des techniques étendues et des bruits divers présents ou ajoutés par Chagas. Cohésion qui se maintient à travers la diversité des huit pièces, chacune possédant sa propre ambiance et son propre univers, qu'il soit teinté par le free jazz, qu'il soit cinématographique et narratif ou à tendance abstraite. Les univers se mélangent et se confondent, pour n'en fonder plus qu'un, un univers stable envers et contre tout, un univers personnel et maintenu par la cohésion de Chagas, cohésion présente notamment dans ses choix comme dans les interventions qu'il rajoute à chaque pièce.

En tout cas, chaque personnalité apporte une touche précieuse et puissante, une touche à chaque fois unique et souvent virtuose. Les horizons s'élargissent pour former un espace plein, multiforme et unifié, fait de cordes, de souffles et de vents, de quelques percussions et de quelques notes électroniques ou électroacoustiques, fait de phrases tonales ou d'interventions bruitistes. Des collages intelligents et intéressants, surtout pour l'aspect très hétéroclite et éclaté, presque kaléïdoscopique, ainsi que pour le brouillage des frontières entre l'improvisation et la composition, l'intentionnalité et la spontanéité, forcément inégaux mais plein de bonnes surprises. Curieux, innovant, osé et créatif, pas mal du tout.

Ferran Fages, Robin Hayward, Nikos Veliotis - Tables and Stairs (Organized Music from Thessaloniki, 2011)

2011-10-25T02:55:00.000-07:00

Autre trio autour du tubiste Robin Hayward, Tables and Stairs est une pièce de trente minutes publiée par le label grec Organized Music from Thessaloniki, avec aux côtés d'Hayward, Ferran Fages aux ondes sinusoïdales et Nikos Veliotis au violoncelle. En apparence l'architecture est assez simple, de longues lignes électroniques et acoustiques s'enchevêtrent et se superposent, des lignes extrêmes: des infrabasses au tuba et à l'électronique aux sinewaves suraiguës en passant par un archet tout en tension et des ondes qui saturent l'espace. Mais plus ça va, plus les lignes se mélangent, comme sur la pochette, plus elles s'imbriquent jusqu'à former une nappe composée de sons indistincts. La connexion entre les trois musiciens est sensible et entière, chacun sait à tout moment comment se démarquer du son global ou comment se fondre dedans selon ses intentions, et aux autres alors de respecter et d'appuyer constamment cette volonté. Une multitude de sons surgissent de manière inattendue et surprenante, des sons originaux et singuliers que nous n'avons pas l'habitude d'entendre, pas à l'intérieur de cette atmosphère en tout cas. Car plus que l'architecture sonore et l'exploration timbrale, ce qui impressionne avant tout dans cette lente traversée est l'atmosphère proche de la paranoïa futuriste. Il y a comme un air de Philip K. Dick qui plane au-dessus de cette œuvre, tout autant que Radiohead, on aurait très bien pu imaginer ce trio assurer la bande originale de A Scanner Darkly. Une ambiance tendue, étrange, électrique et inquiétante, humaine et déshumanisée simultanément. Fages/Hayward/Veliotis organisent des sons continus et aux limites de la saturation à travers un temps parfaitement lisse et désubjectivé, Tables and Stairs ressemble alors à une musique quelque peu hallucinée mais surtout très envoutante pour l'auditeur, malgré l'extrême tension omniprésente dans ce design sonore. Il est très dur de lâcher prise, on veut connaître la suite envers et contre tout, malgré l'aspect trop tendu et extrême de cette nappe qui semble guidée par la haine et l'illusion. Œuvre extrême où le silence parvient néanmoins à trouver sa place durant la dernière partie, un silence qui détend l'atmosphère et permet à l'auditeur de se rendre compte que le musicien n'est pas atteint (ce dont on se rend parfaitement compte lorsqu'il joue seul notamment), mais qu'il a pu en véhiculer l'illusion uniquement grâce au précédent assemblage des sons. Dès lors, l'aliénation paraît être fondamentalement collective et sociale, le délire fût celui de la multitude, la société génère la folie. Mais l'individu pris dans son entièreté et sa créativité (qui est un travail également collectif, la création est aussi le travail de l'homme en général, et non d'individus) peut être sauvée, sa sensibilité est toujours intacte et préservée, l'espoir peut ainsi renaître...

Une pièce originale et riche, qui sait travailler des textures sonores originales en les manipulant avec attention, sensibilité et délicatesse, tout en maintenant une forme de tension extrême à travers le calme d'une nappe continue et linéaire.

Robin Hayward, Kristoffer Lo, Martin Taxt - Microtub (Sofa, 2011)

2011-10-22T14:13:00.000-07:00

C'est déjà assez rare d'entendre du tuba, mais publier untrio de tuba est une initiative encore jamais osée à ma connaissance. On doitcette réunion improbable autour du grand tubiste Robin Hayward (ici au tubamicrotonal, un tuba qu'il a personnellement fait fabriquer par un luthier pourcontinuer encore plus loin l'exploration sonique de ce cuivre) au label norvégienSofa. Aux côtés d'Hayward donc, deux autres tubistes que je n'avais encorejamais entendu : Kristoffer Lo et Martin Taxt.

Microtub est en gros structuré en trois parties. Lapremière est une nappe faite de sons continus, attaqués toujours de la mêmemanière, et sur la même intensité. Une longue plage lisse et pachydermique oùle temps s'étire et les sons se frottent et vibrent, ou bien se mêlent en desaccords harmonieux. Durant dix minutes donc, les tensions se font dans desespaces interstitiels et microtonaux, les vibrations provenant des frottementsphysiques entre des sons qui ne peuvent ni ne veulent s'entremêler, des sonsqui voudraient peut-être s'accorder pour n'en faire qu'un seul, mais quin'arrivent qu'à se maintenir en se rejetant comme deux aimants.

Il reste alors encore vingt minutes de musique, vingt minutesqui vont explorer le tuba en tant que tel, et non plus l'interaction entre lescuivres. Toutes les possibilités et les potentialités sont ainsi découvertesdurant cette deuxième partie : des basses abyssales et inquiétantes auxsouffles et aux pistons, jusqu'au silence qui devient omniprésent comparé à sonabsence patente durant la première partie. L'atmosphère paraît se détendre maisest d'autant plus inquiétante qu'on ne sait jamais ce qui sortira de cetinstrument improbable et méconnu. Le trio semble pouvoir aller toujours plusbas, dans des profondeurs insoupçonnées et inouïes, les basses sont toujoursplus abyssales, profondes et puissantes.

Les dix dernières minutes continuent de se déployer sur unterrain silencieux et délicat, avec quelques basses et quelques souffles. Maissurtout, ce sont les aigus qui apparaissent à ce moment, des aigus qui peinentà sortir et paraissent instables car contre-natures, des notes qui rappellentparfois le cor, des percées douloureuses et belles en même temps. Mais il nefaut pas s'y tromper, même si la nappe s'est défaite, l'interaction a toujoursde l’importance et l'espace est géré par trois musiciens simultanément quisavent également laisser agir le silence, il y a toujours cette superpositionde couches parfois harmoniques, parfois tendues par des micro-intervalles.

Microtub est une sorte de plongée en apnée dans desabysses soniques insoupçonnés et inouïs. Une œuvre magistrale explorant lespotentialités du tuba, l'interaction entre ce cuivre et son frère microtonal,mais aussi entre les instruments et le silence. Microtub explore un terrain encore inconnu, du moins très méconnu,à savoir le timbre du tuba, mais également les phénomènes acoustiquesmicrotonaux ; une exploration très singulière donc, profonde et extrêmementriche et dense. Recommandé !

Christoph Erb, Jim Baker, Michael Zerang (Veto/Exchange, 2011)

2011-10-20T13:23:00.000-07:00

Exchange est une nouvelle sous-partie du label suisse Veto Records, et leur première publication réunit à Chicago le suisse Christoph Erb (clarinette basse et saxophone ténor) pour une résidence aux côtés de deux musiciens chicagoans, Jim Baker au piano et au synthétiseur analogique, et Michael Zerang aux percussions. Une belle rencontre placée sous les étoiles de l'improvisation libre européenne, d'un free jazz américain récemment épuré et d'un esprit aventureux sans complexe. L'univers de ce trio est innovant sans l'être en fait, si Baker fait parfois penser à Thomas Lehn dans ses moments les plus extravertis ou à Cecil Taylor pour ses mouvements dynamiques, le phrasé du saxophoniste suisse n'est pas sans rappeler non plus l'autre géant new-yorkais, Ellery Eskelin. En définitive, seul le percussionniste adopte un jeu véritablement hors norme fait d'instruments multiples qui s'enchainent les uns après les autres sans qu'on ait le temps de les reconnaitre, une succession de timbres qui colle au dynamiques du piano, ou qui génère peut-être les différentes dynamiques de ce trio. Ceci-dit, c'est dans les différentes énergies, les multiples ambiances, et grâce à la facilité déconcertante que chacun a de se mouvoir à l'intérieur de ses terrains interactifs que cet album est surprenant. Le dialogue navigue entre un primitivisme sauvage, une attention sereine à l'espace, au silence et à l'interaction, une construction mélodique savante et une recherche dynamique et sonore singulière. Le trio plonge parfois dans un de ces paramètres, ou n'en choisit qu'un seul qui devient dès lors exacerbé et véritablement puissant, ou touchant, c'est selon...

Un univers assez singulier qui, à ses meilleurs moments, nous plonge dans des terrains sauvages et primitifs extrêmement intenses et puissants; ou qui fait jouer une interaction toujours sensible et attentive mais pas forcément passionnante.En tout cas, chaque moment où l'intensité atteint des paroxysmes souvent impressionnants et vertigineux vaut largement le coup d'oreille. Un trio qui ne sort pas complètement des sentiers battus tout en les interprétant de manière personnelle et inégale, mais qui sait néanmoins créer des tensions puissantes et des timbres particuliers, aussi particuliers que les ambiances sauvages les plus réussies de cet album.

Tracklist: 1-Situr / 2-Opisthoproctidae / 3-Fesch / 4-Tauch / 5-Sakana / 6-Ogcocephalus / 7-Devon

Taku Unami & Takahiro Kawaguchi - Teatro Assente (Erstwhile, 2011)

2011-10-17T09:20:00.000-07:00

Teatro Assente est une sorte d'objet sonore non-identifié, un objet qui a émergé de l'esprit peut-être un peu dérangé de deux musiciens japonais, ou de deux artistes sonores, Taku Unami et Takahiro Kawaguchi. Tout d'abord, ne me demandez surtout pas de cataloguer cette musique, je ne suis même pas sûr qu'il s'agisse réellement de musique; peut-être s'agit-il plus d'une forme de narration abstraite sonore, mais il y a tout de même un agencement des sons intentionnel. Partons donc du principe que c'est bien une forme de musique, même si beaucoup la qualifieront de cette étiquette étrange: la "non-musique". Dans tous les cas, la musique de ce duo nippon ne s'arrête surtout pas à une simple organisation des sons et à une gestion du temps, car Unami et Kawaguchi semblent avoir intégré deux autres paramètres extra-musicaux (extra-musicaux selon moi, car il sont depuis longtemps intégrés à d'autres formes de musique): la narration et la figuration.

Venons-en aux différents éléments sonores présents durant cette œuvre, concrètement, comment Unami et Kawaguchi remplissent la durée de ce disque et construisent une narration et des sortes d'icônes sonores abstraites? Il y a tout d'abord le titre de chacune des pièces qui est extrêmement évocateur et permet d'associer chaque son à une image ou à un évènement assez précis ("her cellphone rang while she was watching the blank screen of the theatre", "clockwork society transformed into tropical rain forest..."). A partir de là, de nombreux procédés sonores desservent cette narration étrange et escarpée: métronomes et objets mécanisés, vibreurs de téléphone, guitare électrique, cartes magnétiques, field-recordings, canettes, silences, etc. Chaque son figure ou narre quelque chose, aucun bruit ne paraît inutile, mais chaque son est également inattendu et surprenant: pourquoi cet hélicoptère à la fin du disque par exemple? et ce riff de guitare à tendance trash/black metal 20 minutes plus tôt? Le temps prend ici une dimension extrêmement particulière dans la mesure où le son est asservi bien plus à ce qu'il représente qu'à sa durée concrète et objective, ce qui nous plonge dans un sentiment d'intemporalité ou de temps radicalement étiré, tellement étiré qu'il ne paraît plus réel, tellement irréel qu'il ne paraît même plus existant, un temps inexistant autant au niveau de la réalité que de l'imagination.

Durant plus d'une heure, Unami et Kawaguchi nous plongent dans une atmosphère fantasmagorique et inquiétante, Teatro Assente peut ressembler à une sorte de conte glauque et abstrait, un conte surréaliste et immoral. Car l'univers sonore de ce duo est véritablement extérieur à toute norme et à toute mode, un univers franchement radical et extrême, tellement radical que ça en devient presque gênant. Car après plusieurs écoutes, je reste toujours aussi perplexe, impossible de savoir si j'aime cette musique ou non, je me demande même si ça a un sens de se poser cette question en fait, et je me demande surtout quel sens cela peut-il avoir d'écrire sur un disque aussi indescriptible, un disque dont l'écoute seule peut retranscrire l'ambiance si singulière et hors du commun. L'écoute de Teatro Assente est une expérience en soi, une expérience extrême qui demande une disponibilité et une attention complète, mais c'est aussi une expérience sensible qui tente de nous submerger dans une narration poétique et onirique.

En me relisant, je me rends compte du fossé entre mes mots et la musique de Kawaguchi et Unami, un fossé qui est peut-être l'essence de leur musique, cette musique qui produit une narration au-delà du langage, une musique presque ontologique qui pose l'existence d'une réalité en-deçà de sa réalité matérielle et discursive. Teatro Assente c'est peut-être cela, peut-être autre chose, comme une construction sonique abstraite guidée par un inconscient psychotique, c'est peut-être un peu des deux, en tout cas c'est assurément beaucoup d'autres choses essentielles et substantielles, car Unami et Kawaguchi ont su créer une sorte de monde complet en-dehors du langage, ce qui en soi est certainement une réussite, mais une réussite tellement inhabituelle que je ne sais toujours pas si je l'apprécie. Comme un chef d'œuvre inappréciable ou monstrueux, comme un plaisir insupportable ou malsain...

Tracklist: 01-She walked into a room, and found her absence. / 02-Her cellphone rang while she was watching the blank screen of the theatre. / 03-She entered the theater and took her seat. 5 times at the same time (beep on her appearance and disappearance). / 04-She left her seat and walked out. 5 times at the same time (beep on her appearance and disappearance). / 05-Knocking by anybody of nowhere (dub mix). / 06-Clockwork society transformed into tropical rain forest, however, nothing was changed. / 07-A metal object colored with green, after a while, with green and black. / 08-Teatro Assente.

Toshimaru Nakamura - Maruto (Erstwhile, 2011)

2011-10-15T05:05:00.000-07:00

Deuxième disque de la série ErstSolo après The Room de Keith Rowe, maruto est un enregistrement du spécialiste de la table de mixage bouclée sur elle-même, Toshimaru Nakamura. Cette pièce unique de 45 minutes commence tout d'abord par des vagues de crépitements et de grésillements quelque peu stridents. Des imperfections qui paraissent cependant épurées, comme des échantillons électroniques précisément travaillés, découpés et étalonnés. Les sons produits par Nakamura sont étonnamment maîtrisés et contrôlés, il n'y aucune place pour le hasard, la concentration est totale et les intentions sont claires. Passées ces cinq minutes de crépitements, un drone apparaît, un drone qui ne nous quittera plus mais qui évoluera, jusqu'à son extinction. Car Nakamura a choisi une structure contraire à nos habitudes, la dynamique de ce morceau est une forme d'intensité décroissante, plus le temps passe, plus les sons tendent à s'évanouir et à se rapprocher du silence. Un silence qui est formellement absent, mais qui, d'un autre côté, semble agir comme un aimant, un silence qui tend à absorber le son sans jamais y parvenir, sauf à la fin du disque.

La sobriété de la pochette correspond très bien à la musique de Nakamura, car tout au long de maruto, on peut sentir ces cercles linéaires, parfaits et purs, mis en reliefs par des graphismes sonores inattendus, denses et intenses à la fois. Une ligne se dessine et décline, mais une multitude de sons surgissent de temps à autre, comme pour maintenir en vie ces drones qui voudraient s'éteindre. Le matériau sonore est brut comme à l'habitude de Nakamura, un matériau composé notamment d'imperfections électriques, de buzz et de câbles électriques pris au piège dans une table de mixage, mais cet aspect brut n'enlève rien à la délicatesse de la musique. Car maruto est une pièce extrêmement sensible, et cette sensibilité à l'exploration sonique, propre à Nakamura, déploie un paysage sonore serein et contemplatif tout en utilisant des sons plutôt caractérisés par des formes de tensions et d'oppressions. Cette forme de compromis et d'équilibre semble donc également orienter maruto, qui réussit merveilleusement à déployer un univers où la grande opposition musicale entre la tension et le repos trouve un point d'équilibre rationnel dans le rapport de force entre la durée (le temps est complètement étiré et linéaire) et les propriétés sonores de chaque bruit émis (tension, stridence).

Je ne sais pas vraiment si maruto est une suite de sons agonisants ou une contemplation sereine du (dis-)fonctionnement de la table de mixage. En tout cas, la simplicité et le calme des bruits qui se succèdent de manière espacée sont vraiment très beaux, touchants, et prenants. Nakamura a su déployer ici un univers original avec des sons simples structurés à l'encontre de toute attente. Le paysage sonore est réduit et intense d'un point de vue, mais également dense et calme, voire mourant, d'un autre point de vue. Et c'est l'opposition entre ces aspects qui permet à maruto de gérer la durée tout comme l'équilibre tension/repos d'une manière singulière et créative. Une perle pleine de beauté, de calme et de simplicité au sein d'un univers aventureux rempli d'assurance et d'intelligence. Recommandé!

Kiyoshi Mizutani & Kiyoharu Kuwayama - Interlude (Either/OAR, 2011)

2011-10-13T02:32:00.000-07:00

Interlude est le résultat d'une collaboration par mail entre Kiyoshi Mizutani et Kiyoharu Kuwayama (Lethe), le premier aux larsens, et le second à l'électronique "fait maison". Le duo offre une musique étrange et inattendue, une musique calme et sereine faite de nappes, de drones, et de fréquences tenues longuement. Comme une sorte de noise tonale, une noise qui aurait trouvé ses repères et se complairait à l'intérieur de son cadre. Car la musique de ce duo n'est jamais agressive, elle est bien au contraire plutôt méditative et contemplative. Une musique où Lethe fait très attention aux propositions de Mizutani et tâche de ne jamais jouer contre lui, mais toujours avec, dans une sorte d'osmose complaisante et autosuffisante. Pendant une heure, le duo livre une suite de courtes pièces aux ambiances toujours différentes, aux sonorités statiques ou organiques, ultra basses ou très aiguës. Des univers qui changent à chaque fois de tonalités mais qui en même temps se ressemblent toujours, car on est à chaque fois dans une atmosphère caractérisée par l'étrangeté et l'altérité, chaque pièce forme en effet un univers surprenant, autre, et singulier; un univers auquel on n'est pas habitué et qui semble surgir de nulle part. Vagues de larsens et drones statiques participent à des atmosphères littéralement inouïes, renforcées par la distance qui a séparé les musiciens durant l'enregistrement.

10 pièces qui naviguent entre une planète industrielle et liquide, une planète régie avant tout par des sons autosuffisants, une planète où la lumière est dérisoire, car l'ambiance est souvent sombre et obscure, froide mais vivante. Que dire de plus, Interlude est surtout un album curieux pour les gens curieux d'expériences nouvelles, un disque assez accessible et pas trop extrême.

Barry Chabala & Anne Guthrie - Preston Hollow (Roeba, 2011)

2011-10-12T06:46:00.000-07:00

Autant le dire tout de suite, Preston Hollow est un album magnifique! Une oeuvre délicate, sensible et pleine d'émotions, mais également créative et très aventureuse. Difficile de savoir quelle est la part de composition et d'improvisation durant cette pièce, mais qu'importe, la réunion de Barry Chabala (guitariste et compositeur proche de Wandelweiser) aux field-recordings, à l'électronique et à la guitare, et d'Anne Guthrie au cor, est une excellente réussite; une réussite directement publiée par le propre label de Chabala, Roeba.

Une seule pièce est jouée par ce duo, une pièce plutôt courte (35 minutes) mais véritablement intense. "Christmas Candlelight" est d'un certain point de vue une pièce linéaire, mais où plusieurs dynamiques se croisent et se superposent, puis se rencontrent et fusionnent. Tout d'abord, il y a un élément assez statique, les field-recordings répétitifs composés principalement de chants d'oiseaux. Et c'est sur cet environnement artificiel mais tout de même ancré dans une naturalité primaire que vient délicatement se superposer la délicate guitare de Chabala et le cor toujours aussi émouvant de Guthrie. La corniste déploie quelques phrases minimalistes tout au long de la pièce, des phrases d'une à trois notes tenues plus ou moins longuement où le rythme s'abolit dans des silences qui étirent le temps de manière merveilleuse et naturelle. Encore une fois, ce n'est ni froid ni austère, car les notes aux attaques volontairement déraillées et le jeu hésitant de Guthrie sont imprégnés de lyrisme, la puissance des émotions est alors proportionnelle à la retenue de son phrasé microtonal.

Mais l'intensité maximale est surtout atteinte lors des interactions entre le cor et l'électronique, lorsque Chabala forme des accords tonaux en harmonie avec les phrases de la corniste. Ces accords sont simples, évidents et naïfs, mais c'est certainement la durée qui s'est écoulée avant qu'il y ait véritablement eu un point de rencontre et de fusion qui leur confère autant d'intensité, de puissance et de pureté. Puissance qui avait d'ailleurs déjà été préparée par la rencontre de parasites électroniques ou de guitares préparées avec le jeu primal de Guthrie qui réduisait son cor à du souffle et des pistons à ce moment (une réduction des techniques qui lui permettait d'également de se rapprocher du chant primaire des oiseaux).

Magnifique dialogue électroacoustique qui propose un voyage poétique, délicat et extrêmement sensible. Un voyage à travers un territoire original qui mélange field-recordings, larsens, cor microtonal, bruits et tonalités, composition et improvisation. Une œuvre teintée par une mélancolie puissante et intense, d'une sensibilité à faire pleurer et d'une intelligence délicate et subtile dans sa simplicité. Hautement recommandé!

Lethe - Dry ice on steel tables (either/OAR, 2011)

2011-10-09T03:03:00.000-07:00

J'ai déjà chroniqué Lethe, Kuwayama Kiyoharu de son vrai nom, pour ses deux incroyables duos en compagnie du saxophoniste Masayoshi Urabe. Dry ice on steel tables a également été enregistré en 2003 dans le même hangar abandonné sur le port de Nagoya. Pour qui a écouté les deux duos Kuwayama/Urabe parus chez Intransitive, difficile d'oublier ce vaste espace hautement résonnant. Ici, Lethe est seul, seul au milieu de quatre tables métalliques chauffées par une petite bougie, quatre surfaces sur lesquelles il frotte des pains de glace séchée. Comme d'habitude, tout est entièrement acoustique, il n'y a pas d'effets électroniques, et l'enregistrement n'est pas retravaillé au mastering ou au mixage.

Les performances de Lethe ne passent pas inaperçues, l'espace choisi pour ses qualités acoustiques possède toujours une sorte d'aura mystique ou magique propre à littéralement envouter les spectateurs/auditeurs. C'est peut-être pourquoi Frans de Waard se demande si cette performance ne peut pas être qualifiée ou apparentée à un rite. Personnellement, je n'y crois pas, d'une parce qu'un rite est essentiellement collectif et communautaire, et demande la participation de plusieurs personnes, mais surtout parce qu'il me semble que Lethe fait avant tout de la musique, qu'on peut certes qualifier de non-musique pour faciliter le catalogage, mais qui n'en reste pas moins une organisation sonore du temps, une mise en forme acoustique de la durée.

Pour cette performance, Lethe frotte un à un ses blocs de glace, un grincement surgit et vole et se répercute contre les parois gigantesques du bâtiment portuaire. Lethe possède ce talent qui consiste à créer un son et à donner l'impression que le son vit par lui-même immédiatement après sa production, chaque bruit est produit puis il est comme laissé à son sort déterminé par les propriétés physiques et acoustiques de l'espace résonnant. Mais le son ne vit pas vraiment par lui-même, car c'est toujours Lethe qui choisit bel et bien de le laisser résonner seul et de contempler son évolution à travers l'espace, ou bien de produire plusieurs sons simultanément qui se mélangent et en forment de nouveaux, de produire ces mélanges faits de grincements et de frottements, de résonances qui s'entremêlent, s'entrechoquent et s'évitent selon l'instant.

En tout cas, cette manière de travailler la résonance est parfaitement adéquate à une mise en forme singulière de la durée, le mélange de nappes sonores et la succession de cris espacés par un silence qui n'en est pas un, un silence rempli de résonances fantomatiques et spectrales, cette structure propose une perception de la durée neuve et singulière, une perception déterminée autant par les caractéristiques spatiales du lieu d'enregistrement que par les caractéristiques acoustiques des sons produits et de l'espace de la performance. Une mise en forme du temps étrange et un timbre unique, puissant, épais et éthéré en même temps, oppressant et évanescent. Car oui, les sons produits par Lethe ne ressemblent évidemment à rien de connu, et même si on pouvait les reconnaitre, cette reconnaissance serait faussée par l'espace au sein duquel ils sont produits. Une performance toujours aussi spectaculaire et originale, où l'extrême sensibilité acoustique permet l'émergence d'une musique extrême et radicale, radicale dans sa forme et extrême dans sa délicatesse. Dry ice on steel tables forme ainsi un long poème acoustique et spatial, une poésie qui résulte encore une fois de l'interdépendance entre l'espace et l'acoustique, car Lethe nous dit encore une fois que si l'espace met en forme le son, l'acoustique peut également rendre présent l'espace, ainsi que la durée.

Daunik Lazro, Benjamin Duboc, Didier Lasserre - Pourtant les cimes des arbres (Dark Tree, 2011)

2011-10-08T12:10:00.000-07:00

Dark Tree est un nouveau label français qui, pour sa première publication, a très bien su choisir ses musiciens. Entendre Lazro, Duboc et Lasserre en même temps que les deux premiers publient un solo chez Ayler tombe à point, c'est en effet l'occasion de découvrir une nouvelle facette de ces musiciens, et pas la plus inintéressante. Inspirées d'un haïku du célèbre poète japonais Basho, ces quatre pièces, bien qu'ancrées dans le free jazz, tentent néanmoins d'aller plus loin et d'explorer de nouveaux horizons.

Si la formation instrumentale est classique, les modes de jeux et les structures le sont beaucoup moins. D'une part, la batterie est réduite aux seules cymbales et à la caisse claire, et le jeu est donc plus linéaire que percussif, plus timbrale que rythmique, et il en va de même pour la contrebasse qui n'assure ni fonction harmonique ni fonction rythmique avec ses sons continus et son archet lyrique. Quant à Lazro, les phrases qu'il développe déploient plus des qualités sonores et énergiques que mélodiques. Il y a donc de nombreux sons continus et linéaires, l'espace n'est que rarement saturé et l'interaction est à tendance symbiotique, mais on retrouve également des moments complètement free où chacun se lance des petites phrases très énergiques sans les développer, où la spontanéité reprend le dessus. Il y a en fait des variations d'intensités et de dynamiques énormes, de la nappe la plus sereine où chacun est en osmose, aux phrases agressives, criardes et puissantes. Le son du trio ne rappelle pas quelqu'un en particulier, mais les structures et le jeu sur les énergies peut tout de même rappeler le trio de Cecil Taylor durant les années 60 et 70, toutes ces pièces où les mouvements de dynamismes et d'intensités guident la structure et la forme de l'improvisation. D'ailleurs, même si ces quatre pièces font souvent appel à l'improvisation et à la spontanéité, les structures semblent écrites et les mouvements prémédités. Mais quelque soit le type d'improvisation (mélodique, libre, timbrale) à l’œuvre, l'interaction entre les trois instrumentistes marche très bien et les formes nouvelles rafraichissent cette tradition qui commence parfois à s'épuiser.

Quatre pièces de free jazz qui tentent de dépasser ce genre en réinventant des formes et en exploitant de nouvelles techniques musicales. Pour sa première référence, Dark Tree a fait assez fort en publiant ce trio aventureux et rafraichissant, libre et intelligent. Car Pourtant les cimes des arbres propose un free jazz créatif, original, sûr de lui, et virtuose; un album aussi plein de délicatesse et de sensibilité, où le fil narratif plonge le trio dans des territoires sinueux et magnifiques, escarpés et poétiques.

Tracklist: 01-Une lune vive / 02-Pourtant / 03-Les cimes des arbres / 04-Retiennent la pluie

The Imaginary Soundscapes - A way out by knowing smile (Ruptured, 2011)

2011-10-07T15:44:00.000-07:00

The Imaginary Soundscapes regroupe deux musiciens français, deux instrumentistes qui ne recourent qu'à l'électronique sur ce projet: Frédéric Nogray et Stéphane Rives. A way out by knowing smile est composé de deux pièces publiées par Ruptured, un label libanais spécialisé dans les musiques expérimentales produites au Liban, où vit Stéphane Rives depuis maintenant plusieurs années. Pour ce projet, ce dernier utilise des extraits de ses précédents disques ainsi que des field-recordings quotidiens qu'il mixe et retravaille; quant à Nogray, il travaille principalement avec des pédales d'effets.

Qu'est-ce que ces territoires imaginaires? La première pièce, Low, se base sur un drone profond et abyssal sur lequel s'ajoutent des interventions parasitaires comme des larsens, des ondes sinusoïdales, des interférences, etc. Un voyage pas toujours très rassurant, où l'ambiance très figurative et narrative évoque soit une invasion d'insectes robotisés, soit un territoire post-apocalyptique dévasté où la vie tente de reprendre cours. Une musique sombre et oppressante, parfois glauque et terrifiante, mais qui n'en reste pas moins d'une richesse et d'une profondeur époustouflantes. Les sons sont très bien développés et se mélangent de manière souvent symbiotique, le mouvement semble logique et cohérent, à travers cette forme linéaire qui permet le déploiement intégral d'un univers certainement très sombre, mais surtout très original. La nappe sonore créée par les deux musiciens ne ressemblent pas à grand chose, un composé hétéroclite de saxophones, d'hélicoptères, de parasites (électroniques qui rappellent les insectes). Progressivement, la nappe se complexifie et une multitude de sons émergent et remplissent l'espace, jusqu'à un climax intense et émouvant. Puis la tension redescend calmement, l'atmosphère se dégage, et la possibilité d'un retour à la normale semble émerger...

La seconde partie du disque, High, commence sur des hauteurs stridentes et mouvantes, proches du soprano de Rives, mais plus éthérées, moins métalliques. Différentes ondes sonores se rapprochent et se frottent, tandis qu'un drone circulaire fait surface. Comme dans la première partie, interférences et bourdon s'opposent et se soutiennent, chacun permettant le déploiement total de la sonorité de l'autre. Une sorte d'expérience physique du son, d'expérimentation délicate de phénomènes acoustiques étrangers à la musique mais qui deviennent tout de même de la musique par le biais de la mise en forme de ces projections sonores. L'atmosphère est toujours assez sombre, mais moins oppressante car moins chargée, comme si la lumière avait pu percer un brouillard électronique massif et menaçant. Peut-être plus apaisée, cette pièce conserve néanmoins les caractéristiques inquiétantes du premier enregistrement, l'ambiance est encore lourde et effrayante, comme la BO d'un film cyber-punk apocalyptique. Car par-dessus un drone assez harmonieux, différents éléments parasitaires, métalliques, électroniques, se frottent et deviennent facilement angoissant, stridents, et inquiétants. Et encore, même le drone finit par devenir inquiétant, et oppressant. Ceci-dit, l'espace est quand même plus ouvert et le temps plus dilaté, ce territoire imaginaire semble pouvoir plus facilement accueillir un auditeur, il y a même des repères acoustiques qui nous sont offerts comme des notes lointaines d'instruments connus, des fragments de mélodies fantomatiques, etc.

Pour ce premier disque du récent projet de Nogray et Rives, The Imaginary Soundscapes propose deux pièces intenses et denses, aux timbres profonds et originaux. Mais c'est surtout l'atmosphère obtenue par l'interaction magique des deux plasticiens sonores qui est singulière et prenante. Une atmosphère souvent sombre et pesante, mais tout de même complètement envoutante et ensorcelante. En attente d'aussi bonnes surprises de ce duo, A way out by knowing smile est vraiment à écouter.

Abdul Moimême & Ricardo Guerreiro - Khettahu (Creative Sources, 2011)

2011-10-06T05:06:00.000-07:00

Très étrange collaboration entre le guitariste portugais Abdul Moimême et le compositeur électroacoustique Ricardo Guerreiro. Sur Khettahu, publié par Creative Sources, Guerreiro utilise une plateforme informatique qui modifie en temps réel les deux guitares préparées d'Abdul Moimême, dès lors, la frontière se brouille entre le temps présent et le temps écoulé, entre l'improvisation et la composition. Car, comme c'est indiqué dans les notes, les deux musiciens se connaissent très bien et sont habitués à jouer ensemble, ils peuvent par conséquent préméditer ce qu'ils feront. Mais ces sept pistes enregistrées en studio se réclament tout de même de l'improvisation, la forme musicale est sensée être l’œuvre de la "spontanéité" et de "l'intuition". Où est la part de spontanéité dans cette connaissance intuitive peut-être, mais qui permet une organisation rationnelle des sons? Spontanéité et préméditation brouillent les pistes et font de cette musique un voyage où l'auditeur est emporté par des flots sans savoir dans quelle eau il nage, ou tente de nager.

Il y a les guitares d'Abdul Moimême à l'origine, guitares étranges aux sonorités industrielles, sereines, espacées, métalliques, puis à travers les modifications opérées par la plateforme numérique de Guerreiro, les sons prennent une autre dimension, remplissent et forment un espace sonore nouveau et étranger. A travers le travail de Guerreiro, les sonorités d'Abdul Moimême acquièrent une ampleur surprenante et extravertie. Il y a un décalage nécessaire entre la source sonore déjà entendue et la création de Guerreiro, décalage qui perd la musique dans un espace-temps paradoxal où le temps passé forme le temps présent. De plus, au niveau purement sonore, en-deçà des procédés de création musicale, les sons (co-)produits par l'électronique ne ressemblent à rien, paraissent parvenir d'une autre planète, une planète où l'espace et le temps seraient abolis d'une part, mais où l'attraction s'évanouirait; car les sons flottent, nagent, brillent, et se répercutent contre les sources d'Abdul Moimême qui forment le futur pour eux, car la guitare est toujours contemporaine d'un signal modifié déjà écoulé.

Le voyage est vraiment original certes, et le procédé pose des questions intéressantes, mais je ne pourrais pas dire que j'aime cette musique. Les pièces ont toutes leur intérêt formel et sonore, mais l'étrangeté et l'aspect extraterrestre donnent surtout l'impression et la sensation de se perdre. D'un côté, je pense qu'il suffit d'accorder toute sa confiance aux musiciens et de se laisser guider à l'intérieur de ce vaste univers méconnu pour en apprécier toutes ses subtilités, seulement, je crois aussi que l'auditeur devrait pouvoir se guider par lui-même, et il serait beaucoup plus facile dès lors d'apprécier réellement cette musique radicalement étrange et autre. Un univers sonore très original et singulier peut-être, mais pas dénué de longueurs... A écouter par curiosité surtout.

Tracklist: 01-#26 / 02-#34 / 03-#30 / 04-#29.1 / 05-#29.2 / 06-#29.3 / 07-#36

Keith Rowe - Concentration Of The Stare (Bottrop-Boy, 2011)

2011-10-03T06:44:00.000-07:00

La chapelle Rothko à Houston est un bâtiment octogonal où sont exposés en permanence 14 des derniers tableaux du célèbre peintre souvent catégorisé (contre sa volonté) comme "expressionniste abstrait". Les œuvres ressemblent à de grands panneaux monochromes ou à des triptyques d'aplats noirs nuancés. Haut lieu de l'art contemporain, cette structure a l'habitude de recevoir de nombreux artistes et musiciens, parmi lesquels on a récemment pu voir Mural, mais également Keith Rowe, dont la performance saisie en 2007 donna lieu à ce Concentration of the stare.

J'ai rapidement présenté le lieu d'enregistrement car il me semble être de première importance dans ce concert. A la première écoute, j'ai tout d'abord eu l'impression que M. Rowe entamait une phase dépressive, tant cette musique me paraissait sombre et les nappes qui l'a composaient, froides et hivernales. Puis je me suis rappelé que les panneaux extrêmement sombres, toujours très proches du noir, qui ornent la chapelle Rothko, ont été peints très peu de temps avant son suicide; la chapelle expose en effet les dernières œuvres de l'artiste américain, celles où il abandonne progressivement la couleur au moment même où la vie semble le quitter. Au milieu de ces œuvres méditatives et intensément mélancoliques, Keith Rowe compose un drone évolutif et en plusieurs parties, muni de son éternelle guitare préparée sur table, de sa radio et d'électroniques. Durant la pièce, la guitare se rapproche du tampura indien et le drone, proche d'un bourdon harmonique, s'apparente alors à une sorte de râga minimaliste et électronique, une sorte de râga abstrait. Au fil du temps, ce drone prend plusieurs couleurs abstraites qui n'en sont pas réellement, comme Rothko, Keith Rowe semble surtout naviguer sur des teintes qui vont du grisâtre au noir; et ses drones répondent totalement aux aplats sombres du peintre. Ainsi, l'interaction et le dialogue entre peinture et musique notamment au niveau des correspondances formelles ainsi qu'au niveau de la relation timbre sonore-couleur plastique, tout ce jeu de relations interdisciplinaires rendent cette pièce véritablement intense et émouvante, puissante et profonde.

De plus, par-dessus ces nappes statiques et linéaires, le guitariste anglais ajoute de nombreux éléments qui forment une nouvelle strate faisant vivre et évoluer la pièce: interférences et signaux électriques, buzz de l'ampli, fréquences sinusoïdales et radios se greffent en surimpression sur les différents tableaux qui acquièrent ainsi relief, profondeur et densité. Opposés à la linéarité du drone, cette seconde couche ne cesse d'évoluer et d'interagir avec le reste. Ces sortes d'ornements créent du volume et un espace singulier, ils creusent le drone et le sculptent, comme si le drone était un bloc de marbre auquel ces différentes fréquences et interférences donneraient forme. Durant cette pièce, Keith Rowe construit et sculpte un espace particulier, un espace simple marqué par une apparente linéarité, mais au sein duquel surgissent constamment divers détails aussi ornementaux qu'essentiels. Comme Rothko, Rowe a su créer un paysage sonore imaginaire, abstrait d'une certaine manière, mais surtout vivant et organique, peut-être pas narratif mais très sensible et mélancolique, sombre et délicat. Recommandé!

Christian Munthe & Christine Sehnaoui - Yardangs (Mandorla, 2011)

2011-10-03T06:05:00.000-07:00

Yardangs, publié par le label mexicain Mandorla, réunit huit improvisations assez courtes du guitariste suédois Christian Munthe et de la saxophoniste franco-libanaise Christine Sehnaoui Abdelnour. Huit pièces qui ne sont pas sans évoquer le duo Derek Bailey/Evan Parker (je pense notamment à London Concert); car d'un côté le jeu de Munthe semble constamment fuir et s'opposer à toutes formes d'idiomes (hormis bien évidemment l'improvisation libre non-idiomatique) pour ne se concentrer que sur des caractéristiques dynamiques et timbrales. C'est plutôt périlleux et réducteur de comparer deux instrumentistes, mais la guitare acoustique de Munthe semble vraiment issue de cette lignée avec son jeu piqué atonal, arythmique et parfois désaccordé, quand l'instrument n'est pas traité comme un pur objet sonore, avec des objets divers. Continuons les parallèles maintenant que je suis parti: la construction et la structure de ces pièces peut également paraître proche des premières aventures picturales abstraites, de Kandinsky par exemple mais également de certains cubistes. Sur un aplat de silence, Munthe et Sehnaoui dessinent des lignes, des points et des figures qui se succèdent, s'opposent et s'imbriquent pour créer des dynamismes soniques. Car d'un autre côté, le jeu de Sehnaoui est éminemment dynamique, tel celui d'Evan Parker ai-je envie de dire, on peut retrouver chez les deux saxophonistes cette volonté de créer des formes énergiques et des mouvements dynamiques singuliers à partir de techniques étendues personnelles. Seulement, les moyens sont complètement différents et les sonorités ne se ressemblent en rien. En une dizaine d'années, cette saxophoniste a développé un vocabulaire musical absolument personnel, un langage de techniques radicalement étendues qui parvient à faire vibrer et résonner chaque partie du saxophone, jusque dans ses infimes recoins. Souffles, harmoniques, slaps, multiphoniques, et de multiples techniques propres à Sehnaoui où chacune des précédentes techniques se mélangent, forment donc des lignes et des figures dynamiques très denses, mais aussi intenses et virtuoses. Et à Munthe de répondre de son côté à ces timbres denses en constant changement. Si la fusion sonore est cependant impossible, il faut alors jouer sur la symbiose au niveau dynamique ou énergique, et tous les deux parviennent ainsi à se soutenir, à s'étayer et à s'épauler. Des cellules rythmiques permettent le déploiement d'une ligne, un souffle laisse émerger un brouillard de cordes, des phrases utilisant la totalité de l'ambitus se questionnent, se répondent, se composent, se décomposent et se recomposent dans un système nodal complexe mais spontané, parfois même hasardeux ou aléatoire.

Huit improvisations denses et intenses, personnelles voire intimes, où chacun témoigne d'une grande attention et d'une grande sensibilité à l'autre, sans jamais se fondre non plus complètement dans la sonorité de son partenaire. Pas mal du tout.

Tracklist: 01-Micro: Shale / 02-Meso: Silstone / 03-Meso: Silstone / 04-Macro: Sandstone / 05-Maro: Gneiss / 06-Micro: Limestone / 07-Meso: Schist / 08-Meso: Shale

Szilárd Mezei Wind Quartet - Innen (Ayler, 2011)

2011-09-29T00:58:00.000-07:00

SzilárdMezei est un altiste et compositeur serbe qui a déjà publié unpremier album sur le label Leo Records en compagnie de ce Wind Quartet, c'est-à-dire Bogdan Rankovic au saxophone alto, à la clarinette basse et à la clarinette, Branislav Aksin au trombone et Kornél Pápista au tuba. Autant le dire tout de suite, ce genre de musique n'est franchement pas ma tasse de thé, donc je ne m'attarderai pas sur ce disque.

J'appelle "world music" tout ce qui assemble différents genres de musique (populaire, traditionnelle, jazz, electro, etc.) dans une sorte de pot-pourri où chaque influence où élément stylistique perd sa substance au sein du mélange. Innen rentre dans cette catégorie selon moi. Tonalités balkaniques, instrumentation issue de la musique de chambre et de la fanfare, improvisation proche du jazz et du free jazz, tous ceci perd son sens (essence) à être mêlé de cette manière. Une simple alternance, une succession pas improbable ni incongrue mais simpliste de mélodies est-européennes, d'improvisations déstructurées, de lignes mélodiques propres et complexes typiques d'un jazz moderne très académique. Cet ensemble issu certainement d'un prestigieux conservatoire crée une musique que certains diront universelle, mais que je qualifierais plutôt de bourgeoise avec Adorno qui voyait surement trop le danger de ces musiques. Bourgeoise en ce sens qu'elle n'est pas créative mais rassemble un maximum d'éléments pouvant émouvoir un maximum de publics (de clients?), cet aspect apparemment universel d'une musique décloisonnée est plus totalitaire qu'autre chose au sens où elle voudrait embrasser la plus grande clientèle possible en asservissant différentes musiques, différents procédés d'écriture et d'improvisation, à un art qui pourrait toucher la sensibilité de tout un chacun.

Point de vue personnel, dirigé par une haine de la "world" et de toutes ces musiques récupérant (et désubstantialisant) les musiques populaires et traditionnelles pour s'asservir un public friand de traditionalisme folklorique, je vous demande de vous rediriger ailleurs si vous voulez avoir un avis plus impartial sur ce disque (si c'est vraiment possible d'être impartial, mais nous savons bien que non...).