En décembre 2013, c'est au tour du label Meenna de publier une nouvelle compilation monumentale de 7 CD en 300 exemplaires (200 sont déjà sortis, les 100 prochains sortiront d'ici deux semaines environ - le 25 juin pour être précis), qui s'intitule Ftarri Collection. Ftarri non pas pour le nom du label mais en relation aux festivals Ftarri qui ont eu lieu en 2008 et 2010 à Tokyo et Kyoto, et d'où sont tirés tous les enregistrements présentés sur ce disque. Un coffret vraiment excellent qui présente d'une part de nombreux musiciens japonais, en solo, en duo, en trio, et en groupe, dans des formations inédites ou anciennes, mais avec également de nombreuses rencontres avec des musiciens étrangers. C'est l'occasion d'entendre l'actualité de figures éminentes depuis de nombreuses années telles que Taku Unami, Toshimaru Nakamura, Sachiko M, Tetuzi Akiyama, Ami Yoshida ou Taku Sugimoto mais également des groupes ou des musiciens moins connus tels gnu, Tim Olive (fraichement arrivé du Canada), Chihei Hatakeyama ou Tetragrammaton, ainsi que plusieurs invités européens et coréens de renom : Axel Dörner, Klaus Filip, Ryu Hankil, ou John Butcher par exemple.
J'aurais pu bien évidemment écrire un résumé de cette compilation, ça aurait été certainement moins lourd comme chronique, mais j'ai préféré parler de chaque disque séparément pour deux raisons. La première, c'est que chaque disque contient des pièces longues, travaillées, et surtout très différentes les unes des autres. La deuxième, plus prosaïque, c'est qu'une fois le coffret épuisé, le label publiera un certain nombre de disques individuellement...
Le premier disque début avec une pièce de l'ensemble Opera Southern Cross, avec Taku Sugimoto (composition, images), Katsuaki Iida (mots, lecture), Toshimaru Nakamura (table de mixage bouclée en larsen), et Taku Unami (ordinateur). Le genre d'ensemble que j'aimerais beaucoup voir en concert, avec les images de Sugimoto. La composition est vraiment étrange et particulière : il y a beaucoup de silences, avec des irruptions momentanées de lecture, de larsen, et de montée synthétique un peu niaise demi-ton par demi-ton à l'ordinateur. L'ambiance est vraiment particulière, et me fait penser aux travaux de Marc Baron, on sent la présence de la forme, mais on est incapable de saisir sa logique, sa cohérence. Il s'agit d'une composition qui mélange des matériaux hétéroclites (voix, texte, images, larsen analogique et synthèse numérique) en un système qui paraît très rationnel, mais dont on ne parvient pas à saisir la raison. Le silence est pesant, les interventions sonores, textuelles et musicales paraissent violentes, elles arrivent sans prévenir, à un volume assez élevé. Une pièce vraiment surprenante et particulière en somme, un peu conceptuelle, mais intense aussi, et prenante ; le genre de pièce sur laquelle on a envie de revenir pour mieux la saisir.Le disque continue avec un trio d'improvisateurs constitué de John Butcher aux saxophones ténor et soprano, Toshimaru Nakamura à la table de mixage, et Tetuzi Akiyama à la guitare acoustique. Les deux premiers ont déjà publié plusieurs de leurs collaborations, et ce duo a toujours très bien marché. Mais la rencontre avec Tetuzi Akiyama ajoute une nouvelle dimension encore. Car les trois musiciens sont tous des instrumentistes virtuoses, avec chacun un langage unique. Et ces trios langages se complètent très bien. Les multiples techniques étendues de Butcher, son jeu métallique et polyphonique, les explorations soniques des parasites de la table de mixage de Nakamura et les jeu réductionniste de Tetuzi Akiyama forment un univers dense, complexe et extrêmement riche. Un langage constitué de sons acoustiques, électroniques, faibles, forts, doux, extrêmes, d'arpèges simples à la guitare parfois, ou de cordes frottées à d'autres, de phrasés jazz ou de longues harmoniques continues au saxophone, de larsens discrets et proches de l'imperceptible ou d'irruptions violentes et lacérantes à la table de mixage. Et tous ces modes d'expression se mélangent en osmose à certains moments, ou en opposition, seuls ou en groupe, le trio explore toutes les possibilités des trois langages élaborés par chacun, sans concession, en toute liberté, mais en sachant s'écouter.
Ce premier volume s'achève avec une superbe rencontre entre deux pionniers des musiques expérimentales japonaises et un membre phare de la nouvelle scène coréenne. Il s'agit respectivement de Toshimaru Nakamura (table en larsen), Otomo Yoshihide (platines) et Ryu Hankil (pendules ou montres et micro-contacts). Un trio d'improvisateurs avec un langage propre encore. Un langage abrasif et corrosif, basé sur les défaillances, les parasites et les détournements. Le trio propose une longue pièce harsh et minimaliste en même temps. De la harsh noise avec quelques larsens, des buzzs et des micro-contacts sans effets. Toshimaru Nakamura explore toujours le larsen de table en le gérant à travers un set de pédales cheap, auquel répondent Otomo Yoshihide qui explore les vibrations des platines à travers le diamant sans vinyle posé,et Ryu Hankil qui joue sur l'amplification physique de montre. Une forme de noise concret et physique, où les vibrations de l'air les plus petites deviennent des murs de sons. C'est dur, organique, violent, mais surtout hautement créatif. Excellente performance.
Et quand on parle de réductionnisme et d'onkyo, difficile de passer à côté de Sachiko M, qui présente ici une longue pièce de 30 minutes en compagnie d'Eddie Prevost. Je ne crois pas qu'il y ait vraiment besoin de le préciser, mais au cas où, la première joue avec des sinusoïdes et le second avec des cymbales frottées. Une longue improvisation toute en finesse où dialoguent les harmoniques des cymbales frottées et les sinusoïdes toujours aussi aiguës de Sachiko M. Là encore, c'est extrême, au sens où les fréquences atteignent des hauteurs qui peuvent être douloureuses, mais également dans le sens où les deux musiciens parviennent à créer un monde sonore riche avec des moyens complètement réduits et épurés au strict minimum. Une musique austère et subtile de dialogue entre des fréquences, de hasard laissé à la rencontre entre les fréquences sinusoïdales et les harmoniques générées par l'archet. C'est fin, minimaliste, radical, dur et beau.
La suite n'a plus rien à voir. Un solo d'Ami Yoshida, vocaliste expérimentale radicale et ahurissante. Sur cette piste de 17 minutes, elle improvise une longue suite de vocalises extrêmes, qu'on a du mal à imaginer produite par une voix humaine toujours. On reconnaît une voix certes, mais on dirait qu'elle est complètement saturé, qu'il n'y a plus que les extrêmes aigus qui ressortent, qui tentent de sortir d'un système d'amplification pas assez puissant. Une vocalise, une respiration. Un silence, un bruit. Une forme simple pour une musique primitive et radicale, qui se suffit à elle-même et qui impressionne toujours autant pour son extrémisme. Car s'il est une chanteuse qui a su repousser les limites et les barrières de la voix humaines jusque dans ses retranchements les plus inattendus, c'est bien Ami Yoshida. Et c'est au trio composé de Tim Olive (guitare), Anthony Guerra (guitare) et Makoto Oshiro (instruments fait-maison) de conclure ce disque avec une longue improvisation de près de 30 minutes. Tim Olive est un musicien canadien installé depuis quelques temps au Japon, pays dont il semble se sentir très proche et au sein duquel il multiplie les collaborations. De la même façon que son collaborateur Anthony Guerra, ils jouent tous les deux de la guitare préparée sur table, en jouant sur les pick-ups surtout, avec également des e-bows. Le trio explore une esthétique post-AMM et proche de Keith Rowe, dans une version plus linéaire et plus proche du drone, avec de nombreux silences ou des bruits au bord de l'imperceptible. Tous les trois explorent des sons abrasifs et minimalistes, des textures parasitaires et fines pour cette longue improvisation électroacoustique lo-fi.
Ce disque est aussi l'occasion de retrouver le guitariste canadien Tim Olive en compagnie de Haco (électronique & voix) et de Bunsho Nishikawa (guitare aussi). Un trio que je qualifierais volontiers de musique improvisée post-eai (OK, après j'arrête de qualifier chaque disque de Tim Olive de post-machin, il a seulement son style, un style influencé par beaucoup de musiques improvisées et expérimentales, mais il possède aussi un langage propre). Bref, les trois musiciens évoluent sur un territoires électrique et proche du drone, mais un drone avec des soubresauts constants, avec des ruptures spontanées assez régulières. C'est atonal, il n'y a souvent aucun note, mais parfois, des sortes de riffs surgissent avant d'être déconstruits. Les trois musiciens jouent chacun de manière différente, ils forment trois strates distinctes qui se complètent néanmoins très bien, comme si le trio avait voulu produire une musique composée de drone, d'improvisation libre électroacoustique, et de noise. Là aussi, je serais curieux d'en entendre plus de cette formation, car elle possède un langage singulier, puissant et dynamique sans jouer fort.
Un volume qui se termine également en puissance avec le trio Katsura Yamauchi (saxophone alto), Ko Ishikawa (sho), Tetsu Saitoh (contrebasse). Sauf qu'ici ça joue plus fort de manière générale. L'instrumentation du trio est variée : un bois, une anche libre, des cordes. Et les techniques étendues abondent. Oui c'est un trio d'improvisation libre qui a conservé l'énergie et la puissance du free jazz. Un trio qui joue sur la spontanéité, l'interaction, la liberté, la recherche, et l'énergie. Même si certains ont déjà joué aux côtés d'Ernesto Rodrigues ou au sein de Skogen, on est ici assez loin du réductionnisme et du minimalisme. C'est plutôt maximale comme musique à vrai, le trio propose une improvisation urgente, puissante, et instantanée. Bien sûr, par moments, ça se calme, mais de manière générale, le trio joue fort, ou quand c'est plus calme, de manière tout de même dure, brute, bruitiste même. C'est très bien joué, les musiciens font preuve de créativité et de virtuosité, mais pas trop ma tasse de thé quand même...
Et ça continue avec Hello, un trio encore plus étrange composé de Takahiro Kawaguchi (composition et guitare basse), Shinjiro Yamaguchi (guitare) et Satoshi Kanda (guitare basse). Avec Taku Unami, Takahiro Kawaguchi fait certainement parti des compositeurs les plus radicaux que le Japon connaisse. Et ce n'est pas cette pièce qui démontrera le contraire. Pour ce trio, Kawaguchi a écrit une pièce où chaque musicien ne joue qu'un son ou une note. Une basse bourdonne dans un coin, une note (qui ressemble à une note désaccordée de Jandek sur un disque rayé) suivie d'un larsen (ou pas) est répétée à la guitare, et une autre basse complètement saturée et distordue intervient aussi régulièrement. C'est à peu près tout ce qu'on entendre, les variations étant très minimales. Chaque élément est dispersé dans le temps de manière discontinue et apparemment irrationnelle. On ne sait pas trop pourquoi à certains moments il n'y qu'une seule personne, parfois deux, parfois trois, et parfois aucune. Bien sûr, chaque participation instrumentale modifie l'environnement et l'espace sonore, mais la forme reste très opaque. En tout cas, avec ce matériau très réduit et cette forme obscure, Hello parvient à faire évoluer la palette sonore d'un côté, mais également à déployer une sorte de narration abstraite. Hello suit un fil invisible qui nous amène toujours sur des territoires connus par la répétition, mais qui savent toujours surprendre, attirer et retenir l'attention. Et c'est là que je trouve cette pièce très forte. Une pièce ultra minimale et répétitive, du rock complètement déconstruit et réduit à presque rien. Comme pour le duo précédent, on dirait une sorte de rock old school, ou de drone, joué à la manière onkyo : une tentative louable et réussie pour du pur rock radical et minimal.
Puis, pour finir, c'est à un des meilleurs trio de cette compilation de conclure le coffret : Tetuzi Akiyama à la guitare acoustique, Utah Kawasaki au synthétiseur analogique, et Katsura Yamauchi au saxophone alto. 25 minutes d'improvisation minimale, spacieuse, silencieuse, fine et sensible. Au premier plan, Akiyama délivre quelques arpèges et accords tonaux et atonaux de manière parcimonieuse et sensible. Et un peu derrière, du bruit parasitaire souvent proche du bruit blanc avec une fréquence dominante de manière déchirée et éclatée au synthé, et des notes médiums de saxophone à faible volume (il est clairement derrière). Cette improvisation joue beaucoup sur les espaces entre les notes, entre les bruits, entre les silences, et entre les musiciens. Le trio produit un espace sonore très singulier qui n'est jamais complètement silencieux, jamais complètement tonal, jamais complètement bruitiste, mais toujours un peu des trois. Une improvisation très équilibrée où chaque musicien joue précisément ce qu'il doit jouer au bon moment, et de manière très précise. Un haut moment de musique en somme, exécuté avec une précision, une virtuosité et une sensibilité peu communes.
Voilà en gros à quoi ressemble cet énorme coffret de sept disques qui compte des musiciens parfois extrêmes et radicaux, d'autres plus abordables, mais qui comptent surtout des personnalités hautement créatives et qui ont su développer un langage sonore unique, ou des formes très personnelles. Qu'elles soient instrumentales, acoustiques, électroniques, ou digitales,improvisées ou composées, la plupart de ces musiques s'intéressent au son, à sa réalité physique toujours, parfois aussi psychologique, et s'intéressent surtout aux innovations et aux explorations possibles. Mais en plus de s'y intéresser, ce qu'il faut noter avant tout, c'est qu'elles parviennent généralement, et c'est le plus important, à intéresser l'auditeur, pour leur modernité, leur singularité, et leur force.
compilation Ftarri Collection (coffret 7 CD, Meenna, 2013)